Geneviève Charras

"Tranches de porc en commun": le tandem Gangloff/ Charras saucissonné!

2012-03-02T17:05:00.004+01:00

Porcus Déi!!!!

Alors que Christophe Meyer fait danser les volailles sur les cartes du tout nouveau restaurant "Le coq Rico" de Westermann à Montmartre, son frère Eric fait rugir le porc pour l'affiche de l'exposition 2012 de Art et Saveurs

Au CEFPPA de Illkirch, l'exposition "Dans le cochon tout est bon" démarre le 15 Mars à 18H 15 par une performance....de Cathy Gangloff, plasticienne et designer et Geneviève Charras, charivarieuse, cancaneuse ballet yeuse.....

Quelques extraits en prime time! Frais de porc inclus!

Il va falloir trancher dans le vif !!!

Les morceaux « choisis » : épaule, côtelette et autre jambonneau en « patron » à découper se transforment en costume à danser !!!

Alors, coup de chapeau en mortadelle et bas résille saucisson seront de bon port, salut !!!!,

Que cochon m’aille !!!! Doux Jésus!

Ah, la chanson: « Les petits boudins » et « tout est bon chez elle il n’y a rien à jeter », et les « cochonnailles » de st jean pied de porc !

Vous êtes arrivés à bon porc ! à Porrentruy -porc en truie-en al- truie- iste, à Portzamparc, à porc querol….

A pieds de porc farcis, panés vous n'étiez pas nés!!

Waedele walala, la la la!

Bon port d’attache, beau porc de tête, c'est ni du lard ni du cochon , il y en a pour tous les gouts:

Hallal ie!! jusqu'à la lie!

"Les derniers jours de Stefan Zweig": un bal tragique par Guillaume Sorel

2012-03-02T16:47:00.001+01:00

Une adaptation est toujours un pari risqué. Ici, du roman de Laurant Seksik paru en 2010, on découvre une version bande dessinée aux allures de film lent. Ayant lu l'original, c’est avec une légère appréhension que j’ai pris place à bord des premières planches. Réalistes, aux couleurs des terres qui attendent les Zweig, elles se dévoilent avec une sorte de langueur, propre, d’une certaine façon, à l’état d’esprit des personnages.

Stefan Zweig et sa seconde épouse, Lotte, beaucoup plus jeune que lui mais si fragile. Leur nouvel exil, loin d’une patrie qui les a rejetés, de pays étrangers qui craignent leur double identité. Juifs. Autrichiens. Le questionnement sur leur futur, sur la littérature, sur l’aura d’un homme estimé et pourtant profondément accablé d’une culpabilité de vivre alors que tant d’autres meurent. Et puis, en toile de fond, un Brésil bigarré et contrasté voire contradictoire. Les Zweig cherchent un abri, un refuge. Mais ils se sentent en danger même à l’intérieur d’eux-mêmes. L’écrivain, surtout, qui entraîne dans sa longue descente mélancolique sa jeune épouse si peu charismatique. Son amour de l’ombre. Celle avec qui il est bon de quitter ce monde, en fin de compte.

Le roman de Laurent Seksik abordait avec beaucoup d’intériorité et de sensibilité ces derniers mois de la vie du célèbre auteur. Cette bande dessinée arrive quant à elle à trouver l’accent juste pour en donner une approche en touches impressionnistes, approche dont les planches finales sont le meilleur exemple. Difficile de donner un avis détaché du roman mais il reste, à la fin de cette lecture, un soupir ému et empli de compassion face à cette histoire si simple d’un désespoir si complexe…
Page 71: une maginfique image d'insurrection!Carnavalesque, endiablée!
Et au finale, scène de bal, pages 75/76, tragédie où tout se termine: "je crois que j'ai trop bu...Tu vois que tu es le plus merveilleux des partenaires de danse" et puis rideau!

"Klezmer IV Trapèze volant": pour circassien, musicien, danseur: ça balance chez Sfar.

2012-03-02T16:33:00.000+01:00

Après un épisode riche en coups de poings et malversations, les membres du groupe klezmer poursuivent leurs pérégrinations et semblent tous emportés par des sentiments amoureux. Vincenzo est séduit par une jeune et belle trapéziste malheureusement encombrée d'un mari tandis que Yaacov s'enhardit et veut embrasser Hava.
Ca tourne, ça virevolte toujours chez Sfar: "trois petits tours de danse et puis s'en va" page 38 et 39 tout rebondit!: "fais-moi tourner" "plus vite", "vite parce que je dois retourner travailler"
Les étreintes, le accolades vont bon train dans cet univers bigaré de voltiges, de courses contre la montre, plus vite que le temps...
C'est magnifique et troublant de densité graphique, de mouvement, de rythme.
Et quel coloriste!

danse et cinéma : N°6 Thierry De Mey

2012-02-27T08:19:00.001+01:00

Thierry De Mey pour William Forsythe avec "One Flat thing reproduced" musique Thom Willems

Ce réalisateur de films, musicien, vidéaste, compagnon de route de Anne Teresa De Keersmaeker, Michèle -Anne De Mey, Wim Vandekeybus.ne se revendique pas comme"compositeur-réalisateur" et encore moins comme "compositeur-chorégraphe". Sa démarche interdisciplinaire se centre sur le mouvement parce qu'il conçoit ce dernier comme le fondement d'un dialogue entre les arts: "Le mouvement fédère et rassemble les approches, et provoque la fusion en une démarche synthétique".En outre qu'il s'agisse du mouvement dansé ou du mouvement produit par le musicien sur son instrument, ou du mouvement de la caméra."Venir à la rencontre" a toujours été pour lui une force alliée, une invitation, un risque excitant pour écrire, réaliser, composer de la musique: rencontre avec le poétique dans l'ouverture de cet espace très intérieur où le sens émerge, non encore formulé en mots, en notes, en images.Puis parallèlement à la rencontre avec la matière, le son, la lumière, la présence de ceux qui vont le porter: musiciens, acteurs, danseurs...
Sur la musique de film, il confie:
"Trop souvent, musiques de scène, de chorégraphie, musiques de films sont des musiques pauvres dont la raison d'être s'arrête à leur fonctionnalité au service du visuel, oubliant le souffle, l'inspiration, les sources du dépassement, de renouvellement que peut constituer le dialogue avec d'autres disciplines artistiques, avec d'autres modes de perception du réel."
Dans "One flat" grâce aux rapports entre les objets fixes, les corps en mouvement et l'articulation de la caméra, le film capture les principes chorégraphiques développés par Forsythe, fondés sur un système de signes visuels et interactifs entre les danseurs, en les transformant en langage du cinéma.
En 1905 dans "L'esprit des formes" Elie Faure prophétisait que le film de danse serait l'œuvre à venir où fusionneraient toutes les disciplines artistiques, dans un acte de création qui ne serait pas le fantasme totalitaire de l'addition de médias différents, mais au contraire une œuvre où toutes les données circuleraient pour se mettre mutuellement en tension.

Avec "Counter Phrase", chorégraphié par A.T De Keersmaeker et mis en musique par différents compositeurs contemporains-Aperghis, De Mey, Steve Reich....-Thierry De Mey propose un aboutissement de cette réflexion et porte aux nues ses axiomes tension-mouvement-souffle et interprétation.Il filme la danse sous des angles inhabituels pour élaborer une syntaxe d'images originales et transcrire la danse.Il porte aussi la danse dans des lieux extérieurs pour lui créer des espaces singuliers où elle trouve d'autres territoires d'écriture.

Cette même séance, visionnage de "Allée des cosmonautes" de Sahsa Waltz, fiction dansée et réalisée par la chorégraphe allemande berlinoise:une saga familiale sur fond de crise sociale dans un HLM.
Et "Annonciation" de Angelin Preljocaj (chorégraphie et réalisation)

"Alvin et les chipmunks 3 ": drôles de bestioles qui dansent!

2012-02-26T10:39:00.001+01:00

Ces petites bêtes si sympathiques font mouche!
Des écureuils qui ne cessent de danser pour exprimer joie, beauté, charme et séduction.
C'est très réussi, jovial, endiablé et l'énergie mise au service du mouvement, de l'intrigue, atteste d'un scénario et d'une mise en scène léchée et construite.Réjouissant!

"Cloclo":un danseur inégalé

2012-02-26T10:28:00.001+01:00

Le film de Florent Emilio Siri avec dans le rôle titre Jérémie Renier est une belle réussite et nous montre un Claude François aguerri à la danse, passionné de mouvement et de chorégraphie en compagnie de ses clodettes légendaires.Il fait danser la France dans toutes ses chansons, s'inspirant de la musique soul noire américaine puis du disco. De "Belles, belles, belles", son premier succès en 1962 jusqu'à "Alexandrie Alexandra"."Se donner corps et âme à la chanson, à la scène , à son public" fut son credo et sa devise.
Le film durent 2H 20 retrace le vie et l'œuvre de ce maniaque perfectionniste, ravageur de cœurs, pas toujours très clean d'ailleurs...
Un bel hommage, intelligent et au rythme fougueux semblable au personnage!

"Sport de filles": les chevaux dansent aussi.

2012-02-26T10:15:00.001+01:00

Ce film signé Patricia Mazuy avec Marina Hands, Bruno Ganz et Josiane Balasko est le récit de la vie de Gracieuse, éperdument fan de cheval, palefrenière ambitieuse qui rêve de posséder sa monture et d'être l'élève du grand maitre incontournable du haras près de chez son père...
Les chevaux y exécutent de véritable ballet, avec pas et figures réglés comme des partitions de musique.De très belles séquences chorégraphiées nous rapellent toutes les affinités de la danse avec le monde équestre.
Le vocabulaire, déjà: manège, volte, assiette,galop, cabriole et la voltige, art académique, coqueluche du XIX ème siécle...
Voyons avec Paul Valéry:
"Le cheval marche sur les pointes.
Quatre ongles le portent.
Nul animal ne tient de la première danseuse, de l'étoile du corps de ballet,
comme un pur sang en parfait équilibre."
"A l'équilibre du pur sang et de l'étoile, je me permettrai d'ajouter la cabriole, figure de l'art de la cavalerie et de l'art chorégraphique.
Là encore la ressemblance est frappante.
Pour sauter le cheval tend ses pointes
comme la danseuse."

Grand Magasin, en "maîtres du mystère"

2012-02-24T06:51:00.003+01:00

Le légendaire duo formé par Pascale Murtin et François Hiffler, œuvrant sous le pseudonyme de "Grand Magasin" repart à l'assaut d'un genre de spectacle bien à eux: "Les rois du suspense" font mouche avec leur humour distancé, décalé, les situations fort simples et dénuées de complexité qui cependant se transforment en labyrinthe de la pensée et du geste associé.Ils content et racontent à l'envie, des mystères qui n'en sont déjà plus puisque tout est révélé à l'avance de l'intrigue à chercher!
Enquêteur, en quête de filature pour détective friands d"énigmes insolvables, les voilà embarqués sur une scène jonchée d'objets divers qui serviront leurs propos et l'avancement de leur recherche sémantique. Orpailleurs du verbe, du sourire pince sans rire, au royaume de l'absurde, ils nous convoquent avec plaisir dans une douce contagion pour savourer leurs trouvailles de tout genre!
Ingénieux ingénieurs, ils ne nous conduisent pas vraiment droit au but par des chemins de traverse, "chemins de l"âne" qui furète sans cesse et glane le meilleur, le "sot-l'y-laisse" !
Alors on atteint le sommet de l'incongru, on se prend au jeu et l'on déguste les couleurs flash de leurs atours, vert, jaune, tenue de ville smart et bc bg convenue.
Ces rois du suspense sont bien malins et mutins, espiègles en diable et manipulateurs de féerie, magiciens des situations, illusionnistes et fabricants de bonheur. Une boutique fantasque étrange et belle que ce fonds de "grand magasin" qui enchantait ce soir là le public, partenaire et complice, à Pôle Sud à Strasbourg.A visiter sans modération et sans label AOC.
Une longue histoire aussi de fidélité et de partenariat avec cette structure qui affectionne tout particulièrement les spectacles inclassables et enchanteurs, pour le plus grand bien de nos idées en chantier au sujet de la danse, toujours changeante.

"Les rois du suspense" par Grand Magasin: grandiose affabulation

2012-02-23T07:03:00.000+01:00

Avec Pascale Murtin, et François Hiffler il faut s'attendre à tout!
Après le très brillant spectacle à quatre corps,"Voyez-vous ce que je vois" où ils déclaraient: « Rien ne m'assure que la couleur que je vois, le son que j'entends, le parfum que je sens soient perçus par mon entourage de la même façon que moi.Impossible de savoir ce que ressent exactement autrui et dans quelle mesure cette sensation correspond à la mienne. Problème fréquemment soulevé, souvent l'occasion de discussions interminables, dont nous nous bornerons à débattre, exemples à l'appui, une quarantaine de minutes.» Grand Magasin repart à la conquête de l'absurde et du déconcertant.
Après cette conférence qui avait été préparée à la demande des « Soirées nomades » de la fondation Cartier pour l'art contemporain et prononcée pour la première fois en public le 21 novembre 2003, les voici à la recherche, en duo simplement de tout ce qui déraille gentiment dans le système.Ces "Ubu" rois, à deux, vont conjuguer sur le mode de l'humour froid, implacable et décalé, le jeu du suspense, du suspendu à leurs lèvres et à leurs démonstrations multiples sur ce vaste monde qui ne va pas toujours très droit!
Alors, laissez-vous faire et lâchez prise pour embarquer le temps du spectacle pour un voyage enchanteur et enchanté!
A Pôle Sud le 23 Février à 20H30 à Strasbourg

"Go Go Tales": la danse est un art noble", pas pour les gogos!

2012-02-18T19:07:00.002+01:00

La pole dance est une pratique de danse de cabaret érotique, de boite de nuit style strip-tease ou "go go dance" dont a toujours raffolé le Pigalle de Paname et autre capitale du plaisir.
Cette discipline qui consiste à réaliser des figures acrobatiques autour d'un mât vertical fait fureur dans le monde entier. Même si elle garde une réputation sulfureuse.... Cette activité sensuelle des cabarets pour messieurs est au cœur de "Go Go Tales".
Le dernier film de Abel Ferrara est né sous le signe d'une bonne étoile: pas celle de l'Opéra de Paris, ni des stars du Crazy Horse! Celle d'un firmament, d'un paradis constellé de beautés féminines, plus onctueuses les unes que les autres.

C'est simplement l'histoire du cabaret "Paradise" dirigé par un joueur de loto, Ray Ruby, personnage haut en couleurs, affublé de ses acolytes qui ne valent pas mieux que lui.
Les danseuses, elles, sont talentueuses, sensuelles et la caméra les dévoile dans une mouvance tout près des corps, fluide, ondoyante, coulée, troublante. Ca ondule des fesses à foison, à l'envie et procure du bonheur . Ce petit monde chahute et virevolte avec moult problèmes insolubles...."La danse est un art noble" entonne le tenancier de la boite qui défend son gagne pain comme il peut à ses bailleurs de fonds: en l'occurrence une vieille rombière décatie et hystérique à souhait.
Même une petite chienne se met de la partie et fait son numéro de pole dance....
Allez, ce n'est pas un chef-d'œuvre, mais la danse y est plus qu'un prétexte, c'est le clou du film et elle émet des signaux forts quant à l'importance qu'elle prend dans la société, le voyeurisme, le dionysiaque!

"Flip book": ré-citation, ré-création:Merce by Merce by Charmatz!

2012-02-18T07:26:00.004+01:00

Alors que la compagnie de Merce Cunningham lui rend un dernier hommage en présentant "Suite for five", Boris Charmatz interroge en gardien iconoclaste de la mémoire de la danse, l'œuvre protéiforme du grand Merce, ce bird aux pieds de Pégase qui sautait plus haut que son ombre, et faisait des gymnopédies d'Erik Satie, des musiques à danser autour du buffet! Et voici les enfants terribles de Cunningham heureux d'en découdre avec le traditionnel "hommage à" en s'inspirant du bel ouvrage de référence de David Vaughan, son biographe de toujours. Faisant office de partition chorégraphique pour la régie durant le spectacle, le book est l'objet de la tourne, comme pour un musicien attelé à son instrument. Placé juste derrière la régie, on se régale de voir évoluer les six danseurs à l'image des photographies qui illustrent ce temple de la mémoire et du patrimoine de Cunningham.
Mais pas de mimétisme pour autant.L'humour, le détachement et la distanciation font jaillir de la danse des bribes, des détails, des citations chorégraphiques qui sourdent des corps en éternel mouvement. La musique? Elle va et vient, se fraye un chemin dans le vaste espace où les danseurs lancés dans leurs "events" font les électrons libres. Foofwa d'Imobilité, Raphaëlle Delaunay et les autres, Boris Charmatz semblent se régaler, entre contrainte, discipline et imagination débordante. Ils plaisantent, se rient de leur expérience comme Merce le faisait avec son compagnon de vie et de scène, John Cage, pouffant de rire et de vie à longueur de journée (voir le très beau film (Cage/ Cunningham de Elliot Kaplan)

Les justaucorps dont les six danseurs sont vêtus évoquent les ballets de Cunningham et l'on se complait à y voir en raccourci l'une ou l'autre des œuvres citées, telles "Beach bird".Un "scénario" inoubliable où après ce condensé d'images-mémoire, chacun se lâche et laisse libre cours à son interprétation de l'univers du maestro de la post-modern dance, toujours à l'affut du neuf, du drôle et du chorégraphiquement "incorrect".Quelle intelligence de la part de Charmatz de montrer ainsi que son "musée de la danse" est vivant, déflagrateur, respectueux et empreint de la "culture" de la danse qui échappe ainsi à tout formatage classique.
Oui, "je suis une école de danse" ouvrage qu'il signe comme manifeste ou traité est bien vrai et d'actualité. Si un centre chorégraphique est bien ce "bocal" où l'on "conserve" l'authenticité du mouvement de la pensée, alors Boris est bien la Méduse de Valéry, ou cet homme qui ne danse pas de Mallarmé. A vos livres, à vos "book" pour en faire non des gadgets mais des trésors à partager, à feuilleter comme des rebondissements, des idées à saisir au vol. Au voleur d'images, à celui qui capte le monde à vif, merci pour ce roaratorio, ce polarity, ces combinaisons, comme autant de combines à la Rauschenberg...
Quand les contemporains signent une danse imbibée de Merce tout en tuant le "père" pour naviguer en free-lance dans l'espace, c'est à une totale réussite jubilatoire que l'on assiste, suspendus au rythme, au timing du spectacle, en proie à une empathie rare et audacieuse.Homme-animal, homme- oiseau notre Piped est loin d'être mort et enterré.
Comme avec Jérôme Bel et son "Cédric Andrieu", encore une belle vision des connivences, complicités et conversations avec le grand "papy" de la danse!!!!
Surtout pas de mausolée pour embaumer la danse, ni de panthéon! Cela met du "baume" au corps que d'assister à un tel événement, un juste chassé-croisé, entre chat et loup à l'aube du deuil de Merce Cunningham!

"Let's dance": quand la Perfide Albion se déchaîne avec le Ballet du Rhin

2012-02-16T07:17:00.004+01:00

Judicieuse idée de la part de Bertrand d'At directeur du Ballet du Rhin à Mulhouse,que d'imaginer un programme "british" pour honorer l'année de la présidence britannique du Conseil de l'Europe, à Strasbourg.
Un triptyque qui rassemble une œuvre de référence "Le Jardin aux Lilas" d'Antony Tudor et deux créations.Pour cette pièce, pas une ride depuis 1936, date de sa création pour le Ballet Rambert. Beaucoup de grâce, de nostalgie dans une danse qui en découd avec l'académisme et retrouve fraîcheur, innocence et fluidité d'un lexique néoclassique, sobre, enjoué, léger et quasi romantique.La pleine lune, la forêt en sont de la partie, pour plonger les couples, solistes ou pas de trois ou quatre dans une atmosphère sereine emplie de la jouissance du beau. Les interprètes s'y plaisent assurément et la musique de Chausson contribue à rehausser ce plaisir délectable d'un classique bienvenu en ces temps d'évanescence du chorégraphiquement correct.

Avec "Many" en seconde partie de la soirée, c'est à Thomas Noone qu'est confié le soin de diriger la compagnie sur les pas de la création. Il signe décors et costumes pour évoquer la foule, l'anonymat, et ceci avec un don inné de l'unisson, légèrement décalée. Une danse "chorale" qui parfois rompt avec l'unité pour isoler l'un ou l'autre de ces personnages interchangeables, vêtus à la citadine, sobrement "quotidiens" dans leurs évolutions, déplacements et agencement de foule. Deux pans de murs laissent par un interstice passer les corps, à reculons, à rebrousse poil. La danse y gagne en fluidité, les portés se font électriques, les gestes tétaniques et architectoniques. La musique de Philp Sheppard est un bijou d'orfèvrerie musicale, la composition pour cette mouvance,en adéquation avec le dynamisme, le suspens engendré par les groupes .
Après un entracte, le rythme de la soirée s'amplifie avec "Tea for six (or ten)", une chorégraphie "maison" signée Mathieu Guilhaumon. Pour un coup d'essai, voici un coup de maitre!
Hymne aux objets emblématiques de la vieille Angleterre, à savoir: la couronne, le parapluie, la tasse de thé, les roses et l'horloge de Big Ben, les gardes et la relève du Royaume, cette pièce est riche, pleine de surprises agréables, de clins d'œils humoristiques aux us et coutumes des insulaires!
Du bel ouvrage sur du Purcell avec des costumes superbes et innovants, à la coupe très "design" qui magnifie un style tonique où l'espace est judicieusement partagé par les danseurs qui semblent se fondre dans cet univers légèrement déjanté et malgré tout "pas sage" pour autant.Un nuage au dessus de tout cela fait la pluie et le beau temps de la chorégraphie changeante comme la météo capricieuse. On y convoite la couronne, on y manie le parapluie, on y partage une tasse de thé géante, surdimentionnée à l'envie!
Voici une pièce inattendue, réjouissante et pleine d'allant pour le juste bonheur d'un "tea for two" pris en compagnie d'interprètes radieux et pleins d'un discret talent porté ici au zénith en "interne".
So british, so design aussi que cette soirée astucieuse, à l'image de son directeur qui se plait à décaler, surprendre et oser parcourir avec bravoure les sentiers de la création autant que du répertoire. Pour nous rappeler que la danse vient bien de quelque part et non pas de nulle part.

"Flip book" de Boris Charmatz: à effeuiller absolument

2012-02-14T16:02:00.001+01:00

Comme on feuillette un petit livre d'images qui s'anime avec la vitesse des pages qui s'égrainent, Boris Charmatz propose une version très particulière de la vie et de l'œuvre de Merce Cunningham, le créateur démiurge de la post-modern dance aux USA, depuis 1940 jusqu'à sa mort très récente.
Du livre abondamment illustré de David Vaughan, son administrateur complice et biographe "Merce Cunningham, un demi-siècle de danse", ouvrage de référence, Boris Charmatz crée un spectacle coup de poing, inclassable sur le chorégraphe si versatile, prolixe et symbole de toute une génération de créateurs.
Une façon bien à lui de rendre un "hommage" iconoclaste en diable au "Bird" de la danse, à celui par qui tout arriva, de la danse y-king, à la fusion danse-arts plastiques avec les plus grands de son époque-Rauschenberg, Duchamp-Jorns...-Quand cette lecture de son œuvre devient un condensé réfléchi par Charmatz, actuel directeur du Centre chorégraphique de Rennes-musée de la danse,on peut s'attendre à surtout ne pas baigner dans le formol ni la convention!
Du "bocal", il a tout d'un fêlé, du conservatoire, il a tout du respect, alors on ne peut que s'incliner devant le propos,les intentions assumées et l'interprétation hors pair d'une Olivia Grandville ou d'un François Chaignaud, actuels chorégraphes qui ont le vent en poupe et débordent d'indiscipline, d'indisciplinarité!

à voir au Maillon Wacken, en collaboration avec Pôle Sud à Strasbourg, les 16 et 17 Février à 20H 30

"Let's dance!" au Ballet du Rhin: "so british!"

2012-02-14T15:28:00.002+01:00

Alors que la présidence britannique bat son plein au Conseil de l'Europe, le Ballet du Rhin propose une programmation inspirée de la culture chorégraphique et musicale "made in England".
Au programme une reprise du merveilleux "Jardin aux Lilas" de Antony Tudor, l'un des fleurons de la chorégraphie anglo-saxonne dont l'existence tangible se fait ressentir à l'aube du XXème siècle.Une histoire d'amour troublée et dérangée, quasi romantique où la présence des fleurs demeure un signe de garantie assuré.Un retour aux source comme une fontaine de jouvence.
Avec "Many" c'est à une création de Thomas Nonne, jeune chorégraphe britannique que nous assistons.Un univers peuplé d'individus confrontés au groupe. Vont-ils y perdre leur identité ou y gagner une altérité pour mieux s'identifier dans ce monde pluriel et anonyme?
Autre révélation de ce programme en trois parties, la création de Mathieu Guillaumon, "Tea for six (or ten)". Une proposition qui loin des clichés sur la vielle Angleterre, nous conduit sur les traces de la tradition revisitée à bon escient:: des objets emblématiques tels que parapluie, tasse de thé ou autres y deviennent des prétextes de symboles à détourner.
Vous reprendrez bien une petite tasse de thé avant de vous lancer dans l'aventure de cette confrontation de danse entre tradition et modernité, sans que cela soit votre "Last dance"!

A découvrir dès le 15 Février 20H à l'Opéra du Rhin àStrasbourg jusqu'au Dimanche 19 Février 15H
www.operanationaldurhin.fr

les danseuses de philippe jacq

2012-02-05T18:47:00.000+01:00

les voici à l'exposition THRILL à Strasbourg

"Je cherchais dans mes poches" de Thierry Bae: des leurres, du trouble, de la joie.

2012-02-01T18:29:00.001+01:00

Non, Thierry Bae n'a "toujours pas disparu", ni terminé son "journal d'inquiétude": le revoilà sur scène avec trois comparses pour une pièce unique, taillée sur mesure à sa démesure. Il est un chorégraphe, discret qui sait conduire ses gestes et ses paroles. Un musicien, pianiste, Benoit Delbecq orchestre ce petit monde de trois danseurs qui égrènent leurs souvenirs, leur " ce que je ne suis pas devenu" avec bonheur et humour, distance et proximité à la fois. Vrai ou faux, peu importe, on se laisse emporter par des récits de corps, des histoires humaines, des contes de fées qui n'ont rien d'extra-terrestre mais qui nous projette parfois dans nos propres souvenirs. Les images défilent sur l'écran de la mémoire, tendu derrière eux et réfléchissent le passé, font resurgir en résurgence, les flux et reflux des gestes incorporés, digérés par le corps, ses strates et la vie qui s'écoule.Tout concourt à nous immerger dans leur univers: la musique, présente, charnelle au même titre que les évolutions des trois interprètes y joue du sien avec malice, s'immisçant dans le chœur de la chorégraphie.Thierry Bae signe ici un petit manifeste de son art bien à lui, un souffle qui n'est jamais court malgré une anatomie toute singulière qui le pousse à vaincre son asthme qu'on aurait pu prendre pour un handicap chez un danseur. Thierry Bae cherche au fond de son âme, de ses poches tout plein de petits trésors que l'on garde précieusement près de soi, sur soi, dans ses vêtements.Et y ajoute un zeste d'autobiographie avec ceux qui l'entourent: Sabine Macher, Corinne Garcia, et Benoit Delbecq. Ils se présentent tour à tour, d'abord suspendus à des cintres d'armoire, comme des marionnettes un peu paralysées par le trac. Puis, les deux femmes se succèdent au devant e la scène, en alternance et offrent chacune de brefs solos très personnels, Sabine, sensuelle, évaporée, nostalgique et très glamour, Corine plus tonique, à la danse hachée, toujours inachevée, stoppée par de petits spasmes réguliers ou envolés.l Sabine chante aussi du Kurt Weill avec beaucoup de sensibilité, de subtilité dans le geste vocal.Alors que notre pianiste s'éclipse pour aller faire une partie de ping-pong avec les techniciens derrière le rideau de scène. La scène est filmée en direct et pleine de dérision et de distance! C'est désopilant et démystificateur. Les femmes revêtent à l'envi les robes de leur jeunesse, de leur vie et ne se dérobent aucunement à leur vocation d'actrice, de danseuse. Leur petit défilé démonstration est plein de charme et touche là où cela parle à notre mémoire, à nos envies partagées.Au final, la danseuse, en robe rouge, traverse et sillonne l'espace, fugitive, emportée par une mouvance aussi fluide qu'interrompue par une sorte de fragilité dans le geste inachevé, suspendu. Alors Thierry Bae se lève, lui qui a assisté, assis de côté à toute la représentation:: avec sa trompette, ilclot le spectacle qui s'éteint sous nos yeux à petits feux.Du bonheur assuré, assumé et transmis généreusement au public de Pôle Sud qui ce soir là lui fit un accueil chaleureux en retour.

"Nuda Vita": la danse de la cruauté selon Caterina et Carlotta Sagna

2012-01-26T07:52:00.000+01:00

La vie toute nue, toute crue, celle qui "pue" autant que celle qui sent bon la complicité, l'amitié, la solidarité!La voici, la danse parlée, théâtralisée comme jamais on ne nous l'a montrée.
Les voici, les deux "sœurs" Sagna, en résidence "groupée" à Strasbourg, à Pôle Sud pour deux saisons. Un bonheur avoué tant déjà par la présentation de ce spectacle, leur intuition chorégraphique sent "bon" l'inédit, le travail sur la danse et la dramaturgie, le lien avec le tissus culturel maillé depuis longtemps par le réseau "danse" , très dense de Strasbourg. Un programme animé des meilleures intentions pour cette résidence "carte blanche" confiée à la toute nouvelle compagnie "caterina et carlotta Sagna": bicéphale binôme, tandem incontournable désormais d'une danse fléchie et réfléchie, miroir d'un projet commun considérant l'humain comme toute source de création.Ils sont quatre, et le resteront, sans quitter le plateau, une heure durant. Trois femmes, un homme, bien identifiés, revêtus de costumes chatoyants, veste rose, manteau vert, pantalon multicolore et fleuri. Déjà toute une histoire de tapisserie de la vie est contée au travers de ces accoutrements singulièrement joyeux et hors du commun. Un faisceau en carré de lumière sera leur première ère de jeu, pour mieux s'éclater en autant de particules d'espaces par la suite. Une femme à terre se roule, s'enroule, se déploie et par petits fragments successifs, dessine sa mouvance au sol. Les trois autres intrigués vont se réunir et se lancer dans des fous rires compulsifs et régénérateurs. Contagion des spasmes des corps, des voix éructant du beau son!Quatre membres d'une même famille? Peut-être, sans doute si l'on veut bien "entendre" les clins d'œil à une fratrie possible, jetés dans de petites phrases, dans des mots ou injonctions adéquats.Cette petite population, unie autant que désunie va bon train et une intrigue flotte dans l'air, suspend ses interrogations et rebondit à chaque instant. La danse gagne les corps, des jeux de bras et de mains désopilants agrémentent de leur piment visuel et humoristique, ce tableau de famille pour le moins déroutant. L'entente, le désaccord s'y mêlent, la complicité règne cependant sans fard dans ce quatuor à quatre corps à huis-clos pour le meilleur et pour le pire. Cela transpire le bonheur, "pue" parfois la méfiance, la disgrâce: "Avorton", "barges": de ces fiers qualificatifs, notre seul homme se laisse traiter sans crier gare, mais en esquivant les injures. Alessandro Bernardeschi tire son épingle du jeu brillamment, Tijen Lawton est une sirène volubile et gracile idéale, quant aux sœurs Sagna, elles rayonnent de leur singularité: intégrité,souriant détachement espiègle, malice et vire-volte devant la vie et ses petites catastrophes quotidiennes.
On attend avec impatience "la suite" des faits et méfaits des deux créatrices sur le territoire alsacien!
Comme une suite sous forme d'enquête policière, à la quête des bons mots, des bonnes adresses et ressources qu'elles sauront faire surgir de chacun d'entre nous, acteurs ou spectateurs avisés de cette résidence. On ne va surement pas s'y "croiser les bras!

"Déambulation hivernale" de Renate Pook: (s)ombres et lumières

2012-01-14T08:47:00.003+01:00

"Déambulation hivernale" à Saint-Pierre-le-Jeune à Strasbourg

Une méditation dansée...

"Va à la rencontre du Wanderer...
Va à la rencontre du marcheur solitaire au cœur de l'hiver...
Passe outre l'immense respect pour un génie créateur comme Franz Schubert
qui, au sommet de son art du Lied,
l'année de sa mort,
compose,
sur les poèmes de Willhelm Müller, son contemporain,
Die Winterreise".

Renate POOK

L'église est prête, sa nef accueillante, ses chapelles ouvertes au dialogue, sa crypte offerte au regard: c'est soir de spectacle à ST Pierre le Jeune. Mais que l'on ne s'y trompe pas, c'est à une ballade chorégraphique, une "visite sensible" que nous allons participer, un petit groupe d'"élus", réunis pour une rencontre, avec un lieu, avec des artistes, avec une femme, danseuse de son état de corps: Renate Pook.Le ton est donné en prologue par notre prêcheur, guide, berger, Bruneau qui pose les règles du jeu. Suivre Renate, des yeux , se laisser mener par son corps, initiateur du chemin.On démarre donc ces pérégrinations par la découverte du statuaire, ce "petit moine" au pied de la chaire. Renate apparait, tout près de la porte, frappe les trois coups. Pas de réponse à sa curiosité: il n'y a personne derrière ce pan de vie mystique. Alors démarre la musique, enchaine la danse. Une petite danse tétanique, aux gestes vifs argent et précis, ciselés, animés d'une vivacité fébrile, comme des électrons libres, tantôt maitrisés, tantôt libérés. Se propageant dans l'espace. Se répandant au sol, aussi, pour évoquer, recroquevillés, la naissance des froidures d'hiver. Elle est vêtue sobrement d'un long gilet de laine tricoté, beige, gris, dont les plis se déploient lors des tourbillons de son corps, comme un éventail à la japonaise, un drapé-plissé à la Myaké, ou à des origamis...Sa silhouette fine, gracile évolue dans les espaces de l'église La petite troupe la suit, précédée du récitant qui fait étape avec nous sur le bord du chemin, comme une pause, une ponctuation en dialogue avec la douceur ou la fulgurance du mouvement.Renate se pose, gravit l'escalier qui mène au déambulatoire du jubé, se laisse glisser, nous entraine dans la découverte du lieu, par le regard, par l'espace qu'elle y invente à elle seule. Expression angélique parfois, ingénue et tendre d"une jeune fille aux aguets. Terreur ou inquiétude très expressive aussi quand la gravité du chant et de la musique lui inspire respect, recueillement,dévotion. Elle se glisse avec malice dans les travées des stalles, les longues et interminables rangées de bancs, comme dans un labyrinthe, y suit sa fantaisie, change ses orientations à l'envi, Son humeur vagabonde lui dictent les changements, virevoltes et autres revirements.. Elle est inattendue et agace son monde quand, têtue elle cherche à franchir quelques obstacles dressés sur son chemin. Elle se faufile dans la petite foule qui se resserre parfois sur elle, comme un cocon ou une entrave.Les portes, les ouvertures possibles l'intriguent et elle va s'y confondre ou s'y confronter avec tentation, audace et parfois déception.L'architecture du lieu lui offre mille et une portes et sorties, un banc d'orgue pour rêver, une estrade, un escalier, tout est prétexte choisi pour atteindre in fine la dernière chapelle "ardente", puis la scène finale, le chœur où tout s'achève dans le mystère d'une fin consommée. Un chanteur, une accordéoniste vont se joindre à elle au cours de cette chanson de gestes, parcours futé et énigmatique de cette demeure de Dieu et des Anges. On y découvrira des clefs de voute sculptées en fleurs, des chapiteaux aux multiples têtes, des fresques qu'elle effleure au risque de les effacer.... De l'audace, du respect mêlés pour cette visite incongrue, longuement réfléchie et vécue par la danseuse, un mois durant, dans le froid, dans le silence, dans les vibrations du lieu qu'elle nous fait ressentir comme autant de pistes d'un vécu spatial singulier.Le silence revient, fin de partie, la musique, la voix se taisent, tout rentre dans l'ordre: la jeune fille , la femme à longue tresse comme une seconde colonne vertébrale disparait, suspend sa danse, éteint sa mouvance, coupe l'énergie. Plus de martèlement de sol avec les pieds, disparue la danse fendue en tierce, tranchée dans le vif de l'espace. Finies les glissades, les tours de derviches légèrement inclinés vers l'intérieur, les positions de pieds ancrés au sol, le corps qui s'allonge et se tait, au repos.Tout rentre dans l'ordre et les ombres, les lumières raviveront ce souvenir intemporel suspendu à nos mémoires: l'éphémère, le fugitif ne laisseront pas de traces hormis dans nos cœurs..
Des instants de grâce servis par une interprète, auteur de sa danse qui semble au zénith de sa forme, énergique, solide, forte comme une conviction de vie, de surprise et de rigueur fantaisiste. Gravité, tendresse et jubilation au menu pour cette dégustation chorégraphique sans modération.Effusion, calme, fulgurance, attente, suspension, hésitations, inclinaisons tentations: toute vie y serait résumée. La solitude aussi.La mort, la disparition s'y font présentes, discrètes.
Un voyage d'hiver fondateur.

"Winterreise / Voyage d'hiver"
Musique de Franz Schubert
sur des poèmes de Willhelm Müller,
Enregistrement de 1966,
Dietrich Fischer-Dieskau, baryton
Jörg Demus, piano.

Bruneau Joussellin, récitant.

Une chorégraphie conçue et dansée par Renate POOK.

Avec "Intérieur nuit" de Jean Baptiste André,tout bouscule, tout bascule....

2012-01-14T08:35:00.004+01:00

‘intérieur nuit_’ explore les limites physiques du corps, questionne l’équilibre précaire et intime de chacun. Cette pièce est une expérience intérieure, un moment d’intimité et de proximité à partager, et tout à la fois ludique et coloré. La performance scénique plonge le spectateur dans des états de rêverie, provoque des éclats de rire et bouscule les repères sensoriels. Chacun revisite ainsi sa perception du temps et de l’espace, à travers notamment l’utilisation de la vidéo.Jean Baptiste André-danseur circassien- évolue dans un huit-clos à sa guise. Le décor est planté:deux murs, c'est tout pour créer l'illusion de multiples espaces, d'univers différents, de planètes inconnues où le corps de l'artiste va se frotter à de multiples expériences. De gravité, de suspensions, de diversion. Son jeu, sa vie, ses envies: défier les lois de la pesanteur sans qu'on le remarque. Dévier, détourner, confondre et user de son univers: autant de clefs pour ouvrir autant de portes et d'issues à son éternel questionnement sur la place du corps dans l'espace.La vidéo va lui tendre une bonne perche! En enregistrement direct, il s'en sert pour projeter en surdimension sur le mur, sa propre image, inversée. S'en suit un effet de vertige et de comique irrésistible: comme une mouche au plafond, le voilà qui grimpe les murs, dégringole et franchit les limites du possible, alors que simplement il exécute ses figures dans un autre plan, à une autre échelle. L'effet d'illusion et de diversion est sain et sauf!!!En surgit un comique singulier où les repères sont bousculés, où tout bascule à l'envi dans l'équilibre/ déséquilibre. Tel un funambule, équilibriste malin et mutin. Sa "gueule" d'ange, son joli minois font le reste pour que nous soyons volontairement dupes de toutes ces supercheries en cascades. In fine, ce seront pieds et mains filmés en proximité, en direct qui créeront un "petit bal perdu" où les formes s'animent en autant de petites sculptures vivantes, transformables, modulables à souhait.Des marionnette toutes trouvées au plus près de lui: son corps qui parle,chante et se transforme pour créer un petit univers magique, incongru, séduisant, parfois inquiétant. Son geste, sa mouvance acrobatique, souple, voluptueuse en font un singulier personnage, solitaire, touchant, émouvant."Intérieur nuit" est une pièce où l'obsession du bien fait, est d'emblée posée, dès le départ quand au lever de rideau cet homme ingénu s'obstine à plier des vêtements, les empiler, les aligner, les ranger pour mieux par la suite y semer le désordre. Ses oripeaux de palefrenier, il les enfilera sans cesse, à l'envers, à l'endroit pour s'y mouvoir dans un délire total, comme un épouvantail désemparé, ou une sculpture vivante à la Daniel Firman....Vagabond de nos âmes et humeurs, Jean Baptiste André court après ses ombres dans la lumière, se démultiplie, se perd, s'égare, se rit de son image, chiffonnier,orpailleur, créateur du beau, du juste à point.
En résidence, invité par Les Migrateurs et Le Maillon à Strasbourg, il trimbale sa bonne étoile sur la piste et tisse sa toile sur le fil du funambule avec simplicité et efficacité. On lui souhaite de rebondir à partir de ce canevas généreux à resserrer quelque peu pour que les mailles du filet soient plus efficaces pour une bonne pêche vraiment miraculeuse!!!!

"Gina" ou le Casimodo de la danse

2012-01-13T07:55:00.002+01:00

"Gina" est un one-woman-show raconté avec le corps. Gina joue la diva et rêve d'une vie extraordinaire, tantôt pathétique, tantôt sublime. Impudique et souveraine, sa gestuelle gêne, provoque et déborde littéralement de toutes parts de manière parfois brutale ou absurde. Puis elle danse gracieusement et tout aussitôt se cabre contre les règles de la danse. Elle parle avec son corps, se perd dans ses songes et interpelle le monde en toutes ses langues. La scène devient alors comme sa chambre, un lieu intime où Gina est face à elle-même, avec ses peurs et ses illusions.Gina -Eugénie Rebetez a pour maitre "Zouc", la célèbre comique suisse et les filiations sont claires, évidentes mais jamais plagiaires. Elle se joue de ses formes rondes, comme une danseuse qui fait de sa chair abondante, une matière chorégraphique à part entière.Sculpté par la lumière, son corps avoue toute chose avec pudeur et malice. L'empathie gagne au cours du spectacle avec ce personnage touchant, émouvant, pathétique et affligeant à quelque endroit de son jeu. Elle se rend sympathique en osant le dérisoire, les actes hyper simples, des déplacements et détournements d'objets à la frontière du ridicule, de l'inachevé.Son propos est clair: comme il y a eu des "danseurs grassouillets", Olivier Dubois, Thomas Lebrun, elle s'expose franchement et attend notre réaction. Sa technique de "danseuse classique" est impeccable et peut encore surprendre celui ou celle qui penserait que seuls les canons de la beauté font la danseuse....On songe parfois au solo de Vanessa Van Dume, "Regarde Maman, je danse", cette transsexuelle gantoise, chérie d'Alain Platel qui se raconte et livre son corps métamorphosé aux regards du public. A Philippe Menard, aussi et son "P.P.P." figure de la métamorphose de l'homme en femme, au comble de la diversion, de la transfiguration du corps.

Son visage a la candeur de sa générosité à dévoiler ses manques, ses absences d'assurance, ses inquiétudes. Gina est bien seule, même avec nous tous, témoins de son désarroi, de sa vie pleine d'encombrements, d'objets, d'obstacles pour hanter ses moindres désirs, ses moindres actes et déplacements. Ce n'est pas son corps qui est entrave, handicap, c'est bien le regard des autres sur lui dont elle pose aujourd'hui le questionnement....

"L'ange anatomique": le corps médical médusé, fantasmé par Tomi Ungerer.

2011-12-30T18:48:00.004+01:00

Quand l'anatomie rend un corps "angélique" doté d'ailes: voici une œuvre singulière de Jacques Fabien Gaultier d'Agoty 1746: "l'ange anatomique ou femme de dos disséquée de la nuque au sacrum"
Que diraient nos sylphides ailées, diaphanes et irréelles? Pas de quoi fantasmer sur la femme-enfant, fragile et vierge-blanche....Alors si ceci est source d'inspiration pour les corps "croqués" par Tomi Ungerer, il n'y a pas non plus de surprises!
Voir la très belle exposition "Tomi et ses maitres" au musée Tomi Ungerer à Strasbourg...

Affiche de "Calacas" spectacle de Bartabas, inspirée du maitre de Tomi Ungerer, Posada

Nouvelle création de Bartabas pour le théâtre équestre Zingaro

Après avoir martelé la terre de son Théâtre équestre Zingaro, durant plus d’un quart de siècle, voici que Bartabas s’attaque au ciel. Et qu’il entend y festoyer de plus belle en mettant la camarde en cavale et les morts vivants à cheval. Préparez-vous à entrer dans une danse de l’âme joyeusement macabre, déroulée sous vos yeux autant qu’au-dessus de vos têtes. Un double carnaval endiablé mené au son du tambour des chinchineros, des fanfares mexicaines et des orgues de Barbarie. Avec encore et toujours le cheval, le plus sûr animal psychopompe qui soit comme passeur, coursier, messager et ange gardien.

Cadeaux de Noel qui dansent!

2011-12-26T21:25:00.000+01:00

Voici les miens!!!

Minuit à Paris de Woody Allen

2011-12-26T19:12:00.001+01:00

Pas de doute, c'est la belle époque que revisite le génial metteur en scène avec le french cancan, Lautrec, Matisse en état de transe, de danse! Et les gambettes!!!!! Joséphine Backer, le Moulin Rouge!

Cancan de Noel

2011-12-26T19:04:00.000+01:00

Voici un peu de chahut, cancan et autre charivari avec Tomi Ungerer en chocolat!!!

le premier tango à Strasbourg: Raymond Waydelich danse!

2011-12-23T16:23:00.000+01:00

Il y aura eu "Le dernier tango à Paris", voici celui de Waydelich: et que ça danse pour le réveillon!!!!

Les danses de Bacchus avec Les Vignerons de la Couronne d'Or au marché de Noël de STRASBOURG

2011-12-23T11:52:00.010+01:00

Ils font un "tabac" au Marché de Noël à Strasbourg, place d'Austerlitz avec leurs trois jolis chalets, bien décorés, alignés parmi ceux du village du "bredele", ces petits gâteaux alsaciens, spécialement conçus comme le petit Jésus pour Noël! D'abord, il y a ce regroupement de viticulteurs réunis en confrérie "Le Vignoble de la Couronne d'Or" autour de Strasbourg. Pour promouvoir les meilleurs cépages alsaciens et redorer l'image des vins d'Alsace du "Bas-Rhin" face à ceux plus adulés du Haut-Rhin.....
Le Crémant d'Alsace est un produit phare pour les fêtes et déguster chez chacun des viticulteurs présents à tour de rôle sur ce marché fut un réel bonheur.
Palme d'Or au palmarès:celui du Domaine Joseph Vierling de Fessenheim le Bas. Des bulles affriolantes, fines, une fragrance au nez de raisins de Corinthe et en bouche le palais est ravi par les arômes fleuris...Du bel ouvrage qu'un champagne envierait à coup sur.La version "rosé" est ravissante également et inspire des accompagnements de mets, style crustacés. Chez le même vigneron, osez la cuvée "Cerf-moi-fort" à propos du brame du cerf en Alsace, qui donne lieu à un assemblage magique et très attirant et à une étiquette désopilante!
www.domaine-vierling.fr

www.cerfmoifort.com

Autre merveille la cuvée "La Nymphe Rose" de chez Lucien Brand et fils de Ergersheim: un crémant rosé sympathique, rond et effervescent à souhait, jovial en bouche et dont la belle robe rose lui donne son appellation très féminine!!! Nymphe de Bacchus, ou apollinienne, cette cuvée est festive et sa bouteille revêt un habit de fête qui sied aux tables de Noël!L'image de la maison encore sous la houlette du débonnaire Charles Brand, est un ange et son emblème un poème d'Apollinaire...C'est tout dire sur "la part des anges" que l'on peut se réserver ici lors des dégustations.

On plébiscite aussi le crémant de Charles Muller et fils de Traenheim, ainsi que son magnifique visuel, aussi beau que le coquelicot de chez Kenzo....La " bonne note" au crémant de Anstotz avec sa belle étiquette -un visuel de note de musique adorable- !!!!

les "vins Romain": un bain de jouvence!
Sans oublier pour le fun, l'excellent crémant rosé de Romain Fritsch de Marlenheim à qui on donnera une "médaille d'or", tant le fruité et le caractère de son pétillant est agréable et sait convaincre un amateur d'effervescent à bulle raffinées!Voire aussi sa "cuvée du banni" 2007, assemblage de riesling et pinot gris, dont l'histoire est touchante. Romain Fritsch cultive en "lyres":, géométrie de la plantation pas toujours "reconnue" comme appellation: alors, il est "banni" des grands crus....Noblesse oblige, alors goutez la cuvée "des lyres" et vous hallucinerez!

Et puis on parlera du combat pour la reconnaissance du "vin blanc chaud" sur le marché de Noël, toujours grâce à la pugnacité et l'entêtement des Brand et de Didier Bonnet pour la création d'une Maison du vin à Strasbourg. Résultat: un joli stand de tonneaux et de marmites à vin blanc chaud, place D'Austerlitz.
"La tribu des gourmets du vin d'Alsace" a gagné!
La Tribu des Gourmets du Vin d’Alsace – Strasbourg rassemble des passionnés du vignoble d’Alsace qui souhaitent promouvoir l’excellence des vins d’Alsace. Vignerons et amateurs éclairés, ils se mobilisent autour d’événements tels que la mise en avant du vin chaud blanc d’Alsace sur les marchés de Noël. La Tribu prépare un lieu d’accueil œnotouristique permanent au cœur de Strasbourg ainsi que des événements festifs et culturels.

voir www.vinchaudblancdalsace.eu
http://www.vignoble-couronne-or.com

Hervé Bohnert: les petites morts ont la vie sauve! Danses macabres: que du "bohnert"!

2011-12-23T09:13:00.005+01:00

Hervé Bohnert est boulanger à Strasbourg dans sa pâtisserie le Wegele quai des Pêcheurs...Mais il est est aussi plasticien et complice de la scène artistique strasbourgeoise depuis ses débuts, exposant à la légendaire Laiterie, ses masques de cire, ces visages moulés comme autant de reliques vivantes de l'espèce humaine. La vie, la mort semblent l'avoir tarabusté depuis toujours....Mais depuis "A l'aube des mouches" une association de plasticiens réunis autour de lui et de Gérald Wagner, que de chemin parcouru....Ses dernières expositions entre autre au CEAAC, à la galerie No Smoking ( "Point") en attestent largement...Vanités de vanités!
Ses crânes de dentelles, œuvres récentes, ses photographies anciennes, ses sculptures de bustes anciens relookées pour l'occasion, entre face cachée et face revisitée sont plus qu'originales. Elles inquiètent, interrogent notre relation à la mort, au passé de façon virulente et incisive. De photos de familles anodines, il fait en les raturant, en les grattant, des tableaux macabres, où il redessine les contours des squelettes, mettant ainsi à vif les os au delà de la couverture de la peau.Fragiles, immobiles ,ses égéries du temps qui passe nous regardent, nous interrogent sur notre vanité, nos ambitions à défier le temps.La mort, la camarde, celle qui fauche et emmène les hommes dans des danses évocatrices du trouble qui nous anime chaque jour face à la vie.Danses macabres comme celles de Damien Deroubaix, celle de Marc Ferrante qui ausculte les radiographies et reconstitue des corps transparents...Est-ce dans l'air du temps, ces vanités qui resurgissent de partout, même dans la mode, les arts plastiques, les images publicitaires?

"La danse macabre" de Desmaz sur des textes de Baudelaire en est encore une illustration "Le branle universel de la danse macabre vous entraine en ces lieux qui ne sont pas connus".
Constance des Mazery présente une série dans la veine des danses macabres moyenâgeuses : des squelettes hilares tentent d'attirer les vivants dans leur monde ténébreux. Tous les âges de la vie sont représentés ainsi que certaines conduites bravant la mort.
Cette danse macabre a trouvé un texte à sa mesure et ce sont les illustrations du poème de Baudelaire "Danse Macabre" faisant parti des "Fleurs du Mal" qui sont représentées pour l'occasion.

------ L'ouvrage "L'architecture du corps" de Arduino Cantafora parle du squelette, celui de l'architecture de toute construction humaine.Issue du travail des élèves de l'école d'architecture de Lausanne, cette proposition picturale et plastique relève du projet de la danse macabre traditionnelle, revisitée avec une touche d'humour et de distanciation notoire.A la fois drôle et tragique qui renvoie à la perpétuelle question de la représentation de la mort!

Voir aussi l'ouvrage "Danse Macabre" sur la première danse macabre allemande imprimée, celle de Mayence vers 1490.Toutes les illustrations sont superbement reproduites et l'homme devant la mort au Moyen Age tardif est dévoilé à souhait. Avec une introduction brillante et savante de René Wetzel.

On renvoie aussi à la dernière parution de ZUT consacrée à Tomi Ungerer où il est bien entendu question de danse macabre!"Rigor Mortis" entre autre, inspirée de Posada "Cavalera las Biccielas"où des cyclistes, squelettes ailés déferlent dans une joyeuse fin de course Une course contre la montre, contre les méfait du temps qui ne manque pas d'un dernier ressort: histoire de mettre les pendules à l'heure!

Bon, et en ouvrant l'almanach des musées de la ville de Strasbourg, on tombe sur une superbe photographie sépia où un homme est en prise avec la mort, drapée comme une femme musulmane, empoignant dans une gestuelle fort gracieuse cet homme en costume et en émoi!!!! (Henri Robin et un spectre de 1853)

Alex Katz "Face the music": la danseuse comme obsession figurative

2011-12-22T17:19:00.002+01:00

La Galerie Thaddaeus Ropac vient d'exposer Face the Music, la nouvelle série d’oeuvres d’Alex Katz (né en 1927). L’artiste américain présente une nouvelle série de toiles, études à l’huile, cartons et dessins, sur le thème de la danse. Figure du pop art américain, dès le début des années 1950, il préfigure ce mouvement avec des images inspirées des panneaux publicitaires, en reprenant le principe de sérialité à travers des portraits libérés de toute forme de psychologie. Il s’éloigne rapidement du pop art et impose son propre style, en marge de l’actualité contemporaine, il connaît alors une reconnaissance mondiale. Dans les années 1980, avec son Cool Painting, il devient une référence pour toute une génération de jeunes peintres contemporains.

Birth of the Cool est le titre d'une exposition qui a lieu à Zurich et à Hambourg en 1997, elle a pour sujet la nouvelle vague musicale de l'après-guerre américain incarnée par Stan Getz et Miles Davis. Dans les années 1960, Alex Katz collabore avec la compagnie de Paul Taylor pour qui il crée des décors et réalise les portraits des danseurs. En 2010, il revient sur ce thème et réalise des portraits des protagonistes de la scène chorégraphique new yorkaise contemporaine. Alex Katz choisit un plan américain très classique sur fond noir duquel les figures lumineuses des danseuses se détachent, graciles et gracieuses.
À travers ses tableaux figuratifs, Alex Katz a toujours utilisé un langage presque naïf. Ses modèles –principalement des femmes- sont peints sur des fonds unis comme des icônes de magazines. Sa peinture est lisse et des aplats uniformes, les volumes sont subtilement indiqués ; ses personnages sont sans aspérités.
La peinture d’Alex Katz ne dit rien, il ne recherche l’effet de style ni dans la forme ni dans le fond. Quant à cette obsession pour la représentation de la femme, elle n’a rien de l’érotisme qu’ont pu développer dans leurs images ses contemporains tels Tom Wesselmann dont l’esthétique peut parfois rappeler celle de Katz ou encore Yves Klein que l’on connaît pour ses voluptueuses anthropométries. Le thème de l’artiste et de son modèle traverse l’histoire de l’art et trouve une réponse toute en pudeur dans les portraits féminins d’Alex Katz.
Le travail de Katz s’équilibre entre les genres du portrait et du paysage. Depuis les années 1960, il a peint des vues de New York (Soho essentiellement qui est son environnement immédiat), les paysages du Maine, où il passe plusieurs mois chaque année, ainsi que des portraits des membres de sa famille, des artistes, des écrivains et des nouveaux protagonistes de la société new yorkaise. Son travail a été exposé dans le monde entier, il a bénéficié de nombreuses expositions personnelles et de rétrospectives, ses œuvres appartiennent à de nombreuses collections privées et publiques dont le Museum of Modern Art de New York, le Metropolitan Museum of Art à Tokyo, la Tate Modern à Londres, le Centre Georges Pompidou à Paris, la Nationalgalerie de Berlin et le musée Reina Sofia à Madrid.
Le jour du vernissage à 20h30, le chorégraphe français Hervé Robbe réalisait une performance dansée avec Johanna Lemarchand sur un thème musical créé par Romain Kronenberg.
L'exposition fut accompagnée d’une publication comportant les textes de Mark Rappolt, rédacteur en chef du magazine Art Review et Charles Reinhart, directeur de l'American Dance Festival.

"Carnaval" de Lorenzo Mattotti:couleurs et mouvements

2011-12-22T17:04:00.000+01:00

Après un bref aperçu sur l'histoire du carnaval au Brésil, signé Marilia Trindade Barboza et Marcelo Reis, plongez dans les illustrations lumineuses de Mattotti...
Couleurs, tracés affutés, scènes de danses endiablées le long des plages, ici rien n'est stéréotypes, mais tout est poésie et mouvances des corps costumés.Façon très théâtrale, des croquis de costumes en noir et blanc viennent étayer le propos de l'illustrateur, peintre et fabuleux croqueur de figures étonnantes. Cela rutile, virevolte à l'envi et l'on effeuille les pages comme on dévêtirait le plus beau des personnages de ce livre.

Allez découvrir cet ouvrage étonnant, regard sur un autre carnaval que celui des prospectus touristiques!Carnaval ! Lorenzo Mattotti semble littéralement avoir été fait pour cet exercice. Au Brésil, à Rio de Janeiro, le dessinateur s’est immergé en plein cœur du Carnaval, lors de cette période magique où rivalisent les écoles de samba (un mot qui signifie littéralement, on ne saurait mieux dire, “faire plaisir, enchanter”, dans l’un des dialectes africains amenés au Brésil par les anciens esclaves). Il en a ramené un festival d’images éblouissantes rassemblées dans cet album, avec cette “touche” et ce talent unique qui le rend capable de saisir le miracle de la couleur en mouvement. Des textes divers signés de spécialistes du sujet – sans oublier un glossaire très complet – viennent apporter un contrepoint tour à tour anecdotique ou érudit aux images de Mattotti. Une fois de plus, un enchantement.

"Si la danse est une pensée" de Dominique Noguez et "La sagesse du danseur" de Dominique Dupuy: deux ouvrages de danseurs philosophes: Avance!

2011-12-22T10:08:00.000+01:00

Dominique Dupuy philosophe sur "la profession" de danseur, "l'artiste chorégraphique" par simple définition de statut juridique!!! "Kesako" qu'un homme qui fait de la danse sa vie, qui vit comme il danse, en pensant, en cheminant, en dansant, tout le temps! "A par ça, qu'est-ce que vous faites"?? C'est désopilant, humoristique et grave à souhait. Alors, parcourrez ces lignes si subtiles. Autobiographie, leçon de vie, aveux émouvants, tout y est pour donner à connaitre cet homme qui vient à la danse par "défaut de paroles", par pudeur, par modestie.
"Double jeu", ""La dansée", autant de chapitre sur l'histoire de ce danseur, sur sa pensée: "la dansée" est un mot qu'il invente, pour évoquer l'élan de la danse, sa beauté, la grâce aussi.Son aventure, son expérience auprès de Françoise Dupuy est révélée de façon sympathique et singulière. Sa compagne et partenaire de toujours: "même quand vous vous trouvez dos à dos, on a l'impression que vous vous regardez!".
Puis il évoque "l'armure, la peau", "des pieds et des mains" sans en faire tout un plat!!! Il est "piéton de l'air" dans le "Apprendre à marcher" de Ionesco! Et c'est "Le vieillissage", l'acte du corps emblématique de la montée de l'impuissance qui serait le plus beau chapitre de cet éloge de la danse."L'âge, cela s'attrape dès la naissance"!
Epilogue avec "Voyageur sans bagages" la danse est œuvre qui s'efface, légère, éphémère, futile: comment la préserver, la conserver sans la consigner dans le formol d'une histoire qui ne l'atteint pas???
"Ainsi, il n'y a pas de bagage, il n'y a pas de voyageur. Il y a le voyage."

Pour Dominique Noguez, le saint patron du danseur est Saint Guy, danse répétitive, imitative, reproductible...
Belle pensée sur la solitude du danseur qui pourtant et fait pour être contagieux et passer la danse de lui à l'autre."Mobilité, musique, dextérité", les trois mamelles de la danse pour cet écrivain philosophe, sont indispensables pour incarner la danse, la rendre visible.Pour lui, la danse est lecture, pas écriture.L'écriture avance, chemine, anticipe, bouge! Elle est pensée du corps par le corps,lisibilité d'une lecture heureuse.
Et "d'une façon ou d'une autre, l'amateur de danse est branché sur les corps. D'une façon ou d'une autre, il bande". Un beau petit livre pour méditer tranquille en allant de l'avant!

Robert Longo avec "Men in the cities" et Edouard Levé avec "Reconstitutions" : quand les plasticiens dansent!

2011-12-22T09:19:00.000+01:00

Robert Longo, artiste américain iconoclaste se met en scène, en mouvement et se photographie dans son ouvrage "Men in the cities" (introduit par Cindy Sherman).Sauts, cabrioles, attitudes inédites dans des décors urbains, font de l'iconographie un véritable glossaire de gestes, postures inouïes.

Edouard Levé, lui, né en 1965, n'est pas à proprement parler un photographe. II utilise la photographie pour fixer des archétypes et mettre en évidence la réalité parfois absurde, parfois comique, qui sous-tend ces images a priori dénuées de sens. Dans les vues qu'il a prises dans "Reconstitutions", ce sont les stéréotypes de l'univers quotidien qui sont capturés: mises en scènes, dans lesquelles il demande à des modèles de rejouer des situations inspirées d'images préexistantes.Panoramas, objet, morceaux d'architecture et qui constituent comme un catalogue du quelconque. Seuls les personnages, omniprésents, revêtent l'ordinaire d'un humour grinçant.

Cette série, a donné lieu à la publication de ce petit livret, à considérer non comme un catalogue, mais comme un livre d'artiste.

Radical parfois, troublant souvent, brillant toujours, Edouard Levé en exposant ses “reconstitutions”, processus qui a permis à l’artiste de se distancier des scènes qu’il photographait, tout en laissant au spectateur le choix de son regard... révèle les attitudes sociales du "corps humain" au travail. Edouard Levé, photographe, ecrivain, n’est plus, mais son influence et son regard marqueront pour longtemps la scène artistique en France. Il remet en scène, en studio et avec des acteurs, des images antérieurement publiées dans la presse. Visages impassibles, poses immobiles et corps interchangeables pour une simulation d'actes suspendus dans le temps.

"Act" de Denis Darzacq: les corps différents qui dansent

2011-12-22T08:46:00.000+01:00

On connait Denis Darzacq pour ses prises de vues de corps dansant, défiant toutes lois de la concurrence!!! Le voici aux prises avec des corps "différents" de personnes déficientes mentales: quelle belle réussite, sachant que le regard que l'on porte sur celles-ci sont souvent ceux de gens qui ont les yeux "dans les chaussettes" et pas "les yeux dans les yeux"!!!La mobilité de l'excellence dans les banlieues a fait ici place à la justesse et la beauté des attitudes, postures et aptitudes de ceux qui restent eux-mêmes, transfigurés par la vision de Darzacq.

Beaucoupo de culot et d'humanité dans cet ouvrage de photos édité par Actes Sud avec une complicité évidente et pertinente!

"L'homme en pièces" de Marion Fayolle: danses en miettes

2011-12-22T08:25:00.001+01:00

Fraîchement sortie de l’atelier d’illustration de l’école des arts décoratifs de Strasbourg, [1] Marion Fayolle propose un livre étonnant, dont la sensibilité des histoires se lie à la délicatesse du trait. Cet album est composé de plusieurs récits muets, qui s’apparentent plus à des scénettes, chacun faisant généralement une page et étant indépendant des autres (les plus longs sont découpés en autant de planches autonomes).

Cet ouvrage est introduit par un texte intitulé « L’art d’élever un dessin » écrit par Didier Semin. Ce dernier est professeur d’histoire de l’art à l’école nationale supérieure des beaux arts de Paris, a été conservateur de musées prestigieux dont le centre Georges Pompidou et a ainsi assuré le commissariat de nombreuses expositions. Cette longue présentation du personnage a pour seul but de montrer qu’avec ce livre, Marion Fayolle a su toucher un autre monde que celui de la bande dessinée. Ses planches engagent en effet un discours qui, par sa plasticité et sa sensibilité, arrive à subjuguer un lectorat qui n’aura pas l’automatisme de se tourner vers des ouvrages de littératures dessinées (pour reprendre le terme d’Harry Morgan). Je ne m’attarderai pas sur ce texte de Didier Semin qui, malgré tout le respect dû à ce théoricien, me semble peuplé de nombreuses confusions et approximations qui ne rendent pas forcément justice au livre. Retenons seulement deux choses : la première est la citation de Kafka qui rapproche de façon pertinente l’univers de Marion Fayolle avec celui du théâtre ; la seconde est l’atteinte de la grâce d’un dessin par son état d’épure (sentiment que je partage volontiers mais qui aurait été intéressant d’être plus développé par un tel théoricien, tant l’argument peut être facilement réfutable [2]).

En effet, par leur élégance, les dessins de Marion Fayolle semblent d’une grande simplicité. Il y a dans son trait une volonté non pas de montrer mais bien plus d’exprimer. On pense alors aux personnages de Ruppert et Mulot, sans visages, mais dont les sentiments et émotions vont passer par leur posture (la comparaison avec les deux auteurs ne s’arrêtant pas ici). De plus, Marion Fayolle présente avec ce livre une technique assez innovante qu’elle a développée elle-même et qui enrichit radicalement son dessin. Pour faire simple, disons que l’auteur crayonne ses planches, les scanne, fait une mise en couleur par l’informatique, imprime seulement les couleurs, les reporte sur du papier et finit par un encrage au Rotring (stylo à encre très fin). Ainsi, sur le papier, il y a d’abord des tâches de couleurs que l’auteur incarne ensuite avec son trait. Il y a alors un choix à faire sur les parties à cerner ou à laisser, sur les traits à exprimer par l’encre ou sur les surfaces que l’auteur laisse exister par le découpage de la couleur, des éléments qui vivent déjà. Ces décisions font vibrer les dessins, affirment une certaine maturité dans la sensibilité de l’auteur. Elles reposent sur des sensations de rythme dans les traits, d’un équilibre de la composition auquel il faut être attentif. Si ces questions sont présentes dans n’importe quelle image, elles sont plus ou moins pertinentes selon les auteurs, et plus ou moins visibles. Marion Fayolle en fait l’essence de son dessin, et c’est ici qu’elle touche à une certaine épure, dans ce jeu constant d’équilibre et de rythme que renferment ses planches. De plus, cette technique de mise en couleur permet d’obtenir des tons délavés assez doux, qui installent une ambiance homogène avec le ton des histoires.

Le découpage de l’action, sa mise en espace dans la page et le lien qui relie chaque dessin sont aussi des plus intéressants, notamment dans la constante évolution qu’ils vont avoir tout au long de l’album. Il y a bien entendu des relations fortes entre toutes ces histoires, le livre formant une unité harmonieuse. Les planches n’ont pas de cases, les personnages sont souvent seuls présents dans la page, avec si nécessaire quelques accessoires. Leurs mouvements, actions sont méticuleusement représentés et donnent l’impression d’avoir des planches de Muybridge devant les yeux. C’est ici que peut se faire un second lien avec les récits de Ruppert et Mulot, dans cette décomposition de l’action qui témoigne d’une appréhension particulière de l’ellipse. Loin de vouloir jouer la carte de l’efficacité comme sont souvent, à juste titre, décrites les planches d’Hergé (pour prendre l’exemple le plus connu), ces auteurs prennent le temps de l’action en la sur-découpant. Il y a alors un jeu sur l’élongation du temps intéressant et assez rarement amené à ce paroxysme, qui donne l’impression que l’action s’écoule plus lentement. [3] Mais alors que la volonté de Ruppert et Mulot est plutôt de bien expliquer les actes, dans des passages qui naviguent entre la didactique [4] et le film d’animation, [5] Marion Fayolle va plus vers la poésie, tire ses séquences vers une sorte de contemplation. Les espaces temps entre les dessins varient ainsi souvent. On cherche plus à suggérer un mouvement, une action, que de le montrer dans ses moindres détails. La planche des ricochets (page 26) est certainement celle qui met le plus en évidence ce travail ; dans cette séquence, il est difficile de reconstruire avec exactitude le mouvement de lancé du personnage, et certaines postures qui se suivent peuvent même faire contre sens. Il se crée alors une tension certaine entre les images. En négligeant ainsi les codes classiques de la séquence, Marion Fayolle propose une expérience de lecture bien particulière et fait preuve d’une grande liberté narrative.

Dans ces histoires, la symbolique est au cœur de la réception de l’œuvre. Le sens métaphorique de ces planches est appuyé et révélé par un titre qui introduit chacune d’entre elles, seul texte présent dans ce livre (en dehors de la préface bien entendu). On rencontrera aussi un certain nombre de signes qui reviennent plus ou moins régulièrement comme celui de la maison par exemple. En plus de donner du corps à ce recueil, ils révèlent quelques obsessions de l’auteur. En se livrant à une interprétation similaire à celle des rêves, le lecteur saura facilement se réapproprier ces images, les faire siennes afin qu’elles produisent un discours qui lui sera personnel. Ainsi, ce livre ne force pas à réfléchir mais propose, à mi-voix, une invitation à aller plus loin.

L’homme en pièces est un livre surprenant, reposant par la délicatesse des images de l’auteur, le calme de la narration, et enfin par ces couleurs presque fanées. Elles leur confèrent un coté suranné qui est dynamisé par un trait en proie à des problématiques graphiques bien contemporaines. De cette technique si particulière qu’elle a développée, Marion Fayolle a su bâtir un univers fort par sa cohérence, dont le principal mystère reste maintenant de voir dans quelles directions il évoluera.

[1] C’est dans cette école qu’elle a notamment monté, avec deux camarades, le magazine Nyctalope, plateforme d’expérimentations des plus intéressantes. Principalement centrée sur le dessin narratif, Marion Fayolle y a déjà publié quelques unes des planches de ce livre.

[2] Je ne peux m’ôter de l’esprit cette citation de Giacometti : « Plus on en met, plus il en manque ».

[3] Je pense alors au cinéma, et plus particulièrement aux vieilles caméras qui fonctionnaient à la manivelle. Cette manivelle était reliée à la pellicule de la caméra. Le cameraman la faisait tourner à une certaine cadence, exposant plus ou moins de pellicule pendant un certain laps de temps. Ainsi, plus il tournait vite, plus le nombre d’images impressionnées se multiplie.
Un ouvrage hors du commun!!!!

La danse néo traditionnelle folklorique des "Slovaks Dance Collective"a du caractère!

2011-12-19T17:51:00.001+01:00

Ils sont un savant melting pot de territoires et d'influences, mais surtout pas de "l'euro-pooding", ces "Slovaks Dance Collective" venus tout droit de Belgique avec "Journey Home"et revendiquant haut et fort leurs origines slovènes!
Leur danse est tout de tradition revêtue, mais relookée façon contemporaine. On songe aux racines de notre bonne vieille danse classique issues des pas de danse traditionnelle et folklorique....Ils sont six garçons dans le vent, cinq danseurs, un musicien pétris de nonchalance, de vivacité, d'humour et de distanciation face à leur propos. Revisiter avec intelligence leur patrimoine, richesse incontournable pour ce collectif de slovène qui ne renie pas ses origines, au contraire.Cette Danse dite "néo-traditionnelle" ainsi dénommée avec astuce et ironie, est de belle facture et de bon aloi! Ils s'inspirent des tempos, attitudes, rythmes, frappements de pieds, de mains que l'on repère rapidement et sur lesquels il faut compter pour structurer une chorégraphie simple et bien enlevée.De la bonhomie, du plaisir et beaucoup de virtuosité chez ceux qui sont passés par les mailles du filet de la danse contemporaine façon Sidi Larbi Cherkaoui.Sans faille, les évolutions spatiales tracent une géographie des poses et postures qui rappellent des situations burlesques et drôles. Ils sont charmants et plein de talents et l'on embarque pour un beau voyage au pays des métissages, des liens et sur des vagues tangentes à souhait.
Une fois de plus le Maillon s'avère un creuset de découvertes européennes inédites qui ouvre des horizons inconnus pour le meilleur de nos point de vue sur le monde d'aujourd'hui et ses multiples expressions. Ils ont du "corps" et de la belle matière à travailler cette "danse sociale" néo folklorique riche de biens des héritages féconds.Une danse de "caractère" revisitée qui ne deviendra jamais "néoclassique"!!!

"Cuerpo" par la compagnie Mira: ingénu, ingénieux corps de métier!

2011-12-15T13:14:00.001+01:00

La dernière création de Sébastien Vela Lopez et Yvonnette Hoareau, depuis leur très beau duo autobiographique "Mira", est de belle facture.Il sont cinq cette fois, danseurs comédien, violoniste à échafauder un monde fondé sur la rencontre, l'écho, la communication. Et ça fuse à tout instant dans une joviale partition originale des corps, de la musique, des percussions corporelles.Beaucoup de tac, de doigtée de finesse dans la conception et l'exécution de cette pièce, riche en rebondissements, en respirations, en apnée gestuelle. Leur marque de fabrique, le hip-hop, la capoeira, le contemporain, se précise, s'affine à chaque nouveau pas dans le monde de la chorégraphie. "Cuerpo" (corps en castillan) est un hommage aux possibilités d'expressions multiples du médium corporel: le plus réussi semble être cette très belle trouvaille de percussions corporelles, mêlées au slam, interprétée par Cheikh Sall, une "belle plante", plein d'humour, de détachement, de présence. Il percute avec ses mains, sur son corps qui résonne et déclenche une jolie fièvre de battements contagieux, quasi claquettes venues aussi bien des pieds que d'autres voies du corps.Le langage s'invente à chaque instant comme la réponse des uns aux autres dans un bel ouvrage choral, rythmique, puissant. Le décor est efficace et fort esthétique, panneaux lumineux, convertibles qui dissimulent et dévoilent les acteurs de ces péripéties et pérégrinations malines.La musique "live" d'une violoniste très investie dans l'espace de la danse, coule et se répand alors que les uns et les autres s'investissent dans une gestuelle inspirée du hip-hop mais fort affranchie de ses clichés robotiques.Le jeu des danseurs, sobre et précis, cisèle leur propos avec clarté et vivacité.On les quitte, touchés par l'authenticité et la justesse des sensations transmisse à l'occasion de ce moment chorégraphique d'échanges et de partage. Ils ont fait un beau et long chemin, "Mira", depuis Magic Electro...Et les rencontres fertiles tissées avec entre autre Kader Attou et Hamid Ben Mahi les ont propulsés au firmament de la planète Danse avec bonheur et légitimité.Qu'ils donnent encore longtemps "corps" à leurs désirs, leurs envies et leur talent!

"Haut les mains, peau de lapin": Michel Paysant et Françoise Pétrovitch au CIAV de Meisenthal

2011-12-12T08:02:00.002+01:00

Il ne restent pas en pantoufles de vair (de verre), ni "au vert", les artistes "résidents" au Centre International du Verre de Meisenthal!!!Sous la houlette de Yann Grienenberger, dircteur artistique du Centre, ils travaillent d'arrache- pied (verre à pied) pour créer des formes nouvelles ,des œuvres d'art à part entière avec un matériau qui se cherche pour illustrer l'avancée de l'art contemporain qui fréquente plus les autres média.Avec son "Tue Lapin", la plasticienne Françoise Pétrovitch, habituée de la maison et de son concept de "L'esprit des lieux" dédié aux résidents invités, signe une œuvre maline et pleine d'humour: sur un socle de verre rouge qui semble fondre et se répandre, trône une tête de lapin de verre noire, comme un trophée dérisoire qui incline deux longues oreilles.Sa "cage" de verre modelé à chaud, est aussi de belle facture et s'expose actuellement au Musée de la Chasse à Paris. Le verre s'avère un matériau de prédilection pour cette artiste, plutôt "céramiste", sculptrice et plasticienne.Un nouveau territoire d'écriture pour tous ceux qui se coltinent à cette nouvelle expérience, conviés à imaginer la prolongation de leur œuvre à travers le verre.
Quant à Michel Paysant, le voilà qui se lance avec "Handsigns" dans un alphabet, abécédaire tout de verre blanc transparent. Présenté dans un bel écrin, les 26 pièces sont autant de petites mains qui évoquent le langage des signes, celui des mal-entendants. On se régale à imaginer des non- voyants tâter ces petits objets qui leur expliqueraient que le toucher génère aussi du verbe, du son et plein de sens! Comme une danse et chorégraphie de ces petites touches de lumière, de verre qui laisse l'imagination inventer une syntaxe, un phrasé pour ces graciles membres détachés de l'avant-bras ou du poignet! Éclats et morceaux de vie, alignés, consignés comme des trésors...Du bel ouvrage, plein de poésie!!!

Barbie au Moulin Rouge fait son cancan, chahut et son charivari en cavalcade

2011-12-10T14:50:00.000+01:00

L'art très "kinétique" de Silvi Simon à La Chambre à Strasbourg: c'est "Filmatruc en construction"

2011-12-09T13:11:00.000+01:00

La fort dynamique association strasbourgeoise pour la promotion de l'art photographique affiche jusqu'au 22 Janvier 2012, une exposition-installation de l'artiste Silvi Simon.Strasbourgeoise depuis les multiples acquisitions de diplômes d'arts visuels et de cinéma d'animation. Elle affectionne tout particulièrement les anciennes techniques cinématographiques (film super 8 et 16 mm entre autre).Elle pratique aussi l'image vidéo et les images numériques mais se plait à réinvestir "la préhistoire du cinéma" et les techniques du cinéma expérimental et d'animation, la pratique du cinéma sans caméra, les illusions d'optique, questionnant l'image, le mouvement, les sensations.
"Filmatruc" c'est d'ailleurs le terme générique qu'elle emploie pour déployer dans les espaces les différents dispositifs créés pour la projection cinématographique.La pellicule est son matériau, instrument de base qu'elle impressionne par la lumière puis révèle et fixe par la chimie.Puis la caméra capte et recrée le mouvement.In finé c'est le projecteur mécanique qui restitue lumière, vitesse et optique! Une vraie alchimie de l'image, mise judicieusement en espace dans deux lieux différents de la galerie.Retranscription du mouvement avant tout, ici tout se meut et bouge, certes de façon mécanique" mais très "kinétique" selon les lois du mouvement de la danse (voir Rudolf von Laban).Et le dispositif mis à nu, les projecteurs cinéma avec leur joli bruit de déroulement qui rappelle les bonnes vieilles projections publiques d'antan, est mis en valeur, exposé au même titre que les images lumineuses, noir et blanc qu'ils distillent.Magie donc de voir ces oiseaux qui volent, ces cristaux de lumière suspendus comme sur une voute céleste...Des univers cosmiques étranges s'en détachent à l'envi et l'on circule à travers les faisceaux lumineux comme dans un parcours ludique, charmant, féérique.
Le spectateur déambule, écran restituant aussi images et lumières.Archéologie de l'image, toute cette mise en scène traduit le désir de Silvi Simon de démanteler les mécanismes, les rendre visibles et palpables pour reconstruire un monde de légendes et de lumières.Ombres, vitesse, mouvements, tout concourt à rassembler les ingrédients d'une danse des images, d'un flux et reflux continu de mouvances très artisanales. Les petites mécaniques du cinéma mettent à nu une poésie de la matière, une explosion jaillissante de fragments de temps, éparpillé, échevelé.Les composants bruts, les moteurs, les axes, hélices, pignons, courroies, plastique, verre et miroir font resurgir à la mémoire les fondamentaux de la mécanique, de la dynamique du cinéma. En évoquant sa naissance par la monstration de son appareillage d'antan, Silvi Simon crée un univers de légende, de traces, palimpseste de l'image.
Merveilleux voyage au pays de Mélies, au pays de la fraction du temps démantelé pour une perspective de construction autre.Une fabrique du rêve bien agencée!

"A louer" des Peeping Tom: de la cave au grenier, la maisonnée s'agitte

2011-12-09T07:58:00.000+01:00

Avec "A louer", c'est tout l'univers onirique et sarcastique de "Peeping Tom" qui s'ouvre à nous.
Après leurs fameuses pièces "Le Jardin", "Le Salon", " Le Sous-sol", les voilà en quête d'une folle vérité qui se révèle à eux tous: tout serait à "louer", tout est dans l'indifférence, le provisoire, rien ne nous appartient, sinon "nous-même" et heureusement. Car si toute la troupe dénonce le flouté de la vie, le vague à l'âme, c'est avec une telle subtilité, une telle force que seule leur identité collective ressort de cette performance hors norme, grandie et assurée. Un décor conséquent: un intérieur colossal, avec salon, montée d'escalier, balustrade, balcon et mezzanine sera le théâtre des pérégrinations multiples de ce petit monde agité. Autour de "Madame", une grande asperge distinguées, gravite un virtuose de la torsade, de la torsion et de la vélocité. Ce danseur qui d'emblée ouvre le bal et fascine par sa gestuelle incongrue, inouïe, acrobatique et contorsionniste à l'envi. Cela effraie et emballe comme tout le reste de cette pièce. On se retrouve chez Kafka, tant l'absurdité jaillit de tous les recoins. Ces petits personnages qui filent à quatre pattes et se nichent, invisibles derrière les sofas pour mieux resurgir à l"improviste. Cette bande de "touristes" aussi, conviés à la fête qui errent dans cette univers burlesque autant que désespérant.Tous contribuent par leur talent de chanteur, danseur, comédien, pianiste à séduire et convaincre le spectateur de la justesse de leur propos. Avec un tel langage affuté, maitrisé, un tel espace qui se construit au fur et à mesure, que l'on maintient une attention physique à leurs déboires, assez "sportive".
Entrées et sorties, apparitions multiples ponctuent et rythment dans un tempo d'enfer, un spectacle original, accessible et jubilatoire en diable.
Bienvenue dans cet espace incongru "à louer", le temps de s'accoutumer à cette folle cavalcade burlesque et effarante de justesse.

"Birds with skymirrors": Lemi Ponifasio en quête du bonheur

2011-12-09T07:36:00.000+01:00

Le chorégraphe samoan installé en Nouvelle Zélande,nous revient après une prestation très politique, pour sa création récente "Birds with skymirrors".Une façon très personnelle de revendiquer une position écologique et équitable sur la thématique de l'écosystème. Mais tout ceci dans une esthétique loin des discours lénifiant sur le sujet.
Il s'inspire du comportement des oiseaux de l'Atoll Tarawa, qui malgré eux portent un bec scintillant au soleil à cause des reflets des bandes magnétiques toxiques qu'ils collectent au large du Pacifique. Ironie du sort car cela donne lieu à un spectacle splendide, une scénographie très plasticienne.Ambiguïté donc pour cette évocation sans concession du monde qui bascule dans l'absurde,dans le paradoxe. Montrer, dénoncer cet état de fait avec la danse, le chant, les mots et la simplicité d'une mouvance quasi mystique et spirituelle, telle un rituel sacré, est une belle gageure qui réussit à Lémi Ponifacio par sa maitrise du propos. Sans glissade démagogique, sans excès mais dans une vérité qui touche et qui bouleverse celui à qui s'adresse ce spectacle très abouti. Regarder autrement l'univers, dévoiler l'impact grossier des interventions de l'homme sur l'environnement, ainsi se décline le credo du chorégraphe servi par sa compagnie dans une complicité fidèle et opérante.Que ces oiseaux ne soient pas de mauvaise augure, mais plutôt des phœnix renaissants de leurs cendres!!!

"Loredreamsong" de Latifa Laâbissi: quand des ectoplasmes dévoilent une certaine matérialité de l'hypocritie...

2011-12-09T07:20:00.000+01:00

La compagnie "Figure Project" dirigée par Latifa Laâbissi est "hantée" par une préoccupation récurrente: dénoncer les ostracismes, dévoiler toutes les figures de la manifestation de l'intolérance, du racisme: toutes "les différences" qui subissent injures, humiliations, qui sont bafouées et meurtries.Avec "Loredreamsong", cette petite musique de nuit qui se niche en chacun, signal d'alarme ou de détresse, elle signe en compagnie de sa fidèle comparse, Sophiatou Kossoko, une pièce riche en rebondissements humoristiques et sarcastiques.
Deux jolis fantômes sautillent et virevoltent à l'envi, à l'image d'autant de figures de rhétorique sur le sujet brûlant qui les tarabuste: le racisme. On découvrira par la suite quand nos deux ectoplasmes se dévoilent, qu'elle est "blanche" que l'autre est "noire" et que chacune s'exprime dans son langage qui peu à peu devient le même.
La "femme arabe" et la "femme noire" revêtent les atours du singulier-pluriel, dans la joie, le respect, l'humour et la distanciation.Belle prestation de ses deux danseuses dont l'une est passée par les chemins de traverse d'un Boris Charmatz et d'une Robyn Orlin.
C'est peu dire sur la rigueur et l'authenticité de leur propos et de leur jeu , jamais gratuit, jamais fortuit; toujours juste et impertinent.Nadia Lauro signe ici la conception scénographique, sobre et efficace, Olivier Renouf au son affute son compagnonnage et sa complicité avec nos deux protagonistes.Un ouvrage de "dames" très osé, très indiscipliné pour énoncer parfois l'indicible, pour montere l'invisible de nos pulsions pas toujours avouables.
La différence a droit de cité dans l'agora de la danse!

Crazy Horse: le film, le livre, les croquis: crazy!!!!

2011-12-05T15:14:00.001+01:00

En vogue bien sur, mais de tout temps, le "Crazy Horse", célèbre cabaret parisien, a donné lieu à un documentaire de création atypique, "Crazy Horse" de Frédérik Wiseman.Déjà auteur du très beau documentaire sur l'Opéra de Paris et son Ballet, le scénariste prend à bras le corps son sujet et nous fait pénétrer dans les coulisses du temple mondial de la sensualité.Troisième institution française après la Comédie française et l'Opéra de Paris, s'il vous plait!!! Au cœur du plus avant-gardiste des cabarets parisiens, la caméra du documentariste américain suit le metteur en scène Philippe Decouflé et Ali Madhavi, directeur artistique, qui réinventent les numéros de la célèbre revue de danseuses nues.Découvrez la vie du Crazy, des répétitions aux représentations publiques!!!Les premières images sont kaléidoscopiques, la caméra frôlent les corps nus, sculpte les fesses arrondies des danseuses sans pudeur: c'est bien la lumière qui les habille et non un oeil de voyeur.Indescent? Jamais, car le propos du chorégraphe et de l'institution se rejoignent pour manifier la femme, la décaler de son image de petit soldat à la frange coupée court à la Louise Brook.
Les "dessous" du Crazy s'affichent lors de scènes de tournage du quotidien: salon d'essayage, de coiffure, visionnage déconcertant d'un bêtisier du Ballet du Bolchoi....Les filles sont croquées "nature", belles, simples, artistes exigeantes découvrant une gestuelle habitée par Decouflé qui tente de leur faire passer un autre "phrasé", érotique dans sa sobriété. Le pari n'est pas gagné pour lui quand il se confronte à la mécanique bureaucratique de l'institution parisienne et de ses actionnaires! Mais il tient tête et l'entreprise est réussie.Des images du cabaret, seaux de bouteilles de champagne translucides, verres pétillants, ambiance calfeutrée et cosy: tout y est pour entrer dans cet univers de rêve ou l'inaccessible beauté des corps devient réalité. Intouchable, certes!!! Voici un grand documentaire qui fera date! Intrusion dans l'univers d'un casting aussi: une scène plus vraie que nature, insolite, implacable réalité incontournable?,impitoyable : ce sont les plus belles fesses et cambrures qui gagnent..."Obscène", ce film? Oui dans la mesure ou il dévoile l'arrière scène, celle qui se dévoile, ses coulisses, ce qui se passe derrière le rideau.Alwin Nikolais serait ravi de voir que son art de la lumière, des formes , des volumes est transcendé, magnifié sous la houlette de son fiston spirituel: Decouflé décidément en pleine possession d'un imaginaire fécond, respectueux et innovant.

Deux livres accompagnent cette coqueluche "Crazy":
"Crazy" par Antoine Kruk, couverture de velours rouge et croquis de danse savoureux...(éditions Eyrolles 2011)
"Crazy Inside" de Corinne Decottignies, photos de Antoine Poupel. (éditions du Chêne E/P/A, photos)

"Mues" installation chorégraphique de Nicole et Norbert Corsino: la théâtralité spectrale de l'icône chorégraphique

2011-11-29T15:47:00.001+01:00

Ces deux chorégraphes de l'image qui ont depuis presque trente ans basculé de la scène à l'écran sont aujourd'hui auteurs des plus pertinentes fictions chorégraphiques, écrites pour de nouveaux territoires de la danse.Ils ont inventé sur la page blanche des écrans l'écriture singulière de leur imaginaire, basé sur les plus solides et innovantes techniques du monde de l'image et des signes virtuels. Leur dernière création présentée à l'occasion du Festival de Danse de Cannes 2011 en est la plus impressionnante illustration.
"Mues" est le titre de cette nouvelle œuvre, installation présentée dans l'espace dépouillé de la salle "Miramar" à Cannes.Entièrement dédiée à une réflexion sur la nudité, l'apesanteur et l'extrême virtuosité d'un ralenti du mouvement, cette installation de six écrans de format rectangulaire, posés à la verticale sur des supports, se révèle aux sensations du spectateur, immergé dans une atmosphère d'un calme et d'une sérénité radieuse.
Le corps nu y est exploré à travers la lente chute ou le paradoxal rebond d'un corps dansant. L'illusion du ralenti extrême touche et fait se mouvoir notre pensée au rythme de cet exercice inoui du corps en quasi apesanteur.
Chaque écran est un tableau mouvant qui offre en perspective une approche de jamais vu, de jamais vécu tant le fondu, le flouté est synonyme d'anti-gravité, de rêve non incarné de chute sempiternelle d'un corps léger, diaphane quasi fantomatique.
La texture en semble immatérielle, comme une cire translucide qui fait se renverser les codes, basculer les principes et critères reçus de verticalité, d'horizontalité. On échappe ainsi à la gravité, on s'affronte à l'irréel par l'analyse complexe des données du mouvement passées au crible par la scientificité des outils . La 3D entre autre qui modélise ces corps suspendus, immergés comme dans une eau scintillante de lumières.
Quelques icônes réagissent au passage du spectateur, les mots d'un texte-écran se lovent dans la danse de celui qui fait face à l'écran. Les mots inscrits dansent, se transforment, muent comme des chrysalides, des enveloppes qui se déploient.Une expérience unique de chacun donne vie au corps du texte. Lui permet de prendre forme, volume et volutes au gré de la déambulation.
Une autre image encore: celle d'un corps féminin, gracile posé dans un parterre d'herbes fines, mobiles, stabiles, mues par un mouvement incessant.
Belle rêverie poétique à la lisière de nouveaux horizons pour les Corsino.Une grande sobriété des effets en place confère à cette mise en espace du "ralenti" ,à cette fiction du mouvement qui n'existerait que sur l'écran un caractère fascinant, hypnotique Absorbant aussi, proche d'une méditation, d'une spiritualité de la démarche des eux créateurs dans son acceptation d'intelligence du monde au delà des apparences. "Mues" c'est aussi la métamorphose du corps, sa splendeur virginale, éprouvée ici par son aspect spectral, laiteux, virtuel.
Une fois de plus, cette danse de l'impossible est rendue perceptible, visible comme une expérience des sens en alerte, en éveil. De quoi brouiller les pistes du sensible par une sensualité des médias employés. Et de surcroit revoir la danse comme "médium multiples" qui tisse et conjugue la beauté.

Festival de Danse de Cannes 2011: les "mythologies" de Frédéric Flamand

2011-11-29T15:01:00.000+01:00

Pour Frédéric Flamand , actuel directeur du Ballet de Marseille, cette édition du festival de danse fut une "première" en tant que programmateur. Une façon de plonger dans une thématique qui lui est chère, "les mythologies" de notre temps qu'il décline en tant que chorégraphe depuis ses débuts, au Plan K à Bruxelles, lieu mythique de tous les possibles, de toutes les rencontres artistiques dans les années 1980...
Ici, il ne faillit en rien à cette "obsession" salvatrice qui libère une partie de son imagination de programmateur qu'il assume avec rigueur et audace.Les spectacles y sont le reflet d'une création contemporaine très inspirée, la démonstration (s'il le fallait encore) d'une assurance de ses choix, pointus, en empathie avec autant sa propre mémoire de chorégraphe (voir son spectacle "Moving Target" des années 1996) que le démarrage sur la scène de jeunes écritures de la danse actuelle.
Allons-y voir de près pour découvrir dans cette seconde catégorie, le sublime trio de la compagnie Ovaal, "To Intimate". Les chorégraphes et interprètes en sont Marc Lorimer et Cynthia Loemij, accompagnés au violoncelle live par Thomas Luks. Anciens danseurs de chez Anne Teresa De Keersmaeker, les voici immergés dans leur propre écriture, sensuelle, fluide, faite de multiples touches de désir, de plaisir qui donnent poids et gravité à un travail en dentelles de précision et de netteté du geste. Le duo est sobre, lui, ferme et gracile, elle en robe vintage, femme, attirante et simple, souriante, attractive. Leur histoire se partage sur le plateau avec la complicité singulière d'un violoncelliste qu'ils frôlent, leur échappe ou bien s'insinue dans leur espace. Un merveilleux jeu et déplacement de trois chaises en font une partition d'objets musicaux qui unifie leur démarche.En joués, mutins, émerveillés par ce qu'ils font et la danse qu'ils pensent si justement dans l'instant de l'existence qu'ils lui confèrent.Une pièce unique, rare qui se distille comme un alambic le ferait d'un bel élixir, ou une clepsydre de l'eau et de l'écoulement du temps. Une recherche qui fait mouche dans le panorama de cette "danse de chambre" à trois, formation majeure pour des instants en mode mineurs qui touchent et s'imprègnent nos sens et notre écoute. Un écrin pour la danse qui le laissera pas indifférent.... La communion des corps qui se frôlent, se touchent, se repoussent s'aiment ou s'ignorent est le plus bel acte de revendication d'un dialogue, loin de l'inhumaine communication de masse que nous imposent aujourd'hui les médias et leur flot d'images compulsives!Un face à face, un duo-duel qui a de l'allure, de l'allant et un fort gout de plus belles couleurs de parfums évaporés.

La compagnie de Michael Clark, programmée à la suite de cette ode à l'humain, fut un contraste troublant. Avec son "Come, been and gone" le trublion de la danse que nous connaissions de l'époque de Karole Ermitage s'est quelque peu assagit: il nous livre un hommage à ses propres "mythes", le rock, celui de David Bowie, de Lou Reed, de Iggy Pop.Un florilège très personnel qu'il revendique comme ses maitres à penser, à danser, à voir le monde."Rock is my rock" affirme Michael Clark et Brian Eno y est convoqué avec les fantômes de Kraftwerk et The Velvet Underground.Technique très virtuose à la Cunningham, poses, attitudes, versatilité du style où les directions opèrent un subtil jeu de volte-face vertigineux.Les danseurs se stabilisent, décrochent, renversent le bon sens et sèment une joyeuse polyphonie du geste, à l'unisson, en soliste, en autant de points dispersés dans l'espace. Les costumes, strictes, collent à la peau et arborent des couleurs flaschy, mode, sympa et aux lignes franches.Vitesse, agilité, complexité ajoutent à cette danse un zeste de distanciation salutaire qui ne fait pas oublier que le désormais "classicisme" de Clark est une "griffe" qui lui appartient , une signature lisible qui rend éclaboussante sa vitalité très domptée.

Aux lumière le fidèle Charles Atlas, l'homme plein de virtuosité dans le mouvement filmique, scénographique, qui accompagna Cunningham dans de folle parties vidéographiques et filmiques: une filiation efficace et tonique, loin d'une nostalgie ou de citations historiques.Clark est bien "moderne"!

Quant à la compagnie de Hofesh Shechter, le chorégraphe israélien coqueluche du public, c'est avec deux pièces pour hommes et pour femmes qu'il conquière la scène avec "Uprising" et "The Art of not looking back".
Sa danse quelque part héritée de Wim Vandekeybus et de La Batsheva Compagny est animale, virile et expose l'état d'oppression des corps, de guerre des forces vives qui s'affrontent et se coltinent à la violence.Puissance, rythmes appuyés des pas, des sauts des accolades et combats font de cette pièce une illustration percutante de l'art de la guerre politicienne, celle de l'humiliation, de l'étouffement des corps bafoués.Hommes puis femmes y expriment la volonté plaquée sur eux de l'autorité du chorégraphe qui en fait ses instruments de prédilection pour dénoncer doctrine et enfermement. C'est juste, rude, abrupte, en bloc, sans faille et sans possibilité de s'évader. Trop de tensions cependant nuisent à la réflexion: les idiomes sont dictés, pas de dialogue possible, on y étouffe comme sous un régime dictatorial et l'on souffre de manque d'oxygène. Mais n'est-ce pas là justement que se trouvent les enjeux que dénoncent la danse de Shechter par excellence?

MOVING TARGET
En programmant sa propre œuvre de référence, Frédéric Flamand prouve que depuis 1996, sa quête sur les mythologies se confond avec toute la construction de son univers chorégraphique et scénographique. Avec comme complices les scénographes, architectes et penseurs américains Diller + Scofido, il échafaude un monde virtuel fort et vraisemblable au point de faire fusionner vraisemblable et inouï. Utopie ou hyper réalité, on ne sait plus quel topos habiter, quelle pensée accompagner pour mener une destinée sensée. Le décor est planté dès les premières images du spectacle. Tel un chantier d'autoroute, barres, panneaux de signalisation, barrière jalonnent l'espace et les danseurs s'en emparent comme des prothèses, des obstacles, comme autant de handicap à surmonter.Vêtements fluos de chantiers, spots publicitaires à rebond et répétitions, le ton est jeté et l'on embarque au pays de l'absurde dans une hétérotopie singulière. Celle de Defoucault que Flamand se plait à citer. Le monde des autres, des espaces autres, où se meut l'humanité fébrile.C'est beau, emblématique et la poésie puissante de cette évocation des espaces à conquérir est édifiante, convaincante. Les textes et vidéo parsemés durant le spectacle donnent cette touche d'imprévisible et scandent le tempo.
Un immense miroir tendu au dessus des danseurs fait effet mécanique de doubler l'espace et transforme les corps vivant en autant de hiéroglyphes ou idéogrammes à déchiffrer.Comme un "codex", un livre référent ouvert à une autre lecture de l'univers. Ces petits bonshommes grouillants sur la toile expressionniste sont esthétiquement remarquables et font basculer la gravité avec humour et détachement. "Moving Target" fera date dans l'histoire de la scène et sa "résurrection" est un baume qui soigne les mots et les maux du monde pour une vision pas si absurde que cela de l'univers moderne.

Alors Frédéric Flamand, le fantaisiste, fit un petit écart de programmation avec la pièce multiforme et polyphonique "Emelyne House of Shame" de Christophe Haleb. Un flot insaturé de fantaisie scénographique dédiée au salon des Ambassadeurs du Palais des Festivals à Cannes. Un vent de folie souffla trois heures durant sur le public convié à une party échevelée, disjonctée, au ton provoquant autant que bonenfant!
Puis, avec la programmation judicieuse de pièces chorégraphiques dédiées au Junior Ballet de l'école de Rosella Hightower qui célébrait ses 50 ans, le ton était fort différent mais non moins scintillant et astucieux. Des chorégraphies de Bagouet, Maillot et d'autres chorégraphes "maison" permettaient à de tous jeunes interprètes de se frotter à des univers différents, variés. De très belles prestations, de la danse pensée, vécue de façon très mature par des danseurs non formatés, d'une belle sensibilité.

La compagnie d'Emio Greco, chorégraphe radical et radieux, italien présentait "Rocco" une libre adaptation de l'univers du film "Rocco et ses frères" de Visconti. Evocation de la boxe, certes, dans une scénographie en forme de ring, mais bien plus que cela. La vitesse, le mouvement, les touches, les esquives foisonnent dans deux duos successifs, ceux de Mickey costumés, caricature d'arbitres, masquant la réalité triviale de ce sport de combat Duo aussi de danseurs loin des canons glorieux de corps d'athlètes qui se cherchent sur le ring. Puis tout tourne autour d'un quatuor final somptueux où force et amour se conjuguent au delà de la violence ou du combat. Une pièce sobre et envoutante où la tension, maintenue sur le fil est un plus dans l'exposition d'une réflexion sur la précipitation du monde. Son anxiété, ses angoisses, sa lutte pour la survie.

Le festival par la pertinence de son fil d'Ariane, les "mythologies" est un événement réfléchi, conducteur de sens et de partage de visions multiples sur nos possibilités d'échapper à la confusion omniprésente de tout et de rienque l'on nous jette en pâture à chaque instant. De bonnes clefs pour ouvrir d'autres portes!

Barbie John Galliano, exclusivité!

2011-11-24T06:32:00.001+01:00

Voici un secret de fabrication made in "Odile Galichet" en hommage à notre trublion de la mode!!!

Cabaret - Rock

2011-11-19T21:52:00.002+01:00

Encore de belles icônes dansantes!!!

les danseuses de Julian Opie

2011-11-19T15:20:00.001+01:00

Toujours à la FIAC 2011

Faux Degas (des eaux)

2011-11-19T15:04:00.001+01:00

Vues à la FIAC 2011.....

Danseuse "abat-jour"

2011-11-19T14:24:00.002+01:00

Voici une belle trouvaille "abat-jour"au restaurant de nuit "Le bon bock" à Paris!!!

"Pudique Acide /Extasis": Mathilde, puisque te revoilà!...Avec Jean-François...

2011-11-06T14:02:00.002+01:00

Il ne manquait plus que cela!
Que nos deux oiseaux chorégraphes agitateurs des années fastes de la Jeune Danse Française, les années 1980, reviennent à la charge en exhumant leur répertoire de jeunes chiens fous....

La mémoire de la danse, son patrimoine, son Panthéon accueille aujourd'hui deux pièces clefs, emblématiques de l'écriture insolite, signatures personnalisées de Mathilde Monnier et Jean-François Duroure.
Aujourd'hui, sagement et respectivement pour elle,directrice du Centre Chorégraphique de Montpellier et pour lui directeur de la danse au Conservatoire de Strasbourg, nos deux "cols blancs" ont le vent en poupe et déclenchent une avalanche d'articles de presse, de manifestations autour du thème de la "passation" du répertoire contemporain.
Né de leur désir de chorégraphier en défiant à l'époque l'enseignement de leur maître, Viola Farber issue de l'Ecole Cunningham, ces deux pièces nous rappellent que si le temps passe, l'actualité de leur démarche demeure cohérente et crédible. Défier le "père", la mère en l'occurrence, savoir dire "non" sans faire table rase. C'est l'école de la nonchalance, du débridé, du politiquement incorrect: de l'insolente indolence du "pas- sage". Jamais à vide. Plutôt avide de sens, de désinvolture feinte, de faux laxisme dans une rigueur flagrante et obligée. La technique est présente, exigeante et c'est entre autre ce que le "couple", binôme bicéphale de l'époque tente de transmettre avec l'esprit du moment.
Mais la jeune génération de danseurs interprètes n'en est plus là, ou les corps sont déjà ailleurs. Ils sont bons danseurs, trop bons danseurs pour se frotter à ces ébats ludiques en froufrou de tulle, en kilt kitsch... Le "désuet" les surprend, les interroge. Du pas sérieux à l'époque de l'explosion de la jeune chorégraphie en France?
Alors les deux danseurs-Sonia Darbois et Jonathan Pranias- des deux pièces ressuscitées y vont de leur punch, de leur inventivité en matière d'interprétation et le bonheur est alors sur le plateau! On ne reproduit pas l'énergie ou le tempérament de l'autre. Ce ne sont pas les clones, les doublures des deux protagonistes d'antan, de jadis et naguère. On capte, on digère et on refond à la manière d'aujourd'hui: ça malaxe, ça remixe, ça refaçonne et ça fait matière à une danse joyeuse et grave, frissonnante, chavirée, chaloupée comme dans la houle.
Pas besoin de bouée de sauvetage: le patrimoine tient bon la route, le cap de la fragilité est maintenu, au beau fixe!

"Pudique Acide/ Extasis" à Pôle Sud STRASBOURG les 22/23/24 Novembre à 20H30
Rencontre avec Jean-François Duroure le lundi 21 Novembre à 18H30 à la Cité de la Musique et de la Danse
workshop speed dating samedi 19 Novembre
http://www.pole-sud.fr
www.le-maillon.com

"Hellerau, l'atelier de l'art du futur": du sur "mesure" rythmique et architectonique pour Jaques-Dalcroze

2011-11-06T11:27:00.002+01:00

Le Maillon à Strasbourg consacre une exposition concoctée par Claire Kusching et Anne Mariotte, au foyer culturel pluridisciplinaire,bouillonnant, la cité-jardin de Hellerau en Allemagne,créée il y a 100 ans. Symbiose entre l'architecte Heinrich Tessenow, le théoricien du théâtre Adolphe Apia et le pédagogue suisse Emile Jaques Dalcroze.Mais qui est ce dernier qui a su inspirer et mobiliser autant de forces autour de son projet?
Un musicien, un pédagogue et un théoricien de la danse, né en 1865, disparu en 1950.
De formation musicale et théâtrale il s'appuie sur Mathis Lussy, dont les recherches de pionnier sur le rythme, l'influenceront profondément.Compositeur, auteur de moult chansons, il est professeur d'harmonie et de solfège à Genève, voyage comme chef d'orchestre (les rythmes du folklore algérien arabe l'enchantent)...Il met au point la technique d'apprentissage Dalcroze et peu apprécié dans son pays par son audace, il part à la demande d'un mécène allemand conquis par ses méthodes novatrices mêlant médecine,musique et éducation.
Un institut se construit à Hellerau, pour lui de 1911 à 1914: il y poursuit ses recherches, puis retourne en Suisse dès 1915 où il établit son institut. Il consigne ses méthodes dans un ouvrage en 1920 ,"Le rythme, la musique, l'éducation", met en scène des spectacles pour enfants....Il combat ardemment la notion de "virtuosité" au profit de "l'audition intérieure". Constatant combien le manque d'oreille musicale et le sens du rythme d'une bonne partie de ses élèves font défaut.L'application de règles théoriques ne tiennent pas lieu de musicalité à son sens!
Doué d'un sens aigu de l'observation, il constate qu'il n'y a pas d'élève présentant un défaut de réalisation musicale, "qui ne possède corporellement ce défaut".Il se met à rêver d'une éducation où le corps jouerait lui-même le rôle d'intermédiaire entre les sons et la pensée. Il se met dès lors à faire marcher ses élèves sur les rythmes de la musique, les fait réagir à ses accents,leur en fait traduire par les gestes les phrasés, les nuances, les mesures.Ainsi nait la "Rythmique": il invente des milliers d'exercices dont témoignent plus de 90 volumes manuscrits! Ses observations l'amènent à définir l'arythmie musicale et son pendant, l'arythmie corporelle, puis à trouver les moyens d'y remédier, donnant ainsi à la Rythmique ses assises méthodologiques.
La danse du XX ème siècle en sera fortement influencée: Nijinski s'en inspire pour "Le Sacre du Printemps "en 1913. Il révolutionne ainsi avec Marie Rambert son élève la façon de faire bouger les danseurs sur la musique percussive de Stavinsky.Marcher sur un rythme en faisant des gestes sur un autre: ce sont les accents toniques!(voir ouvrage "les carnets du théâtre des champs élysées" consacrés au sacre) 1990 pages 21/ 54/55
Un exemple radical d'innovation, un homme pionnier et intègre au service des nouvelles visions du corps, de l'art!!!

Rencontre au Maillon à 18H 30 sur Hellerau et intervention de Geneviève Charras sur Jaques Dalcroze le 9 NOVEMBRE

"DANSER sa vie" :exposition phare au Centre Georges Pompidou: la danse dans les e-toiles!

2011-11-06T09:08:00.001+01:00

Enfin, une exposition où l'on va découvrir tous les fils, les liens intimes de la danse et des arts "visuels"!
Si l'on ignorait encore que Mary Wigman fut la complice de Kandinsky ou de Kirchner, si Joséphine Baker fut le premier modèle de l'œuvre en fil de fer de Calder, si Paul Colin croqua la même artiste pour les affiches de La Revue Noire, l'offense est désormais réparée et le rêve s'incarne.Grâce au travail acharné de Christine Macel et Emma Lavigne, conservatrices au Musée National d'Art Moderne. De quoi parcourir l'aventure de Terpsichore avec les média qui s'offrent aux peintres, sculpteurs, vidéastes, photographes pour laisser sa place à la danse, à ses rythmes, ses variations ses compositions, ses couleurs et multiples "combines", inspirant moult grosses pointures de l'art. De Matisse, à Rodin, Bourdelle à Degas, Rauschenberg à Warhold, les petits pas dans les grands vont nous être servis avec des œuvres enfin réunies pour laisser voir, entendre et ressentir toutes les résonances et complicités des arts "mouvants" Les connivences ne sont pas rares et l'on aura lieu dans reparler.
L'exposition démarre le 23 Novembre au Centre Georges Pompidou. A vos cimaises, prêts, partez!!!
"Regarde la peinture de Jasper Johns et Robert Rauschenberg. Ils utilisent la toile comme moi j'utilise la scène" dixit Merce Cunningham...
Y verra-t-on aussi les traces laissées par le corps de Trisha Brown lors de ses performances, les décors -dessins de Merce Cunningham pour sa pièce" Polarity" issus de son fabuleux bestiaire (voir Other Animals"), les toiles d'Angelin Preljocaj, les décors de Philippe Favier pour Jean-Christophe Maillot???
Mais Sophie Taueber-Arp sera bien justement évoquée et hommage sera rendu à cette danseuse-performeuse-plasticienne encore peu reconnue en Alsace, entre-autre!
www.centrepompidou.fr

Steven Cohen: "The Cradle of Humankind": Laissez Lucy faire....

2011-11-06T08:27:00.000+01:00

Le Festivald'Automne prend toujours les "bons risques" et le retour de Steven Cohen sur la scène de sa dernière édition est un beau challenge.
Ce plasticien, performeur, si proche de la danse, venu de Johannesburg, artiste blanc,homosexuel et juif (on songe à Robyn Orlin, également blanche juive...) nous livre ici une œuvre inédite, atypique, insolite à tout point de vue.Une rencontre d'abord: celle avec Nomsa Dhlamini, femme noire, sud-africaine, juive, 90 ans et quasi incapable de se déplacer.Complices de toujours, elle et lui vont bâtir devant nous une scène primitive, archaïque à la recherche des nos racines humaines, de l'homo-sapiens, du singe, de nos origines.
En bref, une ode au berceau de l'humanité, à partir de l'évocation d'un site classé au patrimoine de cette même "l'humanité", près de Johannesburg.Ces grottes ont inspiré à Steven Cohen, des images filmées lors d'une performance dans ce "berceau", siège de ses fantasmes quant à nos origines et à notre ultime destination: la mort,le corps, ses ossement, son archéologie, sa momification. Les "restes" de notre existence et passage sur terre.Images aussi de primates, dévorant leur propre chair dans leur biotope d'origine. Pas de tendresse ni de mensonge dans cette évocation très crue de la vie animale et humaine!
Nomsa est impressionnante: à moitié nue, dévoilant un corps usé, patiné par le temps, vêtue d'un tutu blanc, symbole de tant de modèles, répression ou domestifications multiples du corps, la voilà qui prend la scène et une heure durant y arpente, lentement, un espace indéfini.Vanité de vanité! Steven Cohen plonge à bras le corps dans un trivial voyage au centre de la terre nourricière, de son élue, notre "Lucy" exhumée pour un soir, spectre bien vivante, errant sur le plateau à la recherche d'un autre. Elle le trouvera en la personne de Cohen, investi dans la performance comme un compagnon, un guide, un appui solide vers une destination inconnue.
Très tendre et émouvante cette pièce fait acte de modeste, d'humilité, de vérité Les deux interprètes, sobres et inspirés demeurent naturels, spontanés, honnêtes et dénués d'égo.Politique, racisme, éthique sont évoqués en filigrane, avec habileté et sans tambour ni trompette, sans didactisme ni prosélytisme. Du bel ouvrage pour conter l'histoire de l'Afrique du Sud, prise à bras le corps. "Nous sommes devenus des enfants anciens, poilus et effrayants". Les grottes évoquées sont "des antres de possibilités, elles ont quelque chose de secret, de caché, de profond et d'obscur", comme cette rencontre amoureuse entre deux êtres marqués par leur histoire, pas toujours très simple, faite de strates, comme le palimpseste de la vie du corps.

"Si Viaggiare": Marco Berrettini, cosmonaute en "combinaison", fils de l'air!

2011-11-06T07:51:00.000+01:00

Il "décolle" pour une planète lointaine, pour un voyage intersidéral, entre rêve et fantasme, renouant avec le mouvement, clouant le bec à la parole ou à la conférence dansée, comme il nous y avait habitué entre autre lors de sa résidence, passage remarqué à Strasbourg, organisé par Pole Sud en 2006/2007.
Marco Berrettini, le trublion de la scène chorégraphique, oscillant entre cabaret nostalgique disco et scène performative très contemporaine est de retour au Festival d'Automne, au Théâtre de la Bastille.. Ici se sont neuf individus étranges, affublés de casques de cosmonautes qui vont investir la scène et prouver, s'il le fallait, que la "communication" entre les êtres vivants, n'est pas simple et affaire de manipulation, de fausse médiatisation artificielle.Combinaisons de rencontres, de conflits, de tendresse et de rejet. Tout ici dépeint une humanité qui se cherche, et s'empêtre dans des embuches tendues par le pouvoir."Rencontre": c'est le cheval de bataille de cette pièce, où le vêtement, le casque symboliserait les obstacles justement à la "rencontre" avec l'autre: autant de masques, de paravant, de boucliers pour se protéger du corps de l'autre, de son espace, de sa bulle. Alors la danse y va tout droit dans cette faille béante, ouverte à l'envi au désir de briser les barrières. Cela donne le ton à des variations très poétiques de couples en couples comme des partitions à deux, exécutées dans une petite unisson qui cherche à agrandir son fief d'exploration. C'est beau, c'est tendre et attirant, généreux et palpitant. On en sort convaincu que l'homme n'est pas un loup pour l'homme et que l'utopie n'est pas de l'onirisme mais peut être une planète où les corps ne seraient pas en lévitation, mais bien debout, à s'entendre, se fréquenter, se toucher de près!
"Communiquez", il en restera toujours quelque chose...."Dansez", alors vous vivrez vraiment ce sentiment là de se relier à l'autre sans fard ni truchement de nouvelles technologies fallacieuses. L"interactivité" est bien celle des corps!

"Laughing Hole": quand Maria, La Ribot part en "ribotte", ça" carton "!!!

2011-11-06T07:17:00.001+01:00

Elle tire sa révérence, termine sa résidence à Pôle Sud à Strasbourg: c'était ce 5 Novembre dernier à L'ENSAD de Strasbourg, une ruche en proie à un doux désordre organisé. L'école des Arts décoratifs, sous la houlette de Otto Teichert, son directeur, accueillait cette "performance organisée", saluant ainsi le travail de tissage de liens étroits qu'il défend entre les arts plastiques et les arts du spectacle vivant.18H : tout démarre avec une joile file d'attente, venue pour assister à ce qui n'aura lieu qu'une fois, un événement, un "event" à la La Ribot, déjà fort riche d'expérience multiples en la matière. Protagoniste de la pièce chorégraphique, vendue comme œuvre d'art à des collectionneurs, la voici en passe de devenir scénographe d'un grand soir, avec sérénité, surveillant ses troupes avec sérieux et bonhomie.Trois performeuses, dont Marie Burger Chassignet en pleine ébullition s'emparent du sujet. Elles attaquent la soirée par des rires convulsifs, se jetant dans la bataille à leur corps défendant. Sur un sol jonché de cartons, elles se donnent à loisir, à l'envi et nous révèlent les contenus linguistiques de ces panneaux où sont gravés au feutre des slogans, tels des accroches publicitaires: "clean up", "Guantanamo beach" sont autant de cris couchés sur le carton, matière brute et abrupte . Pas noble, celle du SDF, du provisoire, de l'emballage. Cela fonctionne comme des cadavres exquis où les mots, les adjectifs sont autant d'injonctions à la révolte, au plaisir, à la provocation. Les alliances hasardeuses et aléatoires en font des rébus chaotiques, surprenants, déroutants. Les trois performeuses scotchent les panneaux au murs qui peut à peu se revêtent d'une seconde peau, tapisserie improbable, îlot de revendications artistiques, proche du monde du travail. On "manifeste" ici comme dans un lieu de labeur. Plaisir ou contrainte des artistes qui semblent obéir au dictat de la chorégraphe? Elle leur fait exécuter une performance physique hors norme:rire aux éclats sans cesse, entre larmes et fou rire. Vêtues comme des travailleuses, techniciennes de surface de l'art comptant pour rien (content pour rien) ou contemporain. Que prendre, que jeter dans cette confusion des lieux, des propos, des genres. Tout est bon chez La Ribot, il n'y a rien à jeter. L'art est bien ce qui rend la vie plus intéressante que l'art. Alors, si la danse, c'est la vie, vous voyez le reste... Pendant ce temps les étudiants des arts déco, affublés de perruques identiques, années 1950, s'ingénient à faire bouillir la marmite: soupe à l'oignon et autres parfums inondent les locaux de l'Ecole transformée ce soir là en vaste laboratoire exploratoire. C'est leur "Sentimental Market" pour marquer leur territoire face à la force et la saine concurrence du spectacle vivant. Aux cuisines (des salles de cours transformées pour l'occasion) le tableau est éphémère et les cuisiniers d'un soir vendent aussi leur "soupe". Trafic intense dans cette grotte, caverne d'Ali Baba, "Laughing Hole"- caverne rieuse-où la démesure fait bon genre. Faut-il en rire ou en pleurer? Dans quel "état de corps" le spectateur est-il investi? La confusion, l'empathie, la sympathie du geste créatif, du processus de création ainsi partagé avec La Ribot et ses complices?
En tout cas, la "danse performative" semble avoir devant elle encore de beaux jours et susciter l'intérêt du public et des initiateurs de cette performance.Jusqu'où, jusqu'à quand?Pour ainsi dire, La Ribot, fauteuse de trouble, de "fête populaire"nous le fait vivre en temps réel: profitons-en et laissons lui faire faire "ses cartons" dans la joie et le délire. On se quitte dans la liesse et c'est bien ainsi!!!

"Pina Jackson in Mercemoriam" à Pôle Sud: "un été meurtrier" par Foofwa d'Imobilité.

2011-10-19T07:08:00.000+02:00

Salle comble hier soir à Pôle Sud Strasbourg: beaucoup de jeunes d'étudiants: le public de la danse évolue, change et pourtant ce sujet là aurait pu les faire fuir: les trois grosses pointures de la danse disparaissent le même été 2009: Bausch, Cunningham et mieux encore pour leur génération: Michael Jackson porté au pinacle par intelligentsia du milieu de la danse!
Tout démarre en images: un très beau montage , iconographie des trois monstres sacrés qui s'emmêle, se superpose, se fond dans une symbiose plastique très esthétisante. On y reconnait le visage émacié de Pina, celui boursoufflé de Merce âgé et l'autre, image mythique du jeune adulescent Michael, si pur, si intouchable.Bel hommage ainsi rendu aux trois "figures" disparues, fantômes, spectres errant sur la toile comme autant d'ectoplasmes virtuels.
Soudain apparait sur scène, seul dans un décor dépouillé, un être "vêtu" de bandelettes, bandages style bandes velpeau: momie, accidenté de la vie, athlète perclus de petits maux , revêtu d'oripeaux, d'une seconde peau délitée.Il parle italien, évoque sa famille: lui est "danse Alighieri", fils de Dante!
Il est baroque, enjoué sautillant précieusement à fleur de sol, lumineux, très formaté classique enrubanné!
L'évocation gestuelle des trois protagonistes de la modernité de la danse peut démarrer: les gestes des uns et des autres sont malinement reproduits à travers un corps qui apriori n'a pas les canons esthétiques des uns et des autres: Foffwa est rablé, costaud: il n'a pas la silhouette effilochée de Pina, ni l'extrême minceur gracile effilée de Michael! Mais les dynamiques, les tics respectifs des trois danseurs-chorégraphes sont bien visibles et repérables. Trop peut-être si l'on considère que par dessus cette gestuelle ressuscitée, des mots décorent et enrubannent la chorégraphie. Broderie décorative, la parole, pourtant burlesque et quelque peu oulipeau ou lettriste, surcharge la lecture du spectateur. Le trop nuit dangereusement dans cet "été meurtrier" où l'on aurait souhaité plus de sobriété et moins de didactisme.
Peu importe: Foofwa se démène, s'embrouille, se joue des poncifs et aligne trois techniques si différentes et si proches à la fois: de la rigueur de l'aléatoire, à l'abandon de la danse d'expression, le néophyte saura reconnaitre ou simplement connaitre des facettes extrêmes qui pourraient se rejoindre dans la peau de Michael. L'artefac, l'artifice de la scène transcende tant de réalités, que celle ci, la présence très forte de l'interprète, se fait incarnation vivante et troublante de nos héros disparus à jamais Avec humour et distanciation toujours! Il fallait oser, Foofwa dit mobilité l'a fait!

"Un monstre à Paris": M le maudit chante et danse le Paradis!

2011-10-11T14:36:00.001+02:00

Un film d'animation remarquable sur le Paris des années 1910, lors de la grande innondation de la capitale

Lucille, l'ange de Montmartre chante dans son cabaret, l'amour qu'elle éprouve pour une bête monstrueuse, Francoeur, puce géante mais musicien émérite au grand cœur.

Ils chantent et dansent à merveille sur font d'humanisme et de différence. La musique de M Matthieu Chedid est vive et non anecdotique, Vanessa Paradis l'interprète en toute innocence et les voix des personnages sont celles de grosses pointures du cinéma.Paris est magnifique, très graphique et chaleureuse, vue de ses toits, de ses rues serpentines.Les petits métiers d'autrefois, les habitants, tout y est folklore sans dénaturé la vérité.

Pas de poncif non plus dans la musique, loin des valses musettes. Les chansons, "un petit baiser", "un monstre à Paris" sont de belle facture.Un beau film en 3D signé Eric Bergeron.

"RAOUL" de James Thiérrée: "déus ex machina" au TNS

2011-10-11T06:59:00.006+02:00

D'emblée le décor est planté: apocalypse d'une caravelle échouée, tous mats déployés, voiles immenses, mi-tendues, échouées au sol. Le dispositif inonde à vue toute la scène du TNS. L'atmosphère de ce cataclysme en icône promet bien des tumultes, du mouvement. Ou est-ce au contraire signe d'accalmie après le naufrage, la tempête ou l'ouragan?
L'énigme va être très brutalement résolue: un personnage surgit dans une déflagration virevoltante et fait s'abattre l'édifice fragile de fin de règne! Brutale, efficace en diable, cette apparition est comme révélatrice d'une révolution. Mystère: le personnage est doublé par un autre qui lui ressemble étrangement: ils se cherchent
La tornade a dévoilé aux regards une étrange cabane de barreaux métalliques érigés en tipi. Là se cache "Raoul" dont on ne connaîtra pas grand chose. Lui et son double, son "jeu" est un autre?
Vraisemblablement! Mais tout au long de la pièce - deux heures de performance- notre anti-héros fera la part belle au mystère.Car il est bien le petit-fils de Charlie Chaplin, ce félin qui grimpe aux rideaux comme un primate surdoué. Quelques rictus et mimiques, quelques haussements d'épaules nous ravivent des souvenirs cinématographiques en plan large et fixe, des plus touchants. Mais, feu le cinéma! Un zeste de Jean-Claude Gallotta en sus: normal, ce dernier s'inspira beaucoup de la gestuelle précise, ciselée,tétanique et en miette de Charlot
Ici la kinétique est celle du théâtre, de la scène et pas d'effet de ralenti ou d'accéléré. Tout est bien "vrai" et l'élasticité du personnage, sa vélocité, ses arrêts sur image sont bien ceux de l'espace de la boite noire. Gags, effets de répétitions, corps morcelé, mécanique mais toujours très lié, James, Raoul, évolue en compagnie de ses objets qui apparaissent et disparaissent à l'envi. Le décor est un personnage en soi qui intervient à tout instant sur la destinée de ce petit être qui se débat avec son environnement Quelques bestioles vont venir interroger sa raison d'être: un tendre monstre qui bat des ouïes, charmant, et surtout attachant. Un éléphant à la Dali, un scarabée qui le rendra St Michel terrassant le dragon.
Un très beau duo de Raoul et d'une méduse évoque le texte de Paul Valéry, "L'âme et la danse" où ce dernier définit la vraie danseuse, non pas comme la "femme qui danse" mais comme une méduse gracile, sensuelle ondoyante: sirène à la quelle personne n'échappe dans une danse ensorcelante. Raoul aux prises avec la féminité, sa féminité! Il n'y résistera pas.
Bestiaire fantastique issu de l'imaginaire grandiloquent de Thiérrée. Mégalomanie, narcissisme?
Pourquoi pas, quand ces critères sont au service du fantastique, du poétique, de la déflagration, du rêve, de l'onirique. On peut lui reprocher quelques numéros de mime téléphonés - le cheval- où l'identification est trop vraisemblable et mimétique. On préférera les métamorphoses plus abstraites qui se traduiront par une gestuelle dansante, fluide qui l'emporte vers une chorégraphie soliste époustouflante. On le rêve en Nijinsky ou Nouréiev!
C'est d'ailleurs ce qui emporte ses saluts, merveilleux clins d'œils à toute sa technique transcendée par le talent de clown, de magicien, de funambule.
Car il danse sur la corde raide dans cet univers de désastre où il ne se laisse pas submerger. Son double l'y aide et ses acolytes qui interviennent dans le dispositif d'échafaudage sont les complices de ce solo.
"C'est fou ce qu'on est nombreux à faire un solo" confiait Raymond Devos!
C'est bien le cas pour ce démiurge, tombé du ciel comme un météorite, poussière d'étoile, diamant et perle rare de la scène.
Surtout "pas un mot" de tout ceci, c'est dans le silence intime qu'il faut déguster un tel festin corporel
On en deviendrait anthropophage.
Sans oublier la musique, les musiques qui interviennent comme des espaces d'immobilité, de silence ou de vacarme.
Que dire en conclusion d'une telle prestation, sinon qu'elle incite à une ovation du public qui ne peut qu'honorer le talent de ce "monstre", debout et quasi médusé!

"Pour en finir avec le cinéma": Blutch danse encore!

2011-10-10T18:34:00.002+02:00

Qu’est-ce que le cinéma ? Quel effet nous fait-il ? Pourquoi aimons-nous le cinéma ? Autant de questions auxquelles Blutch répond à sa manière profonde, humble et réfléchie, puisant dans sa prodigieuse culture et surtout dans sa très grande science de raconteur de bande dessinée, à travers des films, des personnages ou des acteurs tels Burt Lancaster, Jean Gabin, Michel Piccoli, Luchino Visconti, Claudia Cardinale, Tarzan, Psychose… Autant essai graphique que bande dessinée ultime, rêverie et fantasme sur l’autre art de la narration par l’image, Pour en finir avec le cinéma signe l’arrivée chez Dargaud d’un maître incontesté de la bande dessinée d’aujourd’hui.
Merveilleux corps à corps en jaune et noir, au graphisme acéré dans les premières pages , étreintes, batailles, lutte, scènes de bal. L'histoire de la danse au cinéma y passe aussi. Puis, ce dialogue entre l'auteur-illustrateur et Mathilde son amour strasbourgeoise quand il était étudiant aux arts déco, une danseuse, acrobatique, qui s'entraine tout en causant!

Pour dessiner, il se nourrit toujours de danse, de musique…(voir "Vitesse moderne" avec Cunningham)

"Tout ce qui constitue le cours de la vie me sert de fumier (rires). Enfant, quand je dessinais, je trouvais ma seule source d’inspiration dans la BD. J’essayais de reproduire ce qui m’avait plu, ce que j’avais lu une heure avant. Aujourd’hui, j’ai besoin d’autres artistes, d’autres vies, d’autres œuvres. Je n’ai pas d’imagination. J’essaie de m’approprier les choses que je ressens. Comme je ne suis pas danseur, j’ai essayé dans mes bandes dessinées de faire de la danse ; comme je ne suis pas acteur, j’ai essayé de jouer ; comme je ne suis pas écrivain, j’ai essayé de faire de la littérature. Tout ce qui m’a enchanté, je tente de le retranscrire dans mon langage à moi. Une fois sur deux je rate mon coup mais j’ai vraiment soif de voir, d’apprendre. Il faut rester curieux."

A lire pour ne jamais en finir avec le cinéma, un art du mouvement, de la vitesse, de la lumière!

Georges Aperghis et son "Luna Park": attractif!!!

2011-10-08T07:11:00.000+02:00

Georges Aperghis est plus qu'un habitué du festival Musica. Pour les aficionados, on se souviendra de la merveilleuse interprétation par Martine Viard des "Récitations" en 1983.
Depuis, il fit une résidence très remarquée à Strasbourg au conservatoire de Musique, qui familiarisa au plus juste les jeunes musiciens au théâtre musical, à l'humour des notes, à la composition, à l'interprétation.
Du beau travail de fond, oeuvre de fourmi qui porta ses fruits.
Aujourd'hui, il nous revient avec "Luna Park" un spectacle indéfinissable, ovni en son genre!
D'emblée, en ouverture, le ton est donné: tambour battant tout démarre de façon fulgurante. Sur un dispositif scénique très audacieux, les quatre interprètes musiciens, acteurs sont intégrés à une sorte d'échafaudage où le corps est mis en situation périlleuse, en danger.Sons, notes, paroles, musique en jaillissent comme autant de sources de tension-et détente- qui se maintiendront tout au long du spectacle.
Des images vidéo, soit pré-enregistrées, soit tournées en direct et remixées en régie simultanée font écho à ce travail musical, comme contre point, comme miroir du son. Des bouches en surgissent en série, ordonnant ainsi comme des "amuse-bouche" un apéritif tonitruant. Les lèvres en gros plan articulent, ânonnent, décomposent le mot. C'est drôle et désopilant, humoristique et nous tient ainsi à distance du trop sérieux!Pas de convention ni de savoir se conduire ici: c'est plutôt l'indisciplinaire, l'élève qui fait l'école buissonnière et se joue des formalités. Les quatre interprètes, une heure durant vont se frotter à ce jeu, physiquement éprouvant, cette performance d'athlètes, d'aérobie constante. Sur un fil tendu, la tension monte, puis le calme revient, pause salutaire dans le tempo de cette œuvre échevelée, décoiffant e.On y est désorienté, déphasé, décontenancé devant la virtuosité, l'audace de la pièce. L'échafaudage tient bon, comme une pyramide solide, bien plantée, une architecture qui double la texture de la musique, du son, du rythme.
Un spectacle total, multimédia qui interroge aussi sur la notion de communication, de solitude face à la technologie. L'ivresse qui en ressort incombe à cette juxtaposition de médium: vidéo, corps dansant, musique, images virtuelles et magie de la régie directe pilotée de main de maitre dans une vitesse fulgurante.Ecrans, caméras, micros, autant d'outils qui éloignent les artistes les uns des autres et qui portant font chorus, font front et face sagittale aux spectateur médusés, entrainés dans cette folle course contre la montre!
Le référent d'Aperghis, en l'occurrence Thomas Bernard et son chef-d'œuvre "Marcher" nous font ouvrir l'œil sur la notion de surveillance, d'auto-analyse. L'équilibre de cette vaste construction demeure fragile et le monde peut chavirer, tournoyer dans ce "Luna Park" bien artificiel où le corps est balloté, secoué, ébranlé, malmené: comme pris dans une machinerie infernale. Que reste-t-il de l'humain dans tout cela?
Beaucoup de poésie et de recul malgré tout pour laisser derrière soi un parfum d'inédit, de tremblement, de secousse salutaires!

Wim Vandekeybus et son "Oedipus/Bêt Noir": mythologie chorégraphique instinctive

2011-10-07T13:07:00.002+02:00

Wim Vandekeybus, chorégraphe flamand bien connu de la scène strasbourgeoise pour y être en compagnonnage et complicité avec Le Maillon depuis ses pièces accueillies, telles"Blush", "Puur", "Spiegel",ou "nieuwZart", nous revient avec sa libre adaptation du mythe d'œdipe. En bonne compagnie toujours, celle de l'écrivain-poète Jan Decorte.De Sophocle, on gardera bien sûr, l'aspect dramatique, mais la langue si tonique et acerbe de l'écrivain flamand transfert à la danse son caractère abrupt, franc, direct et puissant. Les deux langages s'unissent pour tisser la trame d'une histoire de corps, de mœurs aux antipodes d'une anecdote ou d'une esquisse historissisante. Avec danseurs, comédiens et gens de théâtre, tout ici se conjugue au présent du drame psychologique.Vandekeybus mettant au service du texte sa danse tectonique, puissante et virulente. Mais aussi tout le traitement très sensuel autant de ses courses, ses arrêts, ses sauts pour pénétrer dans l'âme de "la bête noire" à combattre. Son instinct très animal le conduit dans les affres de cette légende avec grâce et brutalité.

Toujours en restant violemment lui-même.Chasse aux sensations extrêmes, élan implacable des corps.Une danse viscérale hantée par la chute et le jaillissement maintient un taux élevé d'adrénaline en affermissant ses lignes de force souterraines. "Je suis un fils de vétérinaire doté d'une imagination catastrophiste" sans omettre d'être" un boulanger qui fait son pain avec plaisir!". Son travail c'est celui d'un conteur avec de la danse à l'intérieur et cette fascination pour les histoires qu'il tente d'incarner à travers le médium multiple qu'est la danse.Les zones d'ombre, la noirceur du psychisme rendent son œuvre alchimique et occulte à souhait.
Il sera sur scène et l'on retrouvera avec bonheur celui qui a démarrer sa carrière auprès de Jan Fabre avant de créer sa propre compagnie "Ultima Vez" en 1987.
"Oedipus/ Bêt Noir" au Mallon Wacken du 20 au 23 Octobre à 20H 30.
www.le-maillon.com

"Pina Jackson in Mercemoriam" de Foofwa d'Imobilité:danse à la diable!

2011-10-07T11:15:00.001+02:00

"Diable!l'interprète et son propre muse se met en position funambulartistique....."
Ce serait de l'oulipo ou du lettrisme de la danse! C'est tout simplement de la prose à Foofwa.
"Foof, il faut que tu penses avec ton corps puis que tu danses avec ta tête pendant que tu t'amuses avec ton corps et que ce corps s'amuse avec sa tête et?je pose et je me repose? Je pause ou me pose"
Il danse comme il écrit, ce danseur Suisse qui n'a pas froid aux yeux et nous à déjà fait participer à des marathons, des courses folles dans la cité strasbourgeoise, seul ou avec d'autres. On se souvient de ses numéros désopilants de cabaret déjanté avec Thomas Lebrun, se jouant de l'androgénie, du burlesque, du travestissement.Le corps serait le siège de bien des coups d'état...de danse!
Avec cette pièce fameuse, dressée comme un mémorial fantoche en hommage aux grosses pointures de la danse disparues la même année sans faire s'écrouler l'édifice de la danse contemporaine, le voici qui s'attèle au pastiche de la mémoire, du répertoire, de la transmission, les tartes à la crème du jour!

Provocateur mais toujours constructif et allant de l'avant, Foofwa est comme un chien fou, lâché dans l'arène. Sa danse résiste à toute catégorie, ni complètement conceptuelle, ni exclusivement physique, elle joue du verbe autant que de l'entrechat. Si son disque dur c'est la technique Cunningham, il s'aventure aussi du côté du Tanz Theater allemand¨, du côté aussi de la star du show business, Mickael Jackson, le roi de la danse!
Il attache si peu d'importance aux conventions qu'il ne se soucie même pas de les bousculer: il le fait sans s'en apercevoir!S'affranchir de tout automatisme, houspiller les habitudes sans faire table rase ni oublier sa technique.Des acquis trop précieux pour les envoyer au rancart. Il bricole son langage avec ses outils et à la croisée d'une réflexion sur l'histoire du mouvement et sur notre époque, il nous brosse un panorama de la mondialisation, des nouvelles technologies avec humour, dérision. Tel un engagement politique très incorrect mais sérieux et brillant, toujours très exigeant.
Un spectacle de la vie du corps et du "corps de métier", du "corps de ballet" du danseur à l'atelier, au studio, partout où se niche la danse et surtout là où l'on ne l'attend pas!

A Pôle Sud à Strasbourg le 18 Octobre 20H30.
www.pole-sud.fr

"L'Accroche Note" au Festival Musica 2011: "poésie et écriture sonore"

2011-10-07T08:36:00.001+02:00

Pas un festival "Musica" sans une étroite collaboration avec le groupe de recherche musicale "L'Accroche Note"!
Cette année ne dérogeait pas à ce très édifiant rituel qui convoquait l'ensemble strasbourgeois crée par Françoise Kubler, soprano, et Armand Angster, clarinettiste à élargir son vaste répertoire dédié à la création grâce au cycle de Stefano Gervasoni et à la toute nouvelle partition de Philippe Manoury.

"Poesie francesi" de Gervasoni fut donné en cycle complet: les poèmes de Ghérasim Luca, poète roumain né en 1923 qui passa sa vie en France et qui séduisit Deleuze, qui le considéra comme "le plus grand poète français" , sont donc mis en musique afin de développer en eux le sens musical par la sanction, le phrasé vocal. Françoise Kubler assure la rude tache de l'interprétation de ces textes, psalmodiant , triturant les mots et les sons, toujours surprenante par son apparente facilité à rendre, à se fondre dans de nouvelles œuvres.Textes à l'appui la voici qui s'empare d'une langue multiple aux accents polyphoniques, accompagnée par des sons produits par des objets hétéroclites qu'elle manipule en alternance. Tout se termine d'ailleurs par quelques coups de ciseaux, coupures toniques , final de la partition et des textes chantés.Accompagnée par l'ensemble, voici une prestation forte et décapante, digne de cette formation toujours à l'affut de la création. L'œuvre suivante de Manoury "Hypothèse du sextuor"ne dérogeait pas à cette foi dans un engagement envers l'audace de l'investigation créative contemporaine dans la musique d'aujourd'hui.Création pour le Festival, co-commande avec l'Accroche Note, voici une œuvre mêlant cordes, vents et claviers avec bonheur, avec "hauteur"!"Ecrire de la musique de chambre revient à imaginer des conversations qui vont et viennent" confie Philippe Manoury dont le répertoire est pétri d'idées nouvelles. Convergences, rencontres fortuites ou savamment "pensées", la musique de Manoury est de la dynamique, du mouvement. Inspiré par la neige qui tombe comme autant de notes et de sons, ce morceau est limpide, scintillant et ces"pas dans la neige" résonnent comme des traces de déambulations sonores, de parcours géographique dont le tracé, le phrasé serait invisible, seulement audible dans la plus grande des correspondances baudelairiennes: couleurs, sons, matières et fragrances se mêlent, s'emmêlent, se chevauchent.

Le concert suivant interprété par l'Orchestre Philarmonique de Strasbourg, laissait également la part belle au compositeur qui désormais nous est familier. Par sa présence constante déjà sur le Festival, par sa façon dynamique, convaincante et très "pédagogique" de présenter ses œuvres en début d'exécution. Simplicité, amour du partage, don et talent d'orateur efficace pour laisser l'auditeur librement pénétrer son œuvre
Avec "Sound and Fury" (1998), voici un pan de sa musique, relié à l'évocation de Faulkner, puissant, révélateur de sa passion pour toute forme d'écriture.
La juxtaposition avec "Okhtor" de Christophe Bertrand magnifiait les deux auteurs: force de l'écriture, du propos, envoutement de l'écoute collective de cette musique qui ne cesse de nous révéler atmosphère, ambiance sonores inouïes, digne de ces compositeurs si proches: ceux que Musica nous donne à fréquenter à l'aube de leur existence dans le temps donné du concert.Une chance à mesurer!

"L'Europe des Esprits" au MAMCS à Strasbourg: "Stupéfiante exposition"!

2011-10-07T07:40:00.001+02:00

En quoi la superbe exposition "L'Europe des Esprits", qui se tient à Strasbourg jusqu'au 12 Février 2012 au MAMCS concerne-t-elle la danse?
Et bien, il "suffit" déjà de déguster l'impressionnante et foisonnante quantité d'œuvres exposées sur le thème "La fascination de l'Occulte" (1750-1950) pour se rendre à l'évidence que le corps humain est fortement investi dans cette évocation du fantastique, de l'invisible, du spiritisme, de l'étrange. D'abord de par son extrême présence dans la peinture et sculpture pour symboliser à la foi l'inquiétude qui habite les esprits durant ces deux siècles balayés, et le tracas, voire la fascination pour la métamorphose ou l'absence de corps. Par ce pan consacré spécialement à la danse en ce début de XXème siècle où naissent les courants de la danse libre, du Delsartisme et toute l'école de Rodolf von Laban. Hommage légitime rendu à la Loie Fuller, qui inventa en son temps l'image expérimentale, l'art visuel durant ses performances de danseuse plasticienne, sculptant la lumière et inventant des formes fugaces telle la "danse du lys" et le cinéma expérimental colorisé image par image. La notion d'apparition et de disparition du corps au profit de l'émergence de spectres inédits, de formes lumineuses en couleur confère à ses évolutions le statut de "révolution picturale et gestuelle" trop souvent négligé dans l'histoire de l'art et de la performance.Évocation bien sur de la compagne de Hans Arp, Sophie Taeuber, danseuse de formation pour avoir suivi les pérégrinations de Laban au "Monte Vérita" à Ascona, durant la période où ce dernier, pionnier de la pensée chorégraphique et cinétique y développa sa danse d'expression et toute sa théorie sur la choréeutique. Référez-vous à l'article signé par Joelle Pijaudier-Cabot "En tout homme vit un danseur" dans le fabuleux catalogue de l'exposition (pages214/223) pour l'histoire de tous ces courants de la danse qui se frottent à la spiritualité, à l'ésothérisme, au divin)
Le plus remarquable sont les dessins de Rudolf Steiner, "Eurythmie d'après des esquisses de Rudolf Steiner". Exposés pour leur attrait esthétique sur la forme anthropomorphique des voyelles, histoire d'enseigner une anatomie fantaisiste mais très mouvante du corps humain, habité par une danse très tectonique, structurée, morcelée. Structures musicales et quasi notation chorégraphique y font bon "accord" sans désaccord ni fausse note. La partition gestuelle est née par souci de représentation pédagogique et il nous est donné à voir quelques pièces rares et inédites!Mary Wigman, Isadora Duncan sont également évoquées et regardez la "Danse du Temple" de Fidus, où le corps glorieux et canonique de la danseuse nue se fond dans une apesanteur onirique et hallucinante, légèrement supportée par une végétation, elle aussi en lévitation. De la légèreté, du spirituel, de l'évanescence dans toutes ces évocations corporelles de la divination, de la croyance en d'autres corps, d'autres matières et tout compte fait pour échapper à l'humaine condition: autant de "petites morts" dans le vaste univers.

Y échappent les femmes dansantes de Hodler, massives, puissantes, terriennes mais cependant "en extase"!!La dimension de transe, de passage d'un monde à l'autre par le truchement du mouvement n'a pas échappé dans la représentation, aux peintres et sculpteurs évoqués dans cette remarquable exposition sur l'occultisme.De la "Danseuse" de Arp toute en volute et très voluptueuse, au corps tendu, extatique de Fidus avec son "Invocation à la lumière", en passant par l'image quasi abstraite mais très lyrique de Van Duisbourg "Mouvement héroïque", la symphonie du corps mouvant est au zénith.
On ressort de l'exposition dans un "état second", édifié sur l'importance de la dimension onirique dans l'art, en lévitation, mais bien conscient que la représentation du monde est riche de fantasme et de phénomènes occultes, échappatoires salutaires à l'humaine condition!

LE BILLET DE CATHY GANGLOFF

2011-10-02T13:49:00.000+02:00

On m'a raconté un jour que lorsque les abeilles rentrent dans leur ruche, il y a celle qu'on appelle l'éclaireuse, et qu'elle exécute une "danse"

Ainsi elle transmet aux autres abeilles des informations tout à fait précises , parait il, sur le type de source alimentaire qu'elle a pu découvrir et sur son emplacement.

Cette danseuse partageuse .... m'a fait penser à toi !!!

Cathy Gangloff, plasticienne

Charles Chaplin à Musica: "ChaplinOpera": contrepoints, contredanse!

2011-09-30T07:13:00.001+02:00

Chassé-croisé, musique-image survoltées.
Ou le cinéma, art du mouvement et du rythme!
La "kiné" de Chaplin, sublimée!
On avait déjà fait connaissance avec Benedict Mason et l'Ensemble Modern avec deux pièces courtes truculentes: "Two Picolo Trumpets for Sava Stoianov" et "TwoCornetti for Valentin Garvie". Un régal de sons inédits, soufflés et joués avec l'humour et le détachement de deux musiciens, pitres en diable!Gestes et mise en scène à l'appui, burlesques et fanfarons personnages, faits de tout petits riens.

Nul doute que se confronter à l'oeuvre de Chaplin, les films muets de son début de carrière-1917- allait de soi!
Mais comment oser rallier musique, son, voix et "cinéma muet" quand on sait que dans l'image muette en noir et blanc tout concourt au sens par le geste et le mouvement, justement pour pallier à l'absence de son, donc de paroles, de mots, de musique. Seuls les pianistes étaient jusqu'alors habilités à accompagner ce genre d'œuvre avec plus ou moins de bonheur...
1917: trois œuvres signées du réalisateur Charlie Chaplin font l'objet de l'expérience "semi-operatic Filmspiel" de Benedict Mason en 1988.
"Easy Street" nous rappelle qui était Charlot: un mime, un acteur né dans la banlieue de Londres en 1889 où il passe son enfance livré à lui même de père et mère chanteur et danseuse sombrée dans la folie.A dix ans il s'essaie au music-hall comme boy puis danse les "gigues" dans la compagnie des Lancashire Lads avant d'intégrer la célèbre troupe de"pantomime Karno" à Londres.Il y apprend le mime, l'acrobatie, le rire funèbre,la danse, la mélancolie désopilante, la jonglerie.C'est Mack Sennett qui lui propose alors de faire du cinéma! Sa carrière démarre et il conçoit son personnage dans "Charlot et le chronomètre": c'est dire si l'allure et le tempo de Charlot vont demeurer immortels!
C'est dans le rythme infernal de la farce anglaise que l'on plonge avec "Easy Street": il y compose son personnage dans un véritable tourbillon synthétique multipliant, les courses, les poursuites, les coups, les esquives. Il y intègre la misère, la crudité sociale, les habits de dandy vagabond, empruntant à son maitre les gros godillots, le pantalon trop large. Il élague, dépouille, remanie, stylise. Ildevient un personnage rythmique, peuplé de forces déliées, qui change les lois de la gravitation et le monde autour de lui.
Tout est dit dans le geste, le cadrage souvent en plan fixe de scènes désoppilantes, au comique de répétition. Charlot se rue dans le danger et en sort toujours vivant!
Ici, le théâtre, c'est la rue, la chorégraphie, ce sont les entrées et sorties des groupes de vagabonds, ce sont les pirouettes de Charlot, ses grands écarts, ses voltes faces, ses glissades.Dans "The Immigrant" et "The Adventurer", il en va de même et la musique magnifie les manipulations, les clowneries, les gags, la poésie de l'amour aussi, omniprésente dans ce combat "kiné- matographique"
La musique allait-elle trouver sa place dans tant de propositions, d'informations sur l'intrigue et le sens même du cinéma de Chaplin?
Et bien oui! La masse sonore, les couleurs, les tonalités, les audaces multiples renforcées par un instrumentarium et des voix, font mouche!Elle épouse l'architectonique du montage et du mouvement, souligne le fameux dandinement du derrière, le haussement et le relaché rapide des épaules, la course dans un virage, où une jambe freine tandis que l'autre se rend à angle droit. La démarche en dehors, légèrement claudicante, une façon de se recroqueviller dans des moments d'émotion offrent des gestes bornes, des gestes limites, comme autant de ritournelles Cadrant un corps peuplé de petites forces fluiudes qui entretiennent entre elles des relations acrobatiques intimes.Car la danse, la mise en scène de Chaplin sont déjà tempo, rythme et musique.
Là, Mason renforce, souligne, déborde et donne une interprétation, une autre dimension onirique aux trois films.
Une réalité aussi s'en empare rendant encore plus présents, les corps "muets" à l'écran. Ils ont encore tant de chose à nous dire, à nous conter!Avec ou sans musique!

Donatienne Michel-Dansac: divine diva! Au Festival MUSICA

2011-09-28T17:45:00.001+02:00

L'Orchestre Philarmonique de Strasbourg terminait sa tournée régionale dans le cadre du Festival Musica à la Cité de la Musique et de la Danse et offrait gracieusement au très nombreux public rassemblé à cette occasion, un concert patchwork "découverte", tel une traversée du XXème siècle musical.
Après Mozart et Stravinsky, c'est l'œuvre de George Benjamin "A Mind of Winter" qui nous révéla les talents de la soprano Donatienne Michel Danzac. Là où apparait plus particulièrement le génie de cette interprète, c'est dans l'exécution du choix de mélodies pour voix et piano qu'elle interprète aux côtés du pianiste Vincent Leterme.
Son jeu est juste et très théâtral, truculent, burlesque, plein de discrètes mimiques agacées ou extravagantes.
Un régal pour le spectateur happé par ce charisme partagé avec son accompagnateur aux aguets, à l'écoute, partageant ses audaces avec la chanteuse. Un duo-duel, tandem parfait où les deux artistes tissent une osmose et un réel bonheur de jeu en commun.
La surprise est grande de découvrir une telle complicité entre interprètes.

Puis les "Folk Songs" de Luciano Berio ramènent au calme les élans de l'artiste qui retrouve la simplicité de ces mélodies influencées par les folklores dans des langues multiples, graves, joyeuses, émouvantes.
L'idée de tisser des liens entre musique de répertoire moderne et œuvres plus "classiques" (quoi que les limites soient fragiles) est d'une rare intelligence et relie les pièces à leurs sources et influences d'origine. Du beau "interligere" au sens propre: relier!

Philippe Manoury à l'Opéra du Rhin dans le cadre de Musica: le geste musical.

2011-09-26T16:51:00.002+02:00

Son opéra "La nuit de Gutenberg" produit par l'Opéra National du Rhin, à l'initiative de Marc Clémeur son directeur,était fort attendu et l'impatience de la découverte de la mise en scène de Yoshi Oida dans des décors de Tom Schenk donnait lieu au même appétit de curiosité.Une occasion unique donnée dans le cadre du festival de découvrir l'épanouissement de l' œuvre de Manoury, déjà magistrale!
Figure incontournable de l'histoire strasbourgeoise, Gutenberg est incarné par Nicolas Cavalier, sobre et profond qui confère à l'œuvre sa dimension réflexive et moderne.Le propos est simple: de la révolution de l'imprimerie à la disparition du livre doublé par l'utilisation des nouvelles technologies, que reste-t-il aujourd'hui et pour quels échanges, quelle qualité de communication? L'inquiétude du personnage face à l'évolution du monde est omniprésente, se distille dans l'œuvre musicale, dans l'étau du décor qui se referme sur lui, malgré sa transparence et son aspect clinquant.et rutilant.
Les voix sont traitées dans le style récitatif , les personnages qui entourent Gutenberg, ne sont pas tous bienveillants ni confiants.
Le récit fait ici l'objet d'un solide traitement, la pièce est courte et fait mouche dans les esprits.

Manoury nous offrait le lendemain, son œuvre pour instrument à cordes: "Partita 1" de 2006, prodigieusement interprétée après la "Partia II BWV 1400" de 1720 de Bach par Christophe Desjardins à l'alto.
Après une courte et très édifiante présentation de son oeuvre par le compositeur fort efficace en paroles éclairantes, tout commence pour accomplir un voyage sonore inouï : le son du violon est démultiplié, trituré, façonné en direct par l'électronique. Un tourbillon de sons, d'échos, de "toupies" aspirantes et volubiles s'en dégage.Le geste instrumental est prolongé par l'électronique, pour rendre une texture et un espace denses, habités par des résonances et réverbérations surprenantes.
Alors que l'interprète semble au zénith de son génie,se façonne un moment rare de plus à conserver dans la mémoire sensorielle de toutes ces expériences sonores cumulées depuis le début du festival!

Musica à Strasbourg: musique et images magnétiques!

2011-09-26T16:30:00.001+02:00

"Sandglasses", le concert scénique de Justé Janulyté, au TNS, fut un instant de pure lévitation sonore et visuelle, hypnotique et hallucinant Sur la scène quatre cylindres de toiles tendues, derrière lesquelles se dissimulent ou se révèlent quatre violoncellistes du Gaida Ensemble. Un merveilleux jeu de lumières via des projections vidéo de parcelles scintillantes et tourbillonnantes vient doucement pénétrer l'atmosphère. L'ambiance est fantastique, curieuse, la musique envoutante le temps de cette plongée hors du temps. "Théâtre de son, lumières, espace et temps" cette œuvre est singulière et révèle de façon probante le talent de cette artiste lituanienne. Ce sablier "sandglasses" distille le temps et l'espace sonore avec grâce et quelque marque de volupté dans l'aspect fantomatique des visions proposées. Les pistes se brouillent incessamment et l'on s'immerge dans la musique avec une sensation d'abandon inédite.

"The Cave", le concert suivant de ce samedi ne dérogeait pas à l'idée d'envoutement. Steve Reich et Beryl Korot nous offraient un "oratorio multimédia" en trois parties joué par l'Ensemble Modern.
Le propos est complexe et riche en témoignages divers, collectés à l'occasion d'un questionnement à l'adresse des trois religions monothéistes, donnant naissance à un récit raconté trois fois, du pont de vue de trois cultures différentes. Aux questions "Qui est Sara, Abraham, Ismael et Agar?", un israélien, un palestinien, et un américain répondent. Les images vidéo de ces confessions sont projetées simultanément alors que la musique répond en direct à ces sollicitations. Leur rythme dépend des mots, des paroles: toute une architectonique se construit alors au regard avec ces cinq écrans qui entourent les musiciens.
L'effet est de choc et la structure répétitive de la musique entraine le spectateur dans une sorte d'onirisme, malgré la teneur très grave, politique et sociales des réponses. Les américains font mouche et avec beaucoup plus de détachement et d'humour colorent l'esprit de la partition, demeurée auparavant plus empreinte de dogmatisme.Une expérience musicale hors du commun comme beaucoup dans ce festival de nos musiques d'aujourd'hui!
Poigs

MUSICA 2011: "50 ans des Percussions de Strasbourg": ondes de choc en ouverture des concerts!

2011-09-23T16:43:00.002+02:00

On ne présente plus le légendaire groupe des six, "Les Percussions de Strasbourg" créées en 1962, un ensemble "de chambre" pour instruments inédits de percussions. Les plus grands compositeurs ont inventé pour eux des œuvres inédites, éclatantes, surprenantes toujours: Messian, Boulez, Xenakis....Toujours avec brio et dans la foi et la confiance en une formation de musiciens hors pair qui eux même ne connaissent pas leurs limites. Car le risque est de rigueur, la rigueur de mise et les sons n'ont qu'à bien se tenir pour recevoir une bonne note ou un bon contre-point!C'est ce que nous a rappelé le film de Eric Darmon, "Les percussions de Strasbourg, les artisans du son" (coproduction ARTE Ozango France Télévision) projeté avant le concert "Le Noir de l'Etoile" de Gérard Grisey.

Un documentaire rare et précieux sur l'histoire de cette formation, et son quotidien, le tout écrit et scénarisé avec un point de vue humoristique et décalé, honnorant à la fois le sérieux de l'entreprise, son envergure internationale, autant que sa petite"cuisine" interne, batterie d'instruments, d'objets par centaines bien rangés dans des petits casiers de plastique!
La séquence des mailloches où Keiko Nakamura dévoile ses trésors de baguettes magiques est un régal où l'on apprend sur les artistes autant que sur la richesse de la musique qu'ils interprètent. De belles images d'archives étayent les prises de vue contemporaines avec ingéniosité sans lasser et dans un bon rythme percutant de montage! (On se souvient du documentaire sur "Steve Reich Phase to Face"du même réalisateur qui mariait atmosphère, tempo, musique et images avec bonheur.
Quelques belles séquences de danse avec les interrogations du chorégraphe Alban Richard et son ensemble L'Abrupt pour sa dernière création à Montpellier Danse 2011"Pléiades" de Xénakis avec les Percussions de Strasbourg.Les danseurs arpentent la scène, cherchent leurs marques spatiales et rythmiques sous les conseils et le regard de Jean-Paul Bernard, et l'oeil pensant du chorégraphe. C'est un très beau passage, sensible, riche en informations qui se soldera par un extrait de la représentation au Théâtre de l'Agora à Montpellier.
Là où l'écriture processuelle du chorégraphe est tramée de plusieurs partitions, pour la danse, la musique et la lumière.Pour converger vers une unité conceptuelle et esthétique propre à chaque objet chorégraphique, proche de l'écriture de Xenakis.L'histoire d'une oeuvre créée en 1979 par Xenakis pour le Ballet du Rhin! Amnésiques s'abstenir: la danse et la musique contemporaine ont une belle histoire, un beau présent et un bel avenir! Sur un instrumentarium impressionnant et splendide, les nuages,galaxies et feux d'artifice de Pléiades font se souvenir que les percussionnistes ont aussi des corps dansants à la rencontre d'autres danseurs.
Geneviève Charras

"La Fée": Abel, Gordon et Romy ne font plus d'effet!

2011-09-20T18:25:00.001+02:00

On se souvient du brillant long métrage "L'Iceberg" où la virtuosité du cinéma muet retrouvait toutes ses lettres de noblesse Le geste y était roi, la parole quasi absente sauf murmures, éclats de voix ou secrets susurrés à l'oreille.
De la bande son à la Jacques Tati, du mouvement léger, suggestif et des situations burlesques, absurdes et inédites. Les auteurs-réalisateurs et comédiens avec des physiques atypiques allaient rentrer dans la légende avec un film OVNI, inclassable mais rayonnant.On les retrouvent dans "Rumba", déjà beaucoup moins probant et aujourd'hui avec une fée qui ne fait plus d'effet.Gordon, Abel et Romy font dans le réchauffé, le savoir-faire qu'on leur connait n'est plus au service de la surprise. C'est plutôt l'inverse, très "téléphoné" très comique de répétition, lassant et redondant. La ville du Havre est le théâtre de ces multiples péripéties anodines, de prétextes à la danse qui n'a alors pas de sens, sauf décoratif ou lénifiant. L'hôtel, le lieu ou acteur principal de l'intrigue est un établissement pourtant années 1950 à la Hopper qui a son charme. Un veilleur de nuit "fatigué" de la vie y accueille avec lassitude des clients de fortune dont une fausse "fée", voleuse en diable qui truande bien son petit monde.Quelques scènes truculentes sauvent le scénario en perdition où la voix et la parole surgissent de façon inappropriée et confère au tout une banalité attristante.Dommage aussi que l'apesanteur soit traitée toujours en regard avec les effets ou cascades trompeuses: des trucages grossiers et pas drôles du tout.
La chorégraphie si fine et discrète des corps dans "L'Iceberg" a disparu au profit de gros plans, de dialogues, de faux rebonds et de tartes à la crème. Dommage on se régalait déjà d'avance.....

Christian Lacroix à "La source" du costume de danse!!!! "Caresser le velours"!

2011-09-16T16:01:00.001+02:00

On le connait pour moultes réalisations de "costume à danser", costumes sur mesure, à "fleur de peau" pour des ballets de Blanca Li, du grand répertoire classique "Joyaux" de Balanchine, "Zoopsie Comédie" des Beau Geste et Lolita et aussi de Karole Armitage....Pour des expos sur "Le Rouge" à l'Opéra de Paris....et des éditoriaux, entre autre celui du catalogue pour la dernière exposition du Centre National du Costume de Moulins sur la Comédie Française....
Il récidive pour le prochain spectacle "La Source" bientôt créé au Palais Garnier sur une chorégraphie de Jean Guillaume Bart.
La Perse légendaire et fantastique sert de décor aux amours contrariés du chasseur Djemil, de la belle Nouredda et de l’esprit de la source, Naïla. Pour sa première création pour le Ballet de l’Opéra, Jean-Guillaume Bart, Danseur Etoile, s’empare de cet argument et ravive une œuvre oubliée du répertoire, créée à l’Opéra de Paris en 1866. La partition légère et imagée associe Ludwig Minkus et Léo Delibes, qui compose alors son premier ballet. Le livret d’Arthur Saint-Léon et Charles Nuitter, futur auteur de Coppélia, puise dans le romantisme wagnérien, l’orientalisme et les influences shakespeariennes et oppose au monde réel, celui des elfes, des nymphes et des êtres immatériels. En étroite collaboration avec le dramaturge Clément Hervieu-Léger, Jean-Guillaume Bart redonne à La Source sa fraîcheur originelle. Il signe une grande histoire dansée, poétique et virtuose, magnifiée par les costumes flamboyants de Christian Lacroix et l’espace évocateur et mouvant d’Eric Ruf.
Christian Lacroix qui habille aussi le tram de Montpellier, se plait à avouer son amour pour le velours, celui que l'on caresse et qui dans le vocabulaire argotique parisien signifie "caresser le velours": s'offrir une place à l'Opéra!!!!!
"J'habille de corselets les nymphes et les naïades qui appartiennent au monde de la lumière, de l'eau, de la brillance et du végétal, tandis que les odalisques sont en pantalon et en sari anciens dans les tons bruns et bleus".Que du bonheur pour les danseurs, ainsi magnifiés par de réelles créations qui cernent l'ambiance, l'esprit du ballet et concourent à son efficacité en terme d'impact esthétique.
Gageons que ce dernier pari de Christian Lacroix, qui habille aussi les cannettes de bière et les verres Cronenbourg soit à la hauteur de sa modestie!!!!

"Et maintenant, on va où?": chorégraphie de corps révoltés

2011-09-13T17:07:00.001+02:00

Sur le chemin qui mène au cimetière du village, une procession de femmes en noir affronte la chaleur du soleil, serrant contre elles les photos de leurs époux, leurs pères ou leurs fils. Certaines portent le voile, d’autres une croix, mais toutes partagent le même deuil, conséquence d’une guerre funeste et inutile. Arrivé à l’entrée du cimetière, le cortège se sépare en deux : l’un musulman, l’autre chrétien. Avec pour toile de fond un pays déchiré par la guerre, « ET MAINTENANT ON VA OU ? » raconte la détermination sans faille d’un groupe de femmes de toutes religions, à protéger leur famille et leur village des menaces extérieures.Et maintenant on va où ? est tout à tour émouvant, poilant, et surtout surprenant, moins classique qu’il n’y parait, à l’image de son étrange scène inaugurale, cortège de femmes en deuil laissant peu à peu place à une invraisemblable chorégraphie. Cela ressemble à de la danse chorale, du Rodolph von Laban, à sa "vague" légendaire où un groupe d'individus se meut au gré du courant qui les anime en "choeur".
De la quasi danse d'expression, très bien filmée, comme d'ailleurs la scène de tango amoureux entre l'héroine, joué par la cinéaste, Nadine Labaki, très noire et inspirée de férocité et détermination!
Si le film a été (justement) très applaudi lors de sa présentation à Cannes, il offre bien plus qu'une image simpliste de crowd-pleaser pour femmes, et déborde allégrement du cadre trop restreint du world-movie à thèse.

"The Artist" de Michel Hazanavicius: Jean Dujardin, danseur!

2011-09-11T10:57:00.002+02:00

Voici un film muet, aux allures de "Chantons sous la pluie" avec en rôle titre le décidément très vintage, Jean Dujardin. Pas de paroles, pas de son, que du geste, de la danse et de la chorégraphie de l'image!
Une réussite absolue où les héros nous entrainent dans un suspens silencieux qui fait tant de bien dans ce monde si tapageur Le noir et blanc y est scintillant, brillant comme dans les Fred Astaire (Top Hat) et les sourires de la comédie musicale en font une "mélodie du bonheur" sans musique, dans le respect total des mouvements des corps. Leur présence à l'écran se dévoile dans ce repos, ce silence prégnant où notre héros se bat contre le cinéma parlant qui va briser sa carrière de talentueux comique, burlesque à souhait lors de toutes ses exécutions gestuelles. Sa fiancée par contre va vendre son âme au diable et se corrompre dans le "parlant"!!!.

Bulgarie en danse

2011-09-11T08:58:00.000+02:00

Encore quelques "clichés" non conventionnels!!!!
Le peintre Kirov.....La vache!!!

"The art of costume": les ballets russes, encore!!! la danse bien étoffée!

2011-09-11T07:20:00.001+02:00

Encore un ouvrage, catalogue d'une brillante exposition à la National Gallery of'Australia!!! (sous la direction de Robert Bell
Les plus belles pièces des peintres: Goncharova , Picasso, Matisse, Yakulov (inédits du "Pas d'Acier") et tous ceux qui se sont attelés à façonner l'étoffe des ballets russes!

Souvenirs dansants de périple bulgare

2011-09-05T09:00:00.001+02:00

Cet été m'a conduite en Bulgarie!!!! Toujours sur les traces de la danse!

Danseuse en porcelaine du musée historique de Varna

Fresque dans un restaurant de Plovdiv

Monastère de Rila: danse du diable

La foire Européenne de Strasbourg: que viva Espagna!!!!

2011-08-25T08:16:00.000+02:00

Sans commentaire....
Ce devait être le Mexique.....

Fin de l'été dansant???? Les thés d'encens.....Cartes postales de voyage!!!

2011-08-25T08:04:00.001+02:00

Vache flamenca.pour Almodovar...

Arlésiennes de Christian Lacroix....

Tenue de Bal du 14 Juillet....

Danseuse tournante de piscine

Danseur moustique de camping.....

Couple danseurs de Pologne

Bal perdu de campagne...
Et viva Espagna pour la foire européenne de Strasbourg!!!!

Il flotte encore de beaux parfums d'été....Et la danse est présente dans les mélodies du bonheur qu'égrènent les orchestres de petits bals perdus....Quelques clichés de vacances!!!!

Hussein Chalayan aux Arts Décos à Paris: anatomie de la danse par le costume

2011-08-24T13:29:00.000+02:00

On rêve que Régine Chopinot travaille avec lui pour faire ses défilés, comme au temps où elle pratiquait Jean-Paul Gaultier....Ce styliste, artiste chypriote-turc né en 1970 a dans ses formes une tectonique architecturale digne de Frank O Guéry!
Aux arts décos actuellement, une expositiuon rétrospective hallucinante!!!
On dirait la mouvance de Anne Téerésa de Keersmaeker....

"Itinéraires des danses macabres": un livre précieux!

2011-07-29T16:29:00.002+02:00

Il est "épuisé" mais pas épuisant à la lecture!!!
Ce superbe livre d’art étudie et reproduit un grand nombre de fresques, peintures et sculptures représentant des danses macabres dans l’Europe entière. Ces fresques sont apparues dans les églises médiévales pour rappeler l’égalité de tous face à la mort. Entre burlesque et satire, ces œuvres ne laisseront personne indifférent.Et comme dit "ce n'est pas la mort qui danse, mais les vivants"!
Danse des morts, danse de la mort?
Tout dans cet ouvrage est passé au crible.Voici quelques illustrations de danses macabres en Europe!

"Kaboul disco" et "La parenthèse": le rapt du corps "kidnapé"

2011-07-29T11:22:00.002+02:00

Nicolas Wild raconte l'histoire des corps militaires, domptés, l'histoire des corps en révolte, qui résistent à Kaboul.Un journal vécu physiquement par l'auteur lors d'un séjour en Afghanistan.
Page 138 du Tome 1 voir la séquence dans un night club au son de "sex bomb": les femmes y sont "dévoilées"!!! Chronique d'un pays en reconstruction où tout geste peut faire signe!

En 2005, Nicolas Wild, dessinateur de bande dessinée sans domicile fixe, trouve à la fois un plan squat et un boulot. Seulement c’est un peu loin : à Kaboul, dans un Afghanistan encore instable après la guerre. Voilà donc ce jeune insouciant transporté dans une capitale en crise, chargé de dessiner une adaptation de la constitution afghane, puis de travailler sur la campagne de recrutement de l’armée. Il devient dès lors un observateur privilégié de la reconstitution hésitante du pays tout en menant la drôle d’existence des expatriés occidentaux à Kaboul. Il sent progressivement naître un fort attachement pour ce pays où il décide, malgré les risques de prolonger son contrat. Un regard ironique et pertinent sur les réalités de ce pays au cœur de l’actualité.
Avec"La parenthèse" de Elodie Durand, voici un autre genre de rapt à soi-même: le récit graphique dépasse l'autobiographie douloureuse de l'auteure: elle y réinvente la fonction même du récit d'une vie en noir et blanc. Magistrale, cette parenthèse, recompose les fragments d'une mémoire effacée et trace dans le temps les étapes d'une guérison.Que des histoires de corps, de mémoire gravée dans le corps.... "C'est l'histoire d'une jeune fille âgée d'à peine plus de 20 ans, d'un drame dans sa vie qui semblait être sans retour, d'une chute dans la maladie, dans la perte de soi. Ce récit est une bataille contre l'adversité. Il parle de la mémoire parfois si fragile, d'une convalescence inattendue, de comment, un jour, on réapprend son alphabet, à compter, à retrouver ses souvenirs." Élodie Durand

"Mauvais garçons", "Freaks'squeele" et "Les noceurs": drôles de fréquentations pour la danse!

2011-07-29T10:16:00.004+02:00

Florent Maudoux signe "Etrange université" pour son héroïne très "manga" super woman de choc: ses gestes et attitudes sont renversants, époustouflants et au chapitre V "Butterfly Twist" ça explose!
Voir "Tranches de squeele" ou "des bonus à vous couper le squeele" où l'auteur dévoile ses secrets de fabrication, de griffe, de marque et dévoile la signification du "squeele"!!!

Belle illustration de flamenco, source de son inspiration pour les gestes de l'héroïne...

Avec "Les Noceurs", c'est à un fantastique défilé de couleurs et figurines dansantes que l'on assiste

Brecht Evens, auteur néerlandais peint, dessine à l'aquarelle un univers mordoré, incertain, lumineux où la danse .se taille la part belle. très belles images de disco clubs, de bars, de salles de bals où les personnages chavirent à l'envi. Des plongées et contre plongées très cinématographiques en dessinent les contours. Vertigineux!!!

Le flamenco ou rien
Drôle d’idée que celle de Christophe Dabitch de développer un copieux diptyque dédié au flamenco ! Ce flamenco ce qui raconte des histoires tristes, des amours impossibles, des univers empreints de deuils et de pauvreté humaine… Comment faire « entendre » aux lecteurs cet art andalou qui mêle savamment chant, danse et accords de guitare ?
C’est le parti pris – et le pari réussi – des Mauvais garçons, ces deux copieux albums furieusement crayonnés par Benjamin Flao. De nos jours, quelque part en Andalousie, Manuel et Benito traînent à longueurs de journées. Si Manuel a vécu en France, Benito le Gitan n’a jamais quitté sa terre natale. Les deux hommes ont un idéal néanmoins : celui du flamenco traditionnel. Il faut dire que Benito chante comme un dieu.
Vivants de rien et de l’air du temps, les deux amis pourraient être riches s’ils succombaient aux sirènes du flamenco commercial mâtinés de notes rock… Trop puristes pour sacrifier à une telle infamie, Manuel, Benito et leurs amis musiciens et danseurs passent ainsi leurs journées, entre langueurs sans activités et séances de flamenco.
Seules les femmes arrivent à leur faire oublier leur passion, mais pour quelques heures seulement…

Voir les pages 28/31 dans Solea 1 et pages 102/103 dans Solea 2 pour les séquences danse flamenco: par les femmes, par les hommes!!!

"Petit traité de morphologie": anatomie de la danse...

2011-07-29T09:36:00.001+02:00

BD d'après les cours donnés par Jean François Debord à l'école des Beaux Arts de Paris de 1978 à 2003.

Un régal signé Agnès Maupré; "La symétrie, c'est la mort! ou pire, la bêtise!" confie le professeur en prologue à sa série de cours! Page 6 tout commence par une superbe démonstration: "comment ça se tient un être humain?" "dans les aplombs naturels et vivants". Un dialogue plein d'humour s'établit avec le squelette "Oscar", témoin et cobaye de l'étude sur l'anatomie! Légendaire figure pour les étudiants! Tour continue en compagnie d'un écorché, tout y passe et le "bassin" (de la danseuse classique) aussi! Le trait noir et blanc est franc, plein de vie et de mouvement. On y croit aux démonstration du professeur émérite.Et à son centre de gravité:"on passe son temps à perdre l'équilibre et à le retrouver, c'est ça qui est rigolo!" confie-t-il....Danseur????
On notera qu'Agnès Maupré a suivi ces cours en compagnie de Joann Sfar et travaillé le graphisme du "Chat du Rabbin"! Filiation oblige, c'est tout aussi délicieux !

Le corps en question: ah, les filles!!!!! qui dansent!!!!

2011-07-29T07:54:00.003+02:00

Décidément, dans les albums récents d'illustration, le corps est questionné, visité, décortiqué avec un malin plaisir...Effet de mode? Sans doute, mais sous-jacent un vrai questionnement sur le plus bel instrument du monde, celui qu'on ne quitte pas, que l'on habite où qu'on y "loge" selon les critères de confort, bien-être et autre indices de vie ou de survie!!!!
Dans "J'aurais adoré être ethnologue", Margot Motin, auteure et illustratrice s'en donne à coeur joie.
"Si j'avais pas été illustratrice, j'aurais adoré être"....Championne de Pole Dance!!!! Et de la voir danser aussi dans "Dirty Dancing à la télé!!! Elle passe sa vie à bouger: "i Like to move it": chez elle en petite tenue légère, en couleurs! Le quotidien est transcendé par la danse, joyeusement. Un ouvrage contre la morosité pour trouver le bon équilibre entre soi et les autres.Un autoportrait plein de verve et d'humour sur une femme qui danse sa vie!

J’aurais adoré être ethnologue, ça parle de quoi en fait ?

Et non, ce n’est pas un essai sur la vie des pygmées ni un émouvant récit d’enfance. Cette bd c’est une plongée dans l’univers d’une fille, qui a un amoureux, une adorable puce, un chat, des copines, une maman, une soeur, un papa, des potes. Elle aime les fringues, prendre un café avec ses copines, et discuter de tout et de rien avec les gens qu’elle aime. Même si sa maman l’innonde de reproches parfois, même si sa fille a le chic pour la mettre dans des situations embarassantes (mais hilarantes), même si son chéri aime le foot.

Jusque là c’est un peu pareil que notre vie à nous, sauf que

Margaux Motin raconte sa vie à elle avec beaucoup d’humour et d’autodérision. Et c’est addictif. Parce qu’on rit beaucoup mais aussi parce qu’on se reconnait dans pas mal de ces situations. En plus d’être drôle, Margaux Motin a un dessin absolument magnifique, léger, aérien, féminin, qui rend encore plus savoureux son humour parfois un peu trash. En plus, la bd est belle. Et c’est ce qui rend encore moins important l’argument du ‘y’a déjà le blog’. Parce qu’en plus d’avoir un contenu génial, c’est un bel objet, luxueux, agréable, qu’on a plaisir à regarder. Le genre qu’on aime avoir entre les mains mais qui en jette aussi dans la bibliothèque. C’est également une super idée cadeaux pour tous les gens à qui tu voudrais offrir une bd drôle et qu’ils aimeront à coup sûr.

Pour résumer, J’aurais adoré être ethnologue c’est le même plaisir que le blog de Margaux Motin, mais sur papier. Ce serait vraiment dommage de s’en priver !
:
"Je m'appelle Diglee, j'ai 22 ans, une sœur dingo et géniale, un homme roux, une Best Friend Forever qui me supporte depuis 10 ans, une mère super canon, et trop de cellulite pour mon IMC, malgré mes chorées diaboliques sur Lady Gaga. Et comme ma vie intéresse tout le monde, hein, bah .. J'en ai fait un blog. Et puis de ce blog, j'en ai fait un livre. Voilà."
Dans le genre et toujours chez Marabulles éditeur, "Autobiographie d'une fille gaga" par Diglee.
Autoportrait également où quand il neige notre héroine danse "Noel" à sa façon sur "christmas bells are ringing"!Désopilant! Le sport ne lui réussit pas et tant mieux! Elle redanse "la reine" qu'elle croit être en "tututu tutu tulu" et au final "comme quoi il n'est jamais trop tard"? les souvenirs d'apprentissage de la danse abondent:et on se régale.Nulle en danse!!!! Trois chorégraphies l'ont marquée à vie pour le pire et le meilleur"A croire que je rigidifiais avec l'âge!" "Faut les booster, ces jeunes": quatre pages consacrées à la chorégraphie de "Bad Romance" à se rouler par terre Ah, les filles!!!!

"Je suis quelqu'un d'assez souple dans la vie"

Lire ègalement toujours de Margaux Motin chez Marabulles "La théorie de la contorsion" et surtout l'épilogue et la post face sur le grand écart stemplé!!!!

"Tango monde": tango-passion illustré! Le bel Otero...

2011-07-29T07:06:00.001+02:00

« TANGO-MONDE » est un livre d’art comprenant 99 dessins, gouaches, aquarelles, encres, pastels, tous inéditsdu peintre Mariano Otéro,.sur des textes de Jean-Louis Coatrieux

"Je ne saurai jamais pourquoi. Pourquoi le tango et pas autre chose. Dans cet abandon total, intense, physique. Cette tendresse sombre et cette tristesse impatiente, avec elles le bonheur du corps, des corps. Dont je ne sais rien ou presque. J’ai cette passion qui se danse avec tout ce que nous sommes à deux. Une musique certes, mais pas n’importe quelle musique. Un chant aussi, amoureux, exalté, angoissé. La langue peut-être qui résonne de vagues très longues. Ou cet enlacement profond qui nous rend vulnérable au monde. J’aime, oui, ces suites de prises de pieds attaquant les notes, les ciselés de jambes et les esquives des hanches. C’est se donner et se perdre. Des gestes qui dévoilent et presque déshabillent. Tête-à-tête. Corps à corps. Mélange de force et d’attirance. De défense et de conquête. Tout ici ouvre et reprend la vie."

Merveilleux ouvrage dédié au tango: figures, postures et ambiance garantie!

"Rébétiko" et "Bandonéon": la musique et la danse en BD

2011-07-28T18:40:00.002+02:00

Dans l'album "Bandonéon" de Jorge Gonzalès,nous sommes en1916. Un bateau part d'Italie et navigue pendant 40 jours. À l'intérieur, plusieurs centaines d'européens qui débarqueront finalement à Buenos Aires. Ainsi commence l'histoire d Antonino et de son fils Horacio. Ils vivront le processus de changement social, politique et culturel que l'immigration européenne produisit en Argentine au début du 20e siècle. Bandonéon, c'est l'histoire du tango, de la solitude et de la nostalgie de l'immigrant. Cette oeuvre a gagné le Premier Prix International du Roman Graphique .Belle scène de bal au début de l'album dans des tons séppia, rehaussant l'atmosphère début de siècle.....
Quant à "Rébétiko" (la mauvaise herbe) de David Prudhomme,c'est la Grèce des années 1930 qui est en jeu avec cette musique bannie, le "rébétiko" qui met le feu aux poudres!!!! 5 musiciens y provoquent un voyage à travers le pays et la danse....
Page 57 une scène de sirtaki, page 96, le héros danse sur fond de colonnes grecques en plein air et tout s'achève sur une séquence de bal dans des tons rouges chatoyants....
Danse du "si je meurs que vont-ils dire?" pages 42/43...A ne pas manquer pour le cadrage très cinématographique du personnage qui "s'amuse" follement en tangant à l'envi!

Valiumvalse: Tomi Ungerer les "croque"!

2011-07-28T13:05:00.000+02:00

Un collectif de 7 musiciens aux allures singulières et qui fait de la world music française ?

Et oui ! L’orchestre nomade du sud… de l’Alsace n’a pas fini de nous surprendre.

C’est sur de la chanson à texte que le bandonéon s’étire aux côtés des percussions africaines. Leurs influences sont multiples mais leur objectif unique : faire danser les foules sur des rythmes venus des 4 coins de la terre.

Ils nous font passer d’un état à un autre avec force et subtilité. Chaque thème abordé nous interpelle… et c’est en Live que la magie opère.

Leur dernier opus « le tango des gangsters » est le fruit de deux années de travail où le pianiste Sébastien Troendlé (label PST) prend en charge la direction musicale du groupe. Le résultat est novateur : qualité des arrangements, de l'enregistrement et du mixage, avec un orchestre original où s'invitent un violon, une viole de gambe et autres ondes Martenot. Masterisé au Greenwood Studio par Glen Miller et illustré par Tomi Ungerer, cet album se donne les arguments nécessaires pour figurer dans la catégorie tant convoitée des albums faits pour résister à l’épreuve du temps.

"Le funambule": équilibe...Déséquilibre!

2011-07-28T09:29:00.002+02:00

Le funambule

Auteur: Marie-Danielle Croteau
Illustration: Josée Bisaillon

Fort de son grand succès, la collection Au pays des grands visite ici l'univers de Marc Chagall. Né Moyshe Shagal au siècle dernier de parents épiciers, il est l'aîné d'une famille de neuf enfants. À cette époque avaient lieu les plus beaux spectacles du Grand Cirque de Russie dont Moyshe raffolait. Il passait l'été à la campagne, chez ses grands-parents, entouré de tous les animaux de la ferme qu'il adorait. Moyshe a joui d'une belle et riche enfance, toute en douceur et en magie, qu'il a magnifiquement transposée dans son oeuvre.!
Chapitre IX: "Le funambule avançait lentement au dessus du vide, glissant son pied comme dans un pas de danse"

Voir également "Traité du funambulisme" de Philippe Petit
Le traité du funambulisme" est un livre singulier écrit par un être d'exception qui s'appelle Philippe Petit. C'est l'histoire d'un homme épris d'absolu qui tente de relier le fini à l'infini. "Le traité du funambulisme" comme l'explique Paul Auster dans sa préface est "le premier texte consacré à l'art du funambule, on y retrouve à la fois l'art et la science du funambule, le lyrisme et les exigences techniques du métier et pourtant il ne s'agit ni d'une méthode ni d'un manuel d'instruction." Philippe Petit avertit dès les premières pages : "Non, le fil n'est pas ce que l'on imagine, ce n'est pas l'univers de la légèreté, de l'espace et du sourire, c'est un métier. Sobre, rude, decevant qui n'est pas prêt à tout offrir pour se sentir vivre, celui-là n'a pas besoin de devenir funambule. Surtout il ne le pourrait pas."

Philippe Petit raconte avec grandeur le fil, le câble d'acier qui a succéder à la corde de chanvre, son installation entre deux mâts, le chausson en peau de buffle pour marcher dans le ciel, le balancier de bois ou de métal qui favorise les traversées à grande hauteur, le point de mire, le vent, la solitude, la peur. "La saveur d'une seconde d'immobilité, si le fil nous l'accorde, est un bonheur intime." dit-il. Philippe Petit est un faiseur de rêves, un artisan de l'espace, un homme libre.

Un mot est venu à moi après la traversée de ce beau texte, il s'agit de météore, j'ai recherché son étymologie, il vient du grec meteôros qui veut dire *élevé dans le ciel*, j'ai souri, puis le mot s'est envolé.

J'aimerais encore souligner que Philippe Petit a accompli des traversées inouïes, poétiques et monumentales, clandestines parfois, comme celle de 1971, où il avait relié les deux tours de Notre-Dame de Paris en hommage à la cathédrale, un autre spectacle non autorisé en 1974 à New-York au World Trade Center entre les deux plus hautes tours du monde, qui depuis ont volé en éclat. Son rêve, traverser les chutes du Niagara.

Et bien sur "Le Funambule" de Jean Genet!!! (version Preljocaj!!!!)

"Danse et architecture": Palladio et la danse

2011-07-28T08:53:00.000+02:00

Cet ouvrage collectif daté de 2010 est le rapport d'un workshop à Vicenza d'étudiants également à l'université de Montpellier
On y découvre l'intérêt de Palladio pour la chorégraphie ainsi que les rapprochements sémantiques de son discours par rapport aux fondamentaux de la danse.

Le clown et la ballerine: délicieux!!!

2011-07-27T13:37:00.000+02:00

Un clown tombe sous le charme d’une ballerine. Ce qui paraît insensé : cet amour improbable se révèle être une quête où le clown, personnage principal, va tout mettre en œuvre pour être aimé de la ballerine.
Tout d’abord, il se transforme en funambule mais tombe, puis devient écuyer ou encore grand magicien. Mais comme tout le monde le sait : un clown fait des clowneries et tous ses efforts finissent en catastrophes.
À la fin, dépité, il décide d’arrêter de changer pour se contenter d’un amour à sens unique et reprend donc ses cascades et gags. C’est à ce moment-là que la ballerine se met à rire et avoue à ce cher clown qu’il lui plaît tel qu’il est.
Une histoire de différence, de compréhension et d’acceptation mais avant tout une histoire d’amour, illustrée par des couleurs chaudes et douces.
Une histoire où tout est bien qui finit bien !

La catcheuse et le danseur: du punch!

2011-07-27T13:32:00.000+02:00

Bonnie aime beaucoup de choses, notamment faire du catch. Kim vient de loin et rêve d¿être danseur. Les deux amis montent un grand spectacle de catch et de danse, et leurs talents font école. Un éloge de la différence illustrée avec une patte personnelle et fantasque.

Estelle Spagnol

"Pieds de cochons" porc royal!!! et cochonnes rient!

2011-07-27T13:28:00.000+02:00

Lécole des Loisirs propose un nouvel album de Maurice Sendak, sur un texte de John Marshall, au titre évocateur, qui sent bon l'humour et la drôlerie, Pieds de cochons. Et comme souvent chez Sendak, l'histoire se multiplie en rebondissements et en suspens. Un loup maigre se retrouve dans un quartier de la ville qu'il de connaît pas. Un arôme sublime plane dans l'air. Le loup affamé se lèche les babines devant une affiche de ballet prometteur, "Le Lac des truies". Le festin risque d'être merveilleux au regard de ces cochons, gros et gras, en tutu. Le loup fera tout pour pouvoir entrer et dévorer ces victimes. Mais, de page en page, on s'interroge, le loup aurait-il lui aussi une vocation de danseur ? Un album réussi pour rire pleinement.

"Penser et mouvoir": quand la philosophie danse!...Sur "la peau du monde"!

2011-07-27T13:12:00.001+02:00

Livre : Penser et mouvoir : une rencontre entre danse et philosophie. Marie Bardet. L’harmattan, La philosophie en commun.
Quelles postures une philosophie doit-elle inventer pour saisir des gestes ? Comment peut-elle dé-composer des mots pour tenter de dire ce qui se passe entre des corps en mouvement ? A quels pas communs et divergents sommes-nous invités en dansant et en philosophant ? Ici se dessine le paysage d’une rencontre entre danse et philosphie. En se mettant à penser, à marcher et à rouler ensemble, danse et philosophie croiseront des problèmes de représentations, de perceptions, de compositions et de démarches collectives.

un extrait

de la peau

À travers l’exercice d’une attention sensible à la gravité, la peau devient lieu de partage du sensible et de la répartition des appuis. La peau est travaillée dans son épaisseur, animée et animant cette tension, cette écoute qui se donne en mouvements, par frissons. Elle peut s’épandre ou se rétracter dans une respiration propre à cette écoute‑composition qui se donne dans l’immédiateté comme tension. L’épaisseur du lieu plutôt que la finesse de l’entre, ce qui se passe comme sensation/action se passe plus dans ce mi‑lieu que dans chacune des deux instances séparées par l’entre deux : un milieu créé par cette tension soutenue, et traversé de conflits, d’affirmations et de guerres. Le milieu cutané, avec ses propres bêtes, amphibies inversées d’un intérieur‑extérieur partagé dans tous les sens, intensément.

La peau est un organe, mais organe décentré par excellence, pas de cœur, pas de centre, pas d’orientation fixe, il ne reste que la limite entre l’intérieur et l’extérieur qui tend à se perdre dans sa matière dermique, dans son éclatement multidirectionnel, dans son expansion temporelle de l’expérience d’une durée tendue entre un avant et un après, dans cette égalisation entre activité et passivité qui tisse une épaisseur intensive. Caresseur caressé. Un champ de force, lieu d’articulations multidirectionnelles, entre contact et partage, qui compose les mouvements, juste à la limite. Milieu où s’affine l’expérience de la relation gravitaire, la peau est lieu de la durée : il n’est qu’à voir les rides. Une philosophie des caresses, une danse des plis.

En dansant, la peau se départit ainsi de son rôle de fermeture, d’emballage, en s’ouvrant, sensiblement, « elle enfante des volumes », qui ouvrent le corps au monde, pour une danse particulièrement portée sur la peau. Louppe a ainsi de très belles pages sur la peau, qui, par la relation gravitaire, devient « milieu perceptif[3]».

À la fois étendue et intensive, continue et éclatée dans des segmentations de vecteurs toujours renouvelées, la peau est un lieu de désorganisation du corps et du mouvement. Oscillation ni contradictoire ni dialectique entre un pli sur soi et une expansion qui déjoue les limites habituelles et individuantes, en restant au plus près des sensations. Expérience sensible de la peau, contact au sol, à l’air, contact de l’image de mon corps avec les images du monde et des autres ; expériences par la peau d’une danse qui ne laisse pas in‑tact, mobilisant tissages et détissages temporels[4] et métamorphoses de ce qui, à un moment, fait la danse ; mise en jeu de qui fait la danse, travaillé à la limite de la peau.

Retour des problématiques qui tissent la philosophie depuis longtemps autour des questions de subjectivation, posées ici aux processus de sensibilité d’un moi qui, à travers la peau, comme à travers plus largement toute la relation gravitaire, se constitue en s’échappant. Et là, dans un rapprochement particulièrement éclairant pour la danse, la question de la peau comme frontière rejoint celle des frontières du sujet, à travers la question des temporalités de constitution‑déconstruction. »

"La danse des costumes" Repères N° 27 : la peau de la danse!

2011-07-27T10:45:00.000+02:00

Repères, cahier de danse - nouveau numéro

La danse des costumes - n°27/mai 2011

Tout contre la peau, le costume révèle le danseur, autant qu’il le protège. Il fait naître des sensations spécifiques, suscite – ou réprime – des postures et des mouvements.
Comment les interprètes vivent-ils leurs costumes ? Comment les costumiers questionnent-ils les corps ?

Dans ce numéro, ils nous font partager leur intime connaissance de la fibre, de la coupe, de la couleur et de la lumière, de la couture et du pli, du mouvement et du poids…
Le costume est d’abord approché en tant que «ce qui reste» d’un spectacle : qu’il soit réutilisé, transformé ou exposé dans un musée, il est le vestige d’une danse disparue et du corps d’un danseur.
Cette attention au costume comme témoin traverse le numéro, conçu comme un parcours en images, autour de grands ensembles : voiles, académiques, parures, pantalons, tutus. Des esthétiques a priori éloignées, mais recourant à des éléments vestimentaires proches, se trouvent alors mises en relation : regarder la danse à partir du costume nous invite aussi à approcher différemment le paysage de la création chorégraphique.

Et pour le chapitre "vies de costumes" notez:
- Le costume comme empreinte du corps, entretien avec Dominique Fabrègue
- Mémoires de costumes, par Catherine Langlade
- De la scène aux cimaises par Elise Bruneval

"Pinocchio l'acrobatypographe": à se tordre!

2011-07-27T10:33:00.000+02:00

Quelle idée extraordinaire : faire des lettres avec son corps ! D’un trait plein de délicatesse, Georges Lemoine invente un Pinocchio acrobate. Avec sa tête, ses bras, ses jambes, il va faire d’abord un A, puis un B… quelques fois une balle, une fleur, un oiseau, une souris viennent terminer la forme. C’est comme un vrai cours de gymnastique ou de yoga.
Sur la page de gauche on a la lettre typographiée et un petit texte, par exemple pour le P : « n’oubliez Pas, je ne suis qu’un Petit Pantin, mon Papa, c’est GePetto qui aime la Polenta » et à droite Pinocchio qui forme la lettre
avec son corps, trop fort !
Même si 26 lettres ça finit par le fatiguer !
Mais ça peut nous donner envie d’essayer à nous aussi !

Ce n’est pas juste un abécédaire de plus, c’est un album poétique, inventif et lumineux.
Pour le "H", c'est un merveilleux équilibre, digne d'un danseur....L e "T" est "tendu", le "Y" acrobatique et le "Z" fait danser notre héros!!!!

"Plein feu sur le tutu" de San Antonio: les couvertures varient!!!! Et font "le tour de france" à bicyclette, en danseuse!!!!!!!!

2011-07-26T17:52:00.001+02:00

Quand San Antonio danse.....
A vous de choisir l'emballage, le contenu c'est du genre:
Un trouduction
"Rappelle-toi que dans cette affaire j'ai drôlement mouillé mon maillot.
Tu parles d'une escalade!
Je pédalais que d'une!
Tout en danseuse, mon pote!
Et avec plein feux sur le tutu!"

Amélie Nothomb, "Robert des noms propres": à lire!!!!

2011-07-26T17:37:00.000+02:00

Résumé :

Pour un écrivain, il n'est pas de plus grande tentation que d'écrire la biographie de son assassin.
Robert des noms propres : un titre de dictionnaire pour évoquer tous les noms qu'aura dits ma meurtrière avant de prononcer ma sentence. C'est la vie de celle qui me donne la mort.

Pour changer un peu des mes lectures du moment, je me suis tournée vers ce très court roman d'Amélie Nothomb, "Robert des noms propres".

Une nouvelle fois, Amélie Nothomb m'a prouvé qu'elle était vraiment une 'magicienne des mots'. C'est toujours avec beaucoup de talent, je trouve, qu'elle réussit en quelques mots à exprimer une idée très forte alors qu'un long discours n'aurait pas fait mieux.

La quatrième de couverture de "Robert des noms propres", surprenante et intrigante, comme toutes celles des romans d'Amélie Nothomb, nous mène vers un récit où des personnages exubérants entrent en jeu.
Comment une femme enceinte à 'fleur d'hormones" a pu se retrouver au commissariat ? c'est avec une scène déroutante que débute ce récit et, c'est en prison, que l'héroïne, Plectrude voit le jour. Orpheline, elle n'est pas une enfant comme les autres, à commencer par son prénom, et elle va nous le prouver tout au long de son enfance.
Plectrude ne suit aucun des codes imposés par notre société et elle dérange. L'occasion pour Amélie Nothomb de nous placer face à nos pires vices et défauts, en particulier à notre jalousie.
Le thème principal de ce roman est en fait le cruel apprentissage des Rats de l'Opera et c'est ici qu'Amélie Nothomb est la plus dure. Néanmoins, avec son flegme et son détachement habituel, l'auteur dénonce sans jamais s'impliquer.
A noter que j'ai parfois trouvé une certaine ressemblance entre Plectrude et la petite fille héroïne de "Métaphysique des tubes"...

En guise de conclusion, je dirais qu'avec "Robert des noms propres", Amélie Nothomb signe à nouveau un roman surprenant, presque dérangeant, où les pires vices de la société sont mis en avant avec une légèreté déconcertante. Mais la grande force de ce roman est qu'il réussit à nous faire passer par toutes les émotions, de l'admiration à la haine, en passant par le dégoût, jusqu'à un dénouement digne d'une grande tragédie grecque. Amélie Nothomb n'est cependant pas dénouée d'humour comme le prouveront les toutes dernières pages !

Le trésor des Hollandais: "joyeux"!

2011-07-26T17:16:00.001+02:00

Odette Joyeux signait ce très bel ouvrage "Le trésor des Hollandais" dans la collection "L'âge heureux". Que du bonheur dans le récit de ce polard qui tourne autour d'une ballerine disparue!!!
Les illustrations de Philippe Daure sont pertinentes et l'impression couleur de l'époque (1975) chatoyante.

Sans oublier le film avec Claude Bessy et Cyril Atanassof et la série TV.....

Livres, bouquin sur la danse...

2011-07-26T17:01:00.000+02:00

Pour la jeunesse qui aime danser et qui se raconte des histoires!!!!

Et ce dernier est fort bien illustré par Sybile et Aurélia Hardy (éditions Auzou): Clara, la "belle tangera" est sublime!!! Renversante!Cynthia, danseuse de rock 'n roll, embalante!

Quant à "Espéranza" fière andalouse, irrésistible!