"Marius" : Joel Pommerat: du bon pain, une bonne pate.

 

À Marseille, Marius travaille dans la boulangerie de son père César. Les affaires vont mal, et Marius rêve d’ailleurs. Partagé entre son envie de prendre le large et son amour pour Fanny, une amie d’enfance, le jeune homme doute : faut-il tout quitter au risque de tout perdre ? Rester pour épouser la vie qui lui est destinée et honorer son devoir de fils ? Pour créer cette adaptation de la première pièce de la Trilogie marseillaise, Joël Pommerat a partagé les mots de Pagnol avec des détenus de la Maison centrale d’Arles, hors des sentiers battus du théâtre. Une aventure artistique et humaine qui les a menés à la création d’une troupe d’acteur·rices qui porte l’histoire de Marius et ses enjeux avec une vérité saisissante.

Une boulangerie reconstituée, un petit salon de thé seront l'unité de lieu de cette fable comique autant que dramatique, menée avec vivacité et tonicité singulières. Il y a le père et le fils et toute une gamme de personnages "secondaires" loin de l'être. Le discret vendeur de moineaux qui se terre dans son coin, le dandy entrepreneur de cycles opportuniste qui se targue d'être amoureux d'une Fanny tendre et respectable. Et les autres qui gravitent vont et viennent, font irruption dans ce petit monde, microcosme d'une société marseillaise joyeuse. Mais voilà, ici Marius ne fait jamais payer les cafés et "tire la tronche", fait fuir les clients et n'a ni ambition, ni rêve.

César le patron-boulanger en est désespéré et lui reproche ses attitudes, son laxisme, son indifférence, son flegme. Il n'y a qu'un semeur de trouble averti de tout pour le secouer et lui faire prendre une décision opportune fatale: fuir ce foyer, abandonner Fanny, la laisser alors qu'ils viennent tout juste de s'avouer leur amour d'enfance.

Cruelle destinée dessinée sous l'angle de l'humour, du comique plus que de la détresse et de la souffrance. Les acteurs jouissent ici d'une belle et juste direction d'acteurs, sobre, pertinente dans ses multiples rebondissements. On suit avec intérêt et empathie le sort de Marius, affalé sur sa chaise haute, les colères de César au grand coeur, qui se "pique" d"être un tricheur au jeu de cartes. Et ce frondeur dandy, homme d'affaires de pacotille, dérangé sur son portable pour faire croire qu'il est un ministre débordé par ses acolytes incapables. Une humanité bon enfant se dégage de cette pièce savoureuse aux accents du midi, à la richesse et générosité de la présence et de l'engagement des acteurs. 

Tous sans exception à leur place, au bon endroit sous la touche impressionniste de Joel Pommerat. Une exceptionnelle revisitation de Pagnol en compagnie de des associations Louis Brouillard et Ensuite qui augure de la confirmation ou de l'éclosion de talents d'artistes du monde du spectacle au profil parfait. Et touchant droit au but: ce camaïeu de caractères touche et fait "fanny" au jeu des fléchettes de l'existence. Les pieds tanqués au jeu de boules déboussolé.

 

Librement inspirée du texte de Marcel Pagnol Création théâtrale Joël Pommerat

Au TNS jusqu'au 3 MAI

Avec Damien Baudry, Élise Douyère, Michel Galera, Ange Melenyk, Redwane Rajel, Jean Ruimi, Bernard Traversa, Ludovic Velon

"Je suis venu te chercher": Claire Lasne Darcueil créatrice d'une géographie humaine mouvante. La sagrada familia de nos rêves....

 Amir n’a jamais su qui était son père. Il apprend un jour que ses origines prennent probablement racine dans le nord de Strasbourg. Guidé par une femme-ange de 92 ans, il part à la rencontre de l’enfance de personnes qui ont aujourd’hui entre 60 et 95 ans, plonge dans le paysage de cette ville, à la recherche des enfances perdues et des premiers amours. Dans son enquête, il rencontre Léa, qui changera sa route. Une histoire écrite par Claire Lasne Darcueil, née de son immersion au plus près des mémoires de Strasbourgeoises et de Strasbourgeois. Une création collective rassemblant au plateau l’acteur Salif Cissé, l’actrice Lisa Toromanian, des comédien·nes non-professionnel·les et un chœur dansant d’habitant·es mu·es par le même désir de raconter à plusieurs, à égalité. 

Sacrée famille que cette ode au collectif, à la mémoire d'une collectivité urbaine qui au départ n'a rien commun. Excepté l'enquête et la récollection d'histoires personnelles d'habitant de l'Eurométropole strasbourgeoise. Plus qu'un récit, qu'une accumulation de témoignages intimes, voici reconstituée sur l'immense plateau nu du TNS, les évolutions spatiales de ce petit peuplé fédéré autour de la notion de mémoire et de filiation. Notre héros se tient debout oscillant dans un soufflet de train et téléphone à une femme très âgée qui lui avoue être en filiation avec lui: il en doute, il est noir, elle toute blanche de peau plissée!Alors commence une recherche, une chasse à l'âme soeur parmi tous ces volontaires, ces candidats potentiels à l'élection familiale. Chacun s'y présente à ce casting, parmi une soixantaine d'élus, acteurs, comédiennes amateurs auditionnés pour partager cette expérience audacieuse de la scène. 

Lui, Amir Cissé,au milieu de cette population mouvante qui danse, oscille, ondule et tangue pour intriguer, séduire, convaincre de leur légitimité à être l'élu du coeur filial de Amir. Beau gars plantureux, généreux, perturbé par ses craintes, ses inquiétudes quant à la décision de partir à la recherche de ses origines. Et si il dérangeait ainsi le bon ordre des choses en bouleversant le destin d'une famille constituée? Remarque que lui fait son coatch, Lisa Toromanian, conseillère de vie.

Egoisme contre humanité plénière de droits et devoirs illégitimes? Eux dansent autour de lui, s'affairent sans se bousculer, courent, sautillent et parlent sans pudeur de leur vie. Par coeur, par bribes qui font avancer la narration. La dramaturgie souligne les divagations et interrogations de l"âme en perdition d'Amir. Une femme tout de noir danse sa vie, gracieuse, éloquente dans ces gestes. Une autre évolue dans des tourbillons aléatoires de toute beauté, lyrisme corporel chantant joie et liberté. Encore une autre femme qui sourit à la vie en esquissant dans l'espace traces et signes du vivant. 

C'est à Kaori Ito que l'on doit cette "écriture corps", chorégraphie soignée, spatiale, épousant les qualités de chacun pour ce qu'elles sont dans le bon sens et l'écoute. Le chemin corporel respecté pour faire émerger en chacun sa part de mouvance.Et la fiction narrative de sourdre de cette expérience corporelle collective insolite en compagnie de Léonore Zurfluh, chorégraphe. Les mots se mêlent à cette présence d'un corps de ballet hétéroclite aux identités physiques et d'origines fort variées. Un break danseur deux femmes à la mouvance remarquable sans être "danseuses professionnelles" pour autant. Une belle réussite qui honore l'esprit des "Galas", recherche de la mémoire collective vécue pour produire textes et mises en scènes d'aujourd'hui. Ou excelle Claire Lasne Darcueil, chercheuse et metteur en scène et en mots.Une cartographie socio-politique et poétique de la tendresse et des liens qui nous unissent. Des courbes de niveau qui s'effacent pour faire un endroit, un territoire, terrain d'entente, d'écoute et de fraternité.Topographie d'un finage extensible à l'infini. Je suis venu te dire...qu'on existe ensemble. Et qu'un père retrouvé vaut autant qu'une communauté gagnée, choisie. En bonne compagnie dansante. "Papaoutai", T'es où Papa: nulle part et ailleurs, ici et maintenant....chantait Stromae.

[Écriture texte et mise en scène] Claire Lasne Darcueil
[Écriture corps] Kaori Ito chorégraphie Léonore Zurfluh

[Avec les acteur·rices] Salif Cissé, Lisa Toromanian
Et Marie-Cécile Althaus, Pierre Chenard, Jean Haas, Jean-Raymond Milley, Dominique Wolf.....

Au TNS jusqu'au 30 AVRIL

"Exit" de la compagnie Circumstances: porte à portes battantes! Piet Van Dycke s'emporte à la pièce.

 

Pour Exit, le chorégraphe flamand Piet Van Dycke a invité quatre spécialistes de disciplines différentes à inventer ensemble un langage commun. Pas d’agrès ni d’accessoires pour cela, mais cinq portes et un mur pivotant. Dans cet espace qui leur réserve des surprises, les artistes entrent et sortent, apparaissent et disparaissent, sautent et tombent, se retiennent et se propulsent, se soutiennent et s’entraident. Tous les quatre se hissent dans les airs, glissent du mur et cherchent un état d’équilibre commun qu’ils finissent par trouver. En jouant de l’intérieur et de l’extérieur, explorer l’environnement et ses obstacles devient une façon d’explorer la relation entre l’individu et le groupe. Selon Piet Van Dycke, le cirque ne consiste pas à réaliser, mais à défier l’impossible : en quête perpétuelle d’interaction, frôlant régulièrement la chute, les circassiens découvrent peu à peu la nécessité de la confiance en l’autre. Une manière de donner une forme physique au vivre-ensemble, dans un spectacle brillant sur l’importance du collectif.

 

Entrée des artistes

Une construction cubique grise à un étage comme lieu d'action avec plein de portes et pas de fenêtres.Un territoire à conquérir peu à peu pour ces personnages vêtus sport à tee shirt gris barrés de vert. L'un passe par une porte et s'ensuit une succession d'allées et venues intrigantes . Ils se croisent, se mêlent, s'évitent, se rejettent  se repoussent et conversent ainsi .Un vrai ballet réglé comme une horlogerie sans faille ni disfonctionnement.Magie de ses apparitions disparitions jouissives qui s’enchainent tambour battant sous la tension d'une musique percussive qui galvanise les interprètes.Peu à peu tout s'envole dans la verticalité, histoire de conquérir le premier étage: la porte principale du bas étant comblée. La danse se fait contact, contours et virevoltes incessantes au gré des rencontres. 

 

Chacun s'y croise ou évite sa relation. Suspens et élévation au menu sur des plaques glissantes, parois du petit cube qui deviennent hélice tournante de moulin à vent pour ces quatre garçons dans le vent .Le ravi de la crèche, innocent personnage très intrépide s'en donne à coeur joie pour exécuter les figures les plus audacieuses. C'est quasi une piste de skateboard pleine de surprise.Le danger est constant, les prises de risques se succèdent dans un sans faute remarquable. Alors que les complicités se tissent pour devenir berceau de réception faite de confiance et d'acceptation et de soutient de l'autre. On gravit mieux la montagne ensemble dans cet "être ensemble" fort aventureux fait d'expériences physiques remarquables. La musique transporte toujours les corps dans l'éther, éternité spatiale très construite. Le vertige s'empare du spectateur en apnée. Au seuil de cette petite bâtisse, le monde est vaste et la surface de réparation dangereuse. Les couleurs des maillots change, caméléons de camaïeux gris ou verdâtre.Cette folle virée vers des acrobaties proches du rock n'roll ou de la capoeira, du cirque est tonitruante et haletante. En suspension comme eux, on oscille, on bascule dans l'équilibre-déséquilibre permanent. La notion de poids et de contact, fondements des déplacements et appuis se révèle bien opérationnelle et fil conducteur d'une dramaturgie sur le vif, sur la sellette. La chorégraphie de Piet Van Dycke célèbre cette pesanteur-apesanteur en cérémonie burlesque où l'on s'emboite sans claquer les portes ou l'on s'empoigne sans heurt mais dans la joie et la jouissance du partage. "Danser sur moi" disait Nougaro en parlant des planchers de bal si propices à l'échange. Pivot du spectacle, le corps en mouvement défie les chutes et construit une architecture tectonique frissonnante.

 

 

Au Maillon jusqu'au 26 AVRIL

 

"About Love and Death Élégie pour Raimund Hoghe" : Emmanuel Eggermont ange ou démon. Poète et auteur de l'oulipo de la danse

 

Emmanuel Eggermont L’Anthracite France solo création 2024

Esthète aux scénographies d’un minimalisme sublime, Emmanuel Eggermont a clos ses pièces chromatiques autour de la recherche sur la couleur : le noir de Πόλις (Pólis), le blanc d’Aberration ou les motifs dichroïques d’All Over Nymphéas. Sa danse délicate et puissante se tourne vers son mentor Raimund Hoghe. About Love and Death est un hommage à celui qui fut le dramaturge de Pina Bausch, avec lequel Eggermont signa huit pièces. De Debussy à Judy Garland, la bande son fait s’entrecroiser musiques populaires chères au chorégraphe allemand disparu en 2021, extraits de films et grands classiques. Une mélancolique Samba-Cançao brésilienne de Dolores Duran, un lieder de Mahler ou une Valse de Joséphine Backer témoignent de quinze années de collaboration entièrement tournées vers le mouvement sincère et la présence essentielle, connectée à l’origine du mouvement. Fuite du temps, amours, perte des êtres chers, il glisse ses pas dans ceux du maestro allant jusqu’à l’incarnation du spectre de Raimund Hoghe et de ses paysages émotionnels.

Le plateau est libre, blanc, vierge et offert à la danse d'un soliste hors pair qui saura donner une âme à l'espace, aux objets, aux accessoires,à la lumière et à la musique. Le corps d'Emmanuel Eggermont ne s'efface pas devant la mémoire de son partenaire d'avant, Raimund Hoghe, "disparu" dans l"ether mais présent lors de cet hommage princier au personnage, à l'artiste envolé. Au sol, gisant dans des vêtements noirs, "outre noirs"sobres enveloppes de son corps gracile, Emmanuel Eggermont incarne un lyrisme à fleur de peau qui se décline plus d'une heure devant nous en partage. Avec l'appui de chansons de légende, de dialogues de films, de notes de musique favorites, fidèles amies du couple de danseurs d'antan. Il n'y a pas de nostalgie dans ce solo évoquant des attitudes, des pas , des poses de Raimund. Juste un respect, une passation pudique mais réelle, incarnée dans l'instant. Les gestes du danseur sont précis, tallés au millimètre près, décomposant l'énergie pour en construire un florilège d'attitudes proches des frises grecques, des enluminures baroques. L'envergure des bras, les battements de poignets comme signaux de détresse ou d'agonie. Un officiant pour une cérémonie, plein de flegme et de nonchalance feinte!rRévérence respectueuses, inclinaisons du corps audacieuses et figures inédites au répertoire du danseur démiurge de l'écriture chorégraphique nouvelle.Avec préciosité, justesse, grâce et abnégation. Les morceaux choisis de compositions musicales s’égrènent un à un dévoilant les différences signatures de l'interprète. Savantes et audacieuses esquisses burlesque à la Chaplin ou Astaire pour une version de "chantons sous la pluie" désopilante, charmante et joyeuse. Une façon bien à lui de revisiter un répertoire d'inconscient collectif qui touche, interpelle, remue. Secouer la mémoire, passer au tamis l'inutile pour trouver de l'or, notre orpailleur détaille, cisèle, sculpte les gestes et le souvenir pour en extraire du renouveau, de l'indicible, du jamais vu. Il irradie, réchauffe les esprits et danse de toute sa présence discrète, pesée, flegmatique parfois, détachée. Sa Carmen est portrait d'une femme hésitante et troublée, pas fière du tout, simple être humain en proie à une situation dramatique. Des petits détails de costumes font jaillir du sens: couverture de survie, paire de chaussures à talons hauts et robe de bal portée sur le dos. Dramaturgie chère à Raimund Hoghe qui excelle dans la richesse du détail, mis en scène, magnifier par lumières et sons. Cold Song dansé en costume noir et chapeau haut de forme fantaisiste fait mouche et ce diable, Dracula ou esprit magnétique ensorcelle sans jamais déposséder celui qui regarde. Grande liberté d'interprétation pour le spectateur envouté, pris sous le charme du danseur. Ange ou démon, il respire la beauté du geste en pleine souveraineté, prince et beau joueur du passé, orfèvre du détail, des postures les doigts en éventail, les bras pliés comme des origamis,le regard évasif ou très présent selon l'évocation du moment. Un homme du milieu, à cet endroit précis où la danse se fait cosmos et constellation dans un parcours spatial émouvant. Emmanuel Eggermont corde sensible, tendue d'un clocher à un autre comme un funambule , le Rimbaud de la danse. Là où se réinvente le langage en oulipo du geste autant qu'en savent alexandrin. Une poétique hors norme pour un interprète horloger de précision méticuleuse, artisan du beau et compagnon de l'excellence futile.

« J'ai tendu des cordes de clocher à clocher. Des guirlandes de fenêtre à fenêtre. Des chaînes d'or d'étoile à étoile. Et je danse. » 20 octobre 1954 

A Pole Sud le 24 AVRIL

TRAVAUX PUBLICS Bouziane Bouteldja – "Des danses et des luttes" saute-frontières.

 

Bouziane Bouteldja découvre la break dance en 2001 et fonde sa compagnie en 2007 à Tarbes pour y développer un travail d’auteur en tissant des liens entre Art et Société. Des danses et des luttes est conçu comme une conférence dansée qui pourrait être présentée partout. L’histoire de danses qui sont nées à l’occasion de luttes sociales ou de libération mais aussi des danses qui sont nées grâce au déplacement et à la rencontre entre les gens.     

Le studio de Pole Sud est plein à craquer: un engouement pour la break-dance assurément et une atmosphère bon enfant fort sympathique s'en dégage. Sur le plateau paperboard et chevalet où semblent être tracés continents et carte du monde. La danse passerait-elle les frontières et les styles pour mieux tisser des liens? C'est ce que va nous exposer et expliquer verbalement le maitre de conférence, docte animateur de la séance: il se présente micro en main mais tête bêche en position yoga histoire de voir le monde à l'envers et le remettre peut-être à l'endroit.Bouziane Bouteldja rayonne, de bonne humeur contagieuse et plein d'humour et de détachement. Certes, la pièce à venir n'est pas terminée et ce seront des bribes de danses qu'il se propose de nous faire voir et regarder. En bonne compagnie: trois danseurs du cru et deux autres compagnons de route. Des danses comme il sait les faire éclore dans le corps des interprètes s'inspirant des danses de l'Inde comme celles du pays de l'apartheid, l"Amérique du Sud. Bouziane questionne les origines, les métamorphoses des gestes qui voyagent et se transmettent . Tradition et évolution, passation au chapittre. Ce qui le passionne, c'est la recherche et les rencontres dont il s'inspire pour façonner ces danses, plus d'une dizaine au chapitre. Ce soir, il nous en présente quelques unes dont le voguing qui fera l'objet de belles postures, marches singulières et déplacements en vogue! Break dance bien sur avec des démonstrations enjouées de figures revisitées par l'agilité et le savoir faire des danseurs. Être ensemble autant que pour soi dans la diversité, dans la mémoire fouillée autant que dans le présent de la scène. Une des interprètes excelle dans une danse inspirée de ce flamenco, passe-muraille et saute frontières du mouvement. L'origine et celle des peuples Roms qui traversent les continents pour se poser en Espagne. Comme quoi, ce ne sont pas les Italiens qui inventent les pâtes, mais les Chinois. Cette jolie cuisine de comptoir deviendra vite objet et sujet de gestes divers et variés, précis, inventifs, inspirées et vécus. En partage avec le jeune public invité à s'emparer du tapis de danse, formant le grand cercle des danses irlandaises, cornemuse franco-algériennes au menu. Et la salle de se révéler danseuse aux multiples talents de réservoir break-danse. C'est fabuleux d'assister à ce métissage en présentiel, tous en verve et démonstration de son talent. L"enthousiasme s'installe et la danse fuse.La lutte contre toute forme d’ostracisme en poupe. Soulèvement et débordements salvateurs comme credo. L'homophobie comme ennemis numéro un à combattre pour notre animateur de débat sur la piste, dans l'arène de la vérité. Sans déni ni mensonge, c'est la danse qui fédère, efface les différences et les rend incompréhensibles. Passeur d'espoir, de beauté du geste, de fraternité, de solidarité ce canevas à apprendre désormais "par coeur" et par corps est convaincant. Le mouvement rare et précieux, juste, transformé, en mutation, passage obligé des péripéties inter-frontières de la pensée du chorégraphe, chef de troupe et initiateur de talents. Des danseurs passionnés, habités et joyeux servant une cause évidente d'identité autant que d'universalisme.Une compagnie précieuse à cultiver pour être parmi les défenseurs vivants d'une communauté sans communautarisme....

A Pole Sud le 24 Avril

"Valentina" de Caroline Guiela Nguyen : atout, coeur.

 

Un soir, au retour de l’école, Valentina découvre un mot sur la table. Il a été écrit en français par le médecin, pour sa maman, qui ne parle pas la langue. Il faut traduire. Valentina se tient là, face à sa mère, la vérité imprononçable en bouche : une nouvelle qui pourrait abîmer le cœur et provoquer un incendie dans leurs vies. La vérité, on l’ordonne ou on la retire, on l'espère ou on l'étouffe. Elle est la flamme autour de laquelle gravite la nouvelle création de Caroline Guiela Nguyen, écrite comme un conte, au plus près du métier d'interprète professionnel franco-roumain.

Un conte de fée contemporain, une histoire qui se tisse par delà le miroir du décor, par delà les frontières des pays européens, une pièce de théâtre tout simplement: voilà ce que pourrait être "Valentina" cette enfant qui a inspiré le fil de la narration de destins communs d'une famille dont la "maman" est frappée d'une maladie cardiaque. Mais comment communiquer cette situation quand on est roumain, qu'on ne maitrise pas la langue du pays d'exil, la France en l'occurrence? Ce sera à coup de "mensonges", de quiproquos que se défile l'enfant qui aura la charge de porter le secret de sa mère. Au médecin dont elle devient l'interprète malgré elle pour  que sa mère soit entendue, écoutée, respectée dans un monde médical pressé, hautain, désincarné et déshumanisé.Critique ouverte de la part de l'autrice sur ces violences psychologiques faites ainsi aux malades qui souffrent autant de leur handicap que du mépris et de l'incompréhension de l'autre. Inaccessible. Heureusement dans l'univers de Valentine il y a le cuisinier-interprète de l'école,Marius Stoian, la directrice qui n'ont que de bonnes intentions à son égard. Celle de comprendre, concilier, harmoniser les choses en toute empathie et sympathie. Chloé Catrin endosse brillamment deux rôles, le passage à peine perceptible de l'un à l'autre: la directrice affable et bienveillante et l'odieuse médecin impatiente et débordée.Le père, Paul Guta qui est resté en Roumanie, musicien violoniste reste présent malgré les distances.Les mensonges et autres cachotteries l'affectent et l'intriguent...Et la "maman", Lorédana Iancu, actrice dite amateure rayonne dans ce rôle, autant que sa fille Angelina en alternance avec Cara Parvu qui jubile dans cette prestation hors pair. Une enfant d'une grande maturité, d'une grande fraicheur affronte un rôle majeur et des situations difficiles, cruelles mais hélas réelles.Mère et fille y développent une singulière expérience de sororité inédite!

Alice Duchange met toute la religiosité de la pièce dans une scénographie évoquant ce coeur sacré, icône vénérée dans une niche d'église orthodoxe sans aucun doute, alors qu'un caméraman suit en direct toutes les évolutions des personnages reproduites sur un petit écran: fenêtre ouverte sur des gros plans de visages joyeux ou défaits en toute fausse proximité.La pièce touche, les battements de coeur ne vont pas cesser , de "battre mon coeur s'est arrêté" n'aura pas lieu pour autant, à "120 battements par minutes" la maladie va reculer, disparaitre comme par enchantement ou par miracle. Car si l'enfant absorbe les maux de sa mère, s'en charge jusqu' à mimétiser et tomber malade c'est pour mieux ressusciter par le mensonge. Celui de tous y compris du médecin et d'autres complices. La figure de "La Reine de la nuit" comme rédemptrice figure de proue du don, de l'abnégation est forte et conclut l'opus par du brillant, de la joie, de la danse. Ce costume endossé par la fillette si responsabilisée, comme seconde peau, la sauve de toute toxicité familiale. Car la fusion mère-fille est condamnable et dangereuse même si non voulue ni préméditée. L'inconscient du conte de fée ici présent expliquerait bien des pistes à la Bettelheim (psychanalyse des contes de fée). Non expurgés de leurs significations. Loin d'être une simple fable, "Valentina" va droit au but sans détour; poser et dénoncer des réalités sociales, culturelles ignorées qui sapent une partie de la population étrangère d'un pays: la langue comme clef unique de communication et d’accès à bien choses.La langue comme passe-muraille, passeport assermenté de nos relations institutionnelles.

 Au coeur de la vie, au pays de l'enfance, petit pois ou gros nounours le mensonge A est roi!

Au TNS jusqu'au 30 AVRIL dans le cadre des Galas

Stefano Di Battista se fait la vie douce ! « La Dolce Vita » et tutti quanti !

 

Après Morricone Stories dédié à Ennio Morricone, le saxophoniste italien Stefano Di Battista est de retour avec La Dolce Vita, un projet ancré dans la culture populaire de son pays.
En quintet, il fait résonner sous un nouveau jour les chansons italiennes emblématiques de l’âge d’or de l’Italie en naviguant entre ferveur et nostalgie. Pour cette soirée à la Briqueterie, Stefano Di Battista fait résonner les thèmes rendus célèbres par Paolo Conte, Andrea Bocelli ou Lucio Dalla et met à l’honneur des compositeurs comme Renato Carosone ou Nino Rota. 

 La vie est belle

Quand le "bon", la brute" et le "truand" rencontrent le "parisien" et le sicilien, c'est à un effet de bombe musicale , joyeuse, virtuose et inventive que l'on assiste. Ou plutôt participe car le don de Stefano Di Battista c'est aussi l"animation, le contact avec le public, la verve et simplicité du contact. C'est dire si ce soir là au sein de La Briqueterie à Schiltigheim, l'ambiance était décontractée et bon enfant en compagnie de cet artiste virtuose du saxophone, hors pair.Les morceaux de choix du dernier album du groupe constitué autour du Maestro, La Dolce Vita" se succèdent avec délice, malice et inventivité. Reprendre des "tubes" de référence de la musique italienne, est un pari audacieux: Nino Rota, Lucio Dalla, Paolo Conte et Ennio Morricone se rencontrent et se catapultent sur le plateau en bonne compagnie. Les mélodies se reconnaissent certes, bordées d'ornements musicaux incongrus, adaptés à, chacun des virtuoses en leur genre. Le tout jeune trompettiste Matteo Cutello comme une égérie du groupe ce soir là, porté aux nues par Di Battista comme un fils légitime de son esthétique sonore. C"st drôle, réjouissant et convivial et l'ambiance dans la salle se fait chaleureuse en boomerang.Le concert bat son plein avec pour chacun quelque instants de grâce: le pianiste excelle dans une dextérité volubile magistrale, le percussionniste s'éclate en mille et une vibrations éclatantes et éclaboussantes, le contrebassiste fait la douceur et saveur sensuelle des morceaux qui s’égrènent. Une soirée d'exception où l'atmosphère loin d'être nostalgique s'est révélée festive et ludique baignée d'une musique revisitée de haute volée. Les virtuoses au diapason d'un répertoire vivant, animé et empreint d'une sympathie contagieuse. Quand le talent rejoint la convivialité tout semble simple et de toute évidence! Stefano Di Battista sur une jambe qui tangue, s'ancre au sol, concentré autant qu'à l'écoute de ses partenaires de choix. De Naples à la Sicile, ce voyage-expédition territoriale conduit vers des îles, archipels musicaux très chers et parfois encore inconnus de nos oreilles captées par autant de légendes de la Grande Musique populaire.Revisitée avec respect et audaces, virtuosité olympique et performances remarquables.

• Stefano di Battista : saxophone
• Matteo Cutello : trompette
• Fred Nardin : piano
• Daniele Sorrentino : contrebasse
• André Ceccarelli remplacé par Luigi Del Prete
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• Briqueterie le 17 Avril Programmation Jazz par Schiltigheim Culture

"Grenz-Thérapie": à bon port, salut: les Clandestines et Abril Padilla passe-murailles!

 

Abril Padilla & Les Clandestines vous invitent à découvrir :

GRENZ-Thérapie #2, performance musicale

Au cœur du quartier des Deux Rives, GRENZ-Thérapie s'installe au CRIC, un lieu transfrontalier en pleine effervescence où travaillent et se rencontrent des artisan.e.s et artistes.

Cette performance musicale et poétique explore le thème des frontières, questionne les notions de distance physique et émotionnelle à travers le son et le jeu. Frontières politiques, artistiques, linguistiques ou personnelles... Les frontières craquent, grincent, séparent et réunissent, nous traversent.

Les ateliers du CRIC, nichés dans le Grand Garage, offrent un espace partagé où s'entremêlent des ateliers en bois à géométrie variable. Cette architecture invite à la déambulation et propose une réflexion ludique et musicale sur les frontières. Une performance basée sur la parole et le passage d'une langue à l'autre, créant une véritable "forêt de langues" où se côtoient le français, l'allemand, l'alsacien...

Le CRIC résonnera de divers langages musicaux – musique actuelle, électro, répertoire traditionnel – orchestrés par les musiciens nomades Abril Padilla, Mathieu Goust et Christophe Rieger. Le public sera invité à composer sa propre trame sonore en se déplaçant à travers ce labyrinthe de ruelles, à adapter son point de vue et à vivre, le temps de la performance, sa propre expérience des limites et des frontières.

 

 

La déambulation est leur credo, le leitmotiv de ces nomades sans frontières, arpenteuses de territoires, femmes de terrain et de terroir...Passeuses et passagères , passe-murailles, elles franchisent les limites, les défenses, escaladent les murs et poussent les portes des convenances. Alors, le grand "garage" du CRIC sera ce port sans attache, ce non lieu, ce troisième lieu, endroit de tous les possibles. Elles apparaissent au lointain, ces 7 doigts de la main, haut-parleurs brandis, rouges  chatoyants. Emblème et mascotte du groupe avec leur entonnoir, volubilis ouverts offerts à l'écho de leurs voix: porte-paroles poétiques, compagnons de route. Elles nous invitent à entrer ou sortir par de multiples portes: celles de jeux de mots, de virelangues, calembours et autres expressions faisant appel au sens des mots: "entrée en matière" ou "sortie de secours" et autres fantaisies...Le ton est donné, incongru, jovial, décalé, glissant, mouvant.Comme à un jeu de scrabble, perchées, elles déplacent et collent des lettres pour en faire de nouvelles adaptations sur les vitres du garage. Les mots, les langues vont ici se croiser sans cesse: de l'Allemand fort bien maitrisé, de l'Alsacien truculent et bien remodelé pour ses sonorités, du français pour faire sonner le reste. Le brouhaha ambiant cesse, bruits de machines fracassant pour laisser place à un instrumentarium singulier: objets du quotidien détournés, moules à kouglof et autres trouvailles hétéroclites ustensiles de cuisine. Ça percute et ça résonne sous les mains agiles de deux musiciens fidèles compagnons du collectif et d'Abril Padilla, maitresse du jeu musical.Et le public nombreux de passer douanes et frontières par un passage étroit où il est passé au scanner de vigiles de sécurité fantoches. On se prend au jeu du passager clandestin dissimulant quelques marchandises illicites. Dans le grand hall, la suite va bon train, pour quelques petits groupes happés par les comédiennes contant les litanies de Vaduz, l'oeuvre fleuve de Bernard Heidsieck! Un régal de sonorités en échos multiples résonne à l'envi. Elles sont tout de noir vêtues jusqu'à revêtir leur bleu de travail, tabliers uniformes. Et l'on navigue dans cet espace à la rencontre de chacune avec sa voix, son accent, sa carrure. Des physiques bien plantés, solides et réjouissants, engagés dans la lutte et le combat de la performance.Sororité inévitable et joyeuse, complicité de mise et espièglerie fantaisiste au poing.E la nave va  bon train. Les langues se catapultent, la lecture de magnifiques leporello se transforme en ribambelles d'origami ou éventail tout blancs, devenus plus tard frontières terrestres au sol qui entravent la circulation des corps. Un jeu de questions avec le public amené à réagir à sa guise sans contrainte ni obligation rythme la prestation. La ronde s'impose comme forme de danse collective en cercle où les corps tricotent des mouvements de bras, reliant les unes aux autres. Sourires complices et joie contagieuse à la clef. Encore une séquence étrange et absurde de prise de mensuration par des couturières-infirmières en blouse blanche qui se solde par un tableau géant de post-it reliés par les fils de laine. Joli et tendre esquisse d'une carte du tendre des trajets, frontières du monde.

 

Une vision plastique et sonore de toute beauté s'invite lors de leur escalade d'un escarbeau géant sur roulettes. Les porte-voix comme des sortes de liserons incandescents, bouches rouges ou lèvres ouvertes aux sons des voix. Sur ce phare ou mirador sonore, vivant de toutes les vasques des haut-parleurs rouges, évasés comme des bouches ou lèvres béantes.Perchées, les interprètes semblent jubiler discrètement. Et au loin derrière les grilles du couloir on les retrouve chantant quelque chant engagé, au loin déjà. Les au-revoir pour le grand hall où elles affichent leurs étendards de couleurs comme des drapeaux de territoires à défendre, se les nouant sur la tête comme des coiffes exotiques de femmes laborieuses. C'est fort et touchant, digne image légitime des postures et attitudes des comédiennes se jetant dans la bataille de la performance de proximité. C'est ainsi que sereines, nos sept reines d'un jour quittent les lieux esquissant pas de danse, entonnant à nouveau quelque chant révolutionnaire engagé. Au loin, la mer se retire. 

Le spectacle des Clandestines, accompagnées de trois musiciens fantaisistes dans ce lieu de choix est un pari audacieux gagné et cet après-midi en leur compagnie charmeuse est une expérience hors pair. Saute-frontières et passagères uniques d'un univers créatif sans limite.On sort de sa zone de confort pour aborder une réalité transfrontalière incontournable. La poésie fait le reste de port en port.

 

 Projet soutenu par le Festival Lire notre monde

Strasbourg Capitale mondiale du livre - Unesco 2024

 

Au CRIC le 13 Avril

"Quelque chose rouge" : faut pas que ça saigne...Eleonore Barrault et le groupe 49 accouchent d'un heureux événement!

 

Soyez les premier·es à découvrir l’univers des deux élèves metteur·ses en scène du Groupe 49 : Éléonore Barrault et Juan Bescós. Pour leur première création collective en demi-groupe, iels ont choisi leurs équipes artistiques, conçu et suivi toutes les étapes de leur projet qui s’ouvrira au public en avril 2025 dans les salles de l’École du TnS.

  Ce spectacle ne cherchera pas à représenter une bonne fois pour toute ce que des millions de femmes ont déjà vécu. Et d’ailleurs, disons-le tout de suite, personne ici n’a accouché.

C’est une histoire qui vient des grottes. Histoire de douleurs, histoire des femmes, histoire de l’art. 

Lorsqu’on s’y intéresse, les récits et les représentations d’accouchement se révèlent souvent tronqués, impossibles à dire, occultant les questions de violence et d’appropriation. L’accouchement est surtout l’occasion d’un discours sur la joie d’une transformation, d’une nouvelle vie, etc. Mais de quelle joie s’agit-il ? On a caché le rouge, on a caché la douleur. On a sorti du cadre le corps des femmes en train d’accoucher. Les peintures qui nous restent sont celles des naissances. Vierges à l’enfant. Décevantes.

Alors, qu’adviendrait-il si nous racontions l’histoire du point de vue de ce corps disparu ? Avec quelles couleurs pourrait-on peindre cette expérience singulière ?

Le spectacle cherchera à dessiner ce quelque chose rouge au bout de la grotte, sans détourner le regard.

L'école du TNS: une mine d'or, de talents, d'expérimentations: cinq spectacles à la clef de ce mini festival riche de découvertes. Au sein de l'établissement dans la salle de travail des comédiens, c'est à un autre "travail" que l'on va consacrer notre temps: celui des sages femmes, ces mater dolorosa qui calment et délivrent les corps des parturientes. Beau sujet jamais abordé excepté sous forme de métaphore ou de suggestion: sortir de la cuisse de Jupiter ou des côtes d'Adam: qu'est ce qu'on nous cache, qu'est-ce qu'on ignore, quel est le déni sur cette expérience humaine à priori si naturelle, si évidente? Les tabous sociaux, ceux de la religion, du pouvoir, du machisme sans doute. C'est à toutes ces histoires, ces récits de vie que l'on va assister en bonne compagnie: celle de quatre comédiennes et un jeune homme, sage-femme qui se livrent à l’exécution de leur métier devant nous, devant ou derrière de longs pendrions opaques, comme ceux d'un hôpital. Une table de travail, des blouses bleues de travail, des chaussons en caoutchouc et le tour est joué Verve et enthousiasme à la clef pour cette communauté, cette tribu joyeuse qui s'interroge sur les origines de la vie, les traces quelles gardent sur les parois de nos grottes rupestres: le sang des empreintes des doigts des accoucheuses.. 

 

Beau travail de recherches, d'iconographies sur le sujet des femmes et de leur ventre rond, de leur sexe à découvert sur la table d'accouchement. Sans pudeur ni omission, l'origine du monde se délivre, cette "délivrance" salvatrice, secret de famille ou simple acte chirurgical en cas de panique...Les textes virevoltent dans une cadence, un rythme effréné, habités par les interprètes, longues litanies précipitées sur le travail ou ronde folle comme un inventaire des fantasme sur le trou, la béance chez Rabelais avec son banquet de héros sortis de partout sauf de l'utérus, de son col qui se dilate! Col à franchir, voie de passage qui se déchire ou pas: tout est évoqué cliniquement sans heurt, avec tact et doigté dans une mise en scène factuelle: tentures rougeoyantes pour évoquer le sang, les menstrues, l'expulsion du nourrisson. La douleur avec ses cris et chuchotements, la fascination ses corps donnant la vie. Les artistes sur le plateau s'en donnent à coeur joie, dévorent sans cesse fruits et autres grappillages pour  nourrir  leurs angoisses, calmer la faim et la soif de survie. Le rythme est incessant, les femmes galvanisées par ce sujet si rarement évoqué. On chasse le détail, l'anecdote ou l'aveu sur le sujet dissimulé par des siècles de silence et de contraintes. Ici on délivre le vrai et l'authentique sans fausse couche ni embryon de pudeur. Le plasma, les eaux sont chose rouges ou transparentes, évoquées crument, organiquement, sobrement. Jusqu'à devenir décor en vidéo aqueuse sur le mur de fond de scène. Pas de pleurs ici mais une réalité animée, joyeuse face au destin incontournable des femmes enceintes. 

 

Eléonore Barrault se joue des obstacles et tissus et corps s'enveloppent jusqu'à devenir toiles de maitre peintes, ou voiles plissés de Vierge Marie et son déni de grossesse! La dramaturgie de Beaudoin Woehl joue le jeu de la montée en puissance des textes choisis et jetés sur le plateau avec force et engagement. 

 

La scénographie de Inga Adeline Eshuis répond en écho aux allées et venues de ces femmes au travail, pressées, enjouées, toniques. Et les costumes de Nais Theriot s'adaptent au sujet dans les plis et replis de drames ou de réjouissances: les tissus se font robes, tabliers, voiles ou vêtements de sacrifice sur l'autel de la gynécologie d'urgence! C'est beau et vivant, rouge comme le sang de la vie, ou pastel comme la toile évoquée de Paula Modersohn-Becker qui comme une toile de Rutault ne dévoilera jamais sa face cachée...Tout ici est "féminin" pluriel, bien genré, tempétueux et généreux. Les comédiennes Louise Coq, Emma Da Cunha, Zélie Hollande, Mina Totkova y jouissent du plaisir du jeu et dévorent ce festin de fruits et grignotages défendus, The-vinh Tran fait un numéro d'inventaire des Dieux des monstres nouveaux nés de légende et odyssée de toute beauté!

 

La ronde finale sur du Sclavis, musique à danser, clôture l'opus sur des notes d'espoir et de fraternité, de sororité et autres liens en phase avec le cordon ombilical à couper absolument pour délivrer l'identité et l'être ensemble. Poussez, tout va bien! Sans forceps ni césarienne!

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[Mise en scène] Eléonore Barrault
[Dramaturgie] Baudouin Woehl
[Scénographie] Inga Adeline-Eshuis
[Costumes] Naïs Thériot
[Création et régie lumière] Syrielle Bordy
[Création et régie sonore et vidéo] Félicie Cantraine
[Régie générale et plateau] Lucas Loyez
Avec Louise Coq, Emma Da Cunha, Zélie Hollande, Mina Totkova, Thê-vinh Tran.

Au TNS jusqu'au 12 AVRIL

Ecole du TnS - Aurélie Debuire - Groupe 48 "Service de la perdition et du beau temps": la météo est bonne....

 

Bonjour Madame. 
Vous êtes morte. 
Bienvenue dans la mort. 

Comme point de départ de cette création, il y a la mise en scène d’un espace qu’on peut en vain imaginer : l’au-delà.Intimement, ce moment, qu’on pourrait appeler spectacle, est une tentative échouée d’échapper à la mort. Intimement, ce moment, qu’on pourrait appeler spectacle, est une prière collective, une méditation, une tentative hautement spirituelle et sceptique. 
Au Service de la perdition et du beau temps, on peut jouer et écouter son silence. 
C’est redondant, extrêmement ennuyeux, extravagant, absurde, dithyrambique, finement choisi et millimétré. Mais vous savez, Au Service de la perdition et du beau temps, Le langage n’est pas fait pour se comprendre.

Saint Guillaume, un temple peu orthodoxe se prête au jeu de l’accueil d'une pièce de théâtre inédite, tout droit sortir de la langue fantasque d'Aurélie Debuire. Une vasque immense, une nef en coquille de bateau réduite pour l'occasion en un boudoir rougeoyant, tapis rond et rideau plissé rouges, lampadaire design appuyé sur un socle. Dans cette atmosphère sulfureuse, opaque, brouillard garanti, on distingue à peine une sorte de statuaire immobile, pétrifiée. Quatre corps tétanisés par la mort..? L'un s'éveille, se dresse, vêtu d'une tunique longue, apprêtée à la taille, gonflée de manches et d'épaulettes en forme de crête de coq. Baroque créature curieuse. Une seconde peau diabolique pour ce messie qui fera la pluie et le beau temps, la météo de la mort lente ou subite des trois autres personnages.L'un, chevelure luxuriante, visage trempé d'inquiétude et deux autres femmes ou êtres androgynes. Alice, dite Marthe, morte et ressuscitée le temps d'être maintenue en vie par des battements de coeur improbables. Apolline Taillieu, belle dans sa jupe-tutu, sanguinolente, peinte sur tissus comme une toile sans cadre ni armature. Les costumes sont aussi absurdes que le texte qui sourd des lèvres de cet officiant diabolique, clef de voute d'une architecture scénographique spirituelle en diable. Les masques trompent l'oeil et induisent les perspectives sculpturales des corps en leurre corporels et organiques dignes d'une commedia dell'arte povera! Et plis selon plis en osmose avec les pans de tissus rouge sang, les costumes se fondent dans une vie sous les plis baroques de Deleuze.

Une apparition de derrière le dispositif rouge du rideau de fond  fait de notre anti héros un évêque digne de Francis Bacon et tout ce meut ici en gestes hallucinés, grandiloquents sans être ni caricaturaux, ni redondants. Les chutes des corps façonnées par un savoir être corporel digne de danseurs.Un proscénium de marches se renverse pour mieux accueillir ces situations absurdes et grotesques. Nous sommes au théâtre , rituel quasi carnavalesque, au sein de l'église . La dévotion des personnages face à cette mort omniprésente est combat, lutte féroce et belle. Pas de pathos mais une dure réalité où de battre mon coeur ne cesse.Prophétie, sermon salvateur, texte ingénieux et toujours surprenant, l'opus vagabonde dans cette acoustique naturelle de cathédrale qui réverbère le son à l'envi. Paroles et cris sublimés par l"écho et le retour naturel du texte énoncé.

Némo Schiffman, le secrétaire, le Grand D en forme surprenante, texte majeur émanant de tout son corps, son regard, ses postures et attitudes poignantes. Son silence, ses mouvements tétaniques, interrompus pour mieux incarner une sorte d'Ubu Roi surréaliste.Belle performance d'acteur, visage de furet aux aguets , magnétisme empreint de malice, versatilité et autres facéties très convaincantes. Un "artiste" assurément.Dans sa longue toge, prêtre et bonimenteur pour blasphème œcuménique savoureux...Un moment de théâtre rare et insolite qui donne la mesure du  talent d'auteure et metteuse en scène de Aurélie Debuire accompagnée de la scénographie intuitive de Salomé Vandendriessche et des comédiens fort affirmés tel Thomas Lelo, Blanche Plagnol, Apolline Taillieu. Le tout haussé par une ambiance sonore signée Mathis Berezoutzky-Brimeur, épousant l'acoustique du lieu de manière judicieuse: ambiance glauque ou solaire des sons environnants, créant une vasque sonore en ricochet comme ces corps qui se lovent et répondent en écho à l'absurdité de ce monde de science friction étonnant, détonant. Chacun quitte le plateau sur le chemin de la mort en direction d'en néant bien tentant et attractif.Le coeur et l'amour sous le bras pour mieux caresser en embrasser la camarde. Au service de la perdition et du beau temps, la météo est bonne!

 

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[Mise en scène - écriture] Aurélie Debuire
[Collaboration artistique - dramaturgie] Thomas Lelo
[Scénographie - costumes] Salomé Vandendriessche
[Créateur lumière et sonore] Mathis Berezoutzky-Brimeur

Avec 
Thomas Lelo - Âme 2019, Cœur 2019, Cerveau 2019
Blanche Plagnol - 3.290.114, Cœur 3.290.114, Cerveau 3.290.114, Peau Lisse
Nemo Schiffman - Secrétaire, Grand D
Apolline Taillieu - Alice, Marthe, Cœur Alice, Cerveau Alice

 

  Eglise Saint-Guillaume École du TNS jusqu'au 12 AVRIL

"Coup fatal": Fabrizio Cassol, Alain Platel et Rodriguez Vangama: un trio infernal pour un hymne au métissage des civilisations!

 

Coup fatal est une pièce musicale à l’énergie contagieuse, dans laquelle des musiciens, pour la plupart originaires de la République démocratique du Congo, s’emparent du répertoire baroque pour composer un véritable hymne à la joie. Rodriguez Vangama, Alain Platel et Fabrizio Cassol façonnent un spectacle à la croisée du théâtre, de la musique et de la danse. Bach, Haendel, Monteverdi enlacent les pulsations du continent africain. Le baroque et la musique traditionnelle congolaise aux épices rock et jazz fusionnent dans un décor qui fait écho à la réalité d’un pays en émoi constant. S’ajoutent l’exubérance et la coquetterie des « sapeurs », les dandys de Kinshasa. Il n’en faut pas davantage pour créer la magie d’une œuvre inoubliable. Frénétique et bouleversant.

 

La salle  est déjà bien chauffée dans une ambiance multigénérationnelle, joyeuse et bruyante. C'est dire si le pari de hausser le ton est presque déjà gagné! Danseurs, chanteurs se réunissent sur le plateau comme pour un rituel de retrouvailles, de communion: en "bonne compagnie". Voici les cultures et les disciplines qui se rencontrent, se catapultent, les siècles qui s'entremêlent sans heurt avec bonheur, courtoisie et tact. Du baroque à l'appui, en suspension pour ce contre ténor Coco Diaz sulfureux qui s'installe, beau prince sur l'estrade et n'en fait qu'à sa tête. Chanter le répertoire "J'ai perdu mon Eurydice" de Gluck extrait de "Orphée aux enfers" alors qu'autour de lui se meuvent des diablotins malins, va quasi de soi! On songe aux" Indes Galantes" de J.P. Rameau mis en scène par  Clément Cogitore chorégraphiées par Bintou Dembélé au krump légendaire et percutant le baroque avec rage et conviction. Très réussi, le choc des cultures esthétiques et musicales.

 

On y joue du likembe en dansant, de la double guitare en opérant comme chef d'orchestre:c'est Rodriguez Vangama qui s'y colle avec brio autant en improvisations qu'en savantes compositions inspirées de la culture musicale du Congo. Le rythme va bon train dans un décor de fils de perles en rideau de pluie.

Métissage des danses également qui tricotent du krump, hip-hop, break dance dans une joie contagieuse: une danseuse excelle parmi eux, soliste émérite et douée de belles enjambées, postures, attitudes à l'endroit, à l'envers pour un bon tricotage des styles. La tension ne baisse jamais soutenue par une dramaturgie musicale stricte et fort bien menée.On y croise des personnages burlesques et coquins comme ce joueur de kalimba qui fait office de jocker ou fou du roi, Scapin malin et grotesque plein d'humour venant singer les autres par un jeu plein d'humour.Intriguant malgré lui et savoureux joueur et danseur rayonnant, souriant.C'est dire si Bach, Vivaldi, Haendel et son "Lascia ch'io pianga" font recette et collent à l'atmosphère tonitruante du spectacle..En deux parties dont la seconde consacrée aux dandys de Kinshasa (pas Piccadilly) : costumes colorés, seyants, fantaisistes autant qu’apprêtés. 

 

On bascule dans le vaudeville, la comédie musicale et c'est réjouissant. Les antagonismes se rencontrent, les contrastes opèrent et ça roule quasi deux heures durant sous la houlette d'Alain Platel qui déchire la chorégraphie baroque en élucubrations africaines heureuses. Fabrizio Cassol aux commandes musicales servi généreusement par des artistes polyvalents . Et ce guitariste qui hante le plateau, Rodriguez Vangama, vedette et cible de tout ce joyeux petit peuple dans son agora polyphonique vertueuse.Un régal que partage un public enthousiaste, invité à danser en slow aux premières loges ou accueillant les danseurs dans les rangées du théâtre. Un "coup fatal" où l'on tord le cou aux conventions et affirme comme une évidence que l'art est multiculturel et aux delà des frontières par dessus les siècles.

 

Au Théâtre du Rond Point jusqu'au 5 AVRIL

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Holly Blakey "A Wound With Teeth + Phantom" : la danse, fille de mode: mode d'emploi.

Quel est le lien entre la superstar espagnole Rosalía, la londonienne Florence and The Machine et les très pop Coldplay ? La réponse s'appelle Holly Blakey, chorégraphe prolifique et très demandée du Londres arty. Superstars, marques de luxe, designers de mode, Holly Blakey multiplie les collaborations prestigieuses et fera ses premiers pas français à Chaillot en marge du Chaillot expérience mode.

C'est à Chaillot et nulle part ailleurs dans le cadre de l'opération "Chaillot Expérience" deux jours pleins durant! Expositions, débats et conférences, performances: c'est la révolution de Palais, de la cave au grand foyer...Une initiative pertinente du TND qui rassemble grand public et spécialistes de la question des relations qu'entretient la danse avec la mode depuis...Les Ballets Russes de Serge de Diaghilev?

  Une proposition parmi tant d'autres, un "vrai " spectacle en salle Gémier

A Wound With Teeth :
Et si dans une perte de mémoire se cachait un potentiel de création ? Holly Blakey utilise sa propre expérience de l’oubli pour créer une œuvre qui questionne notre faculté à nous souvenir, et aussi, à imaginer et à inventer, à la frontière du rationnel et de l’irrationnel. Dans un monde parfois terrifiant et pervers, lutter pour notre propre survie signifie aussi créer des histoires.

Sur une musique tonitruante et fantasque, déroulé de décibels sempiternels, c'est la mode qui s'invite et réinvente le costume à danser: du sur mesure en mesure pour les corps transportés de dix danseurs performeurs de très haut niveau, défiant la matière sonore autant que le tissus de ces costumes chamarrés absolument magnifiques de couleurs, matières et volumes choisis. Pour magnifier les corps dansants, fracturés par une chorégraphie multi-influences, du classique au hip-hop Les danseurs exultent dans leur seconde peau desingnée, transformée par des lignes de couture et de matières rarement employées. Les virevoltes des jupes, les sauts parachutés de combinaisons seyantes, les revers et ourlets des gestes affolés, cinglants, pertinents de vivacité, célérité et vitesse accélérée font rayonner les accoutrements invraisemblables d'une "collection" hors pair, hors norme. Un régal de diversité, d'audace et de maitrise dans un flux incessant de danse diabolique très maitrisé. Une découverte insensée au firmament de la création vestimentaire. 

Phantom :
Porté par 10 danseurs engagés dans une chorégraphie aux portes du rituel, Holly Blakey explore avec tendresse, honnêteté et force un épisode particulièrement douloureux de son parcours personnel : sa fausse couche. En collaboration avec Emma Chopova et Laura Lowena, créatrices de la marque Chopova Lowena et sur une composition du musicien Gwilym Gold. 

Autre manifestation du genre chorégraphique si personnel de Holly Blakey, cet opus court et de choc explore une gestuelle plus douce malgré l'aridité du sujet. Les danseurs une fois de plus irradient galvanisés par la musique, ce sentiment d'excellence du spectacle. Couleurs et matières des costumes pour affirmer que ce qui les enveloppe n'est pas hasard ou décoration. Mais costumes, certes griffés par une signature de couturier, mais au service du geste, sans entrave ni assujettissement. Sans contrainte ni convention, la "haute couture" tient le haut du pavé chorégraphique, pleine de sens et de signification. La narration consent ici à infiltrer le tissus à métisser et tissé les genres, à façonner une esthétique mouvante. Un "théâtre des peintres"sans domination où chaque discipline, danse et couture se rejoignent pour modeler les corps et enchanter un propos radical très personnel.

Et si d'aventure après cet opus richissime, on s'égare auprès d'une oeuvre de jeunesse de Christian Rizzo "100% Polyester", c'est pour mieux apprécier cette absence de corps, cette perte charnelle au profit de spectres enlacés dans des chemises diaphanes et sobres, loin de la "mode"..

Qui l'emporte de l'apparat sophistiqué à l'extrême dépouillement, à la sobriété épurée, à vous, spectateurs d'enfiler votre costume ou de retourner votre veste...La danse et le mouvement, assurément !

 

Au TND Chaillot jusqu'au 5 Avril