"Duende": rencontre intuitive entre corps et musique.Le Duende, outre-noir!

 Duende!

Concert

Duende!

Musique de chambre et lectures

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Dans le cadre du festival Arsmondo Tsigane.

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Poète, dramaturge, musicien, illustrateur, Federico García Lorca a consacré les trente-huit années de sa vie à l'art. Son plus célèbre recueil de poèmes - Romancero Gitano (1928) - s'inspire de la culture gitane et lui a valu sa renommée en Espagne et dans le monde entier. Cinq ans plus tard, il donne sa célèbre conférence Jeu et théorie du Duende à Buenos Aires, tentant de définir un schéma d'inspiration artistique, basé sur le concept gitan traditionnel du « Duende », ce charme irrésistible et envoûtant qui constitue l'âme du flamenco.

Strasbourg Opéra, Salle Ponnelle

31 mars 2022

Concert en coréalisation avec l’ensemble lovemusic.

Ensemble lovemusic Flûte Emiliano Gavito Clarinette Adam Starkie Violon/alto Emily Yabe Violoncelle Lola Malique Guitare Christian Lozano Soprano Marion Tassou Comédien (élève de l’École du TNS, section jeu) Yanis Bouferrache

Présentation

Le collectif strasbourgeois lovemusic propose une exploration de l'œuvre de García Lorca qui se nourrit de cette riche tradition populaire gitane - comprenant ses propres Chants populaires espagnols ainsi que d'autres œuvres inspirées par García Lorca, dont une nouvelle pièce de Michele Abondano spécialement écrite pour ce concert. La musique est ponctuée par des extraits de textes et de poèmes de García Lorca lus par Yanis Bouferrache.

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Tout démarre par la lecture d'un texte de Federico García Lorca, là où le duende est défini entre la muse et l'ange "depuis la plante des pieds"!Cette douleur humaine qui n'a pas de consolation....

Puis c'est l'oeuvre de Michelle Agnes Magalhaes – Lorca Fragments
pour flûte, clarinette, violon, violoncelle, guitare et vidéo.Comme une plainte des vents qui soupire sur fond de dessins qui semblent se tracer en direct et en osmose: figures de couples, traits noirs qui sillonnent l'écran: un matelot à la Jean Cocteau, un visage à la André Matisse, un paysage à la Folon. La sécheresse des sons, discrète émanation de chacun des instruments, craquelle, crisse, souffle, s'ébruite.Sons parfois sinueux, ondulant, selon les séquences ponctuées de silences en retenue.Craquements, claquements des sonorités pour créer un univers douloureux: des mains coupées se tracent, deux visages s'esquissent, les saccades et hachures de la musique y font écho.Encore un visage fléché de clown triste ou de matelot, des clapotis de doigts sur les cordes....Un paysage sonore intense et discret, recherché, sensible.  

Au tour de la pièce de Federico García Lorca – Canciones españolas antiguas (extraits)
pour soprano et guitare, toujours après une brève lecture du comédien conteur.Un précieux classique morceau très nuancé, modulé par la voix de Marion Tassou au jeu subtil, bras ouverts, se balançant au gré des sons de la guitare complice de ces accents dilués des sonorités douces et tendres.Regard mutin, beaux gestes, vêtue de blanc, la chanteuse séduit et conquière l'attention.

Passons à l'oeuvre de Michelle Agnes Magalhaes – 4 Canciones españolas
pour soprano, flûte, clarinette, violon et guitare: la voix y est instrument vocal, acoustique à part entière, pleine d’allant aux influences traditionnelles: la découpe du son, dissonante, entrainante, la voix chaude et pleine de la cantatrice ponctue le chatoiement des timbres, très rythmés, dansants.Telle une habanera, narrative, dramatique, la musique se transforme en zapatéados, séquences fragmentées très diverses!

Au tour de l'opus de Manuel de Falla – Canciones españolas antiguas (extraits)
pour soprano et guitare de nous ravir par sa pudeur, sa discrétion: voix et guitare complices pour une atmosphère singulière de tendresse, de nostalgie.

Et au final l'écriture unique de Michele Abondano – Ya, no soy yo –
pour cinq instrumentistes parlants: une création pour cette soirée inédite.Après la lecture d'un texte évoquant la lune, les gitans et l'enfant, cette audition des cordes couchées, frottées, grattées pour engendrer des sons de la matière même des instruments est une découverte visuelle surprenante! Le souffle des voix, des vents s'y engouffre discrètement: tel un laboratoire, atelier de fabrication de sons inédits. Dérapages, bruitages incongrus évoquant des objets, sons et souffle du saxophone dans l'eau, créent un univers grinçant, aquatique, aqueux, trouble, étrange inédit... Bulles de sonorités futiles, volages, évanescentes, ambiance, atmosphère unique de sonorités en partance, en voyage.

Ce concert de musique de chambre, bordé de lectures est singulier, rare, à l'image de la ligne édiotiriale du collectif love musique qui n'a pas froid aux yeux ni aux oreilles pour nous offrir des instants inouïs, toujours très visuels et déroutants!

Strasbourg Opéra, Salle Ponnelle 31 mars 2022

 Concert en coréalisation avec l’ensemble lovemusic

Ensemble lovemusic Flûte Emiliano Gavito Clarinette Adam Starkie Violon/alto Emily Yabe Violoncelle Lola Malique Guitare Christian Lozano Soprano Marion Tassou Comédien (élève de l’École du TNS, section jeu) Yanis Bouferrache

 

"La seconde surprise de l'amour": les variations subtiles des corps amoureux....

 

La Marquise, jeune veuve, est inconsolable d’avoir perdu son époux après seulement un mois de mariage. Le Chevalier, ami du défunt, est lui aussi inconsolable : il a perdu son aimée Angélique, entrée au couvent pour ne pas épouser l’autre homme que son père lui destinait. Tous deux ont pris la décision de se retirer des affaires du monde et s’isoler − au grand regret de Lisette et Lubin, qui les servent. Mais doivent-ils si vite se séparer, alors que parler de son désespoir à quelqu’un qui le comprend et le considère fait tant de bien ? Alain Françon, qui a l’art d’aller au cœur du langage et de ce qu’il révèle des êtres, met ici en scène les variations incessantes qui agitent les personnages jusqu‘au chaos, face à la surprise existentielle qu’est l’amour.

C'est un régal et une "surprise" que d'être toujours embarqué dans des "histoires pas vraiment simples" mais qui semblent couler de source: Marivaux, le démiurge du doute, du trouble et du rebondissement infime de l'action: action qui n'est que glissement progressif des sentiments, des interrogations ou des évidences!Les évidences, c'est Lisette,Suzanne de Baecque, qui les énonce, avec bonhommie, bon train et élocution quelque peu gouaillante. Physique et attitudes lumineuses de sincérité, de "rentre dedans", vive et franche, sans concession, allant droit au but. Sa maitresse, elle, suit ses penchants vers la malédiction de la rupture amoureuse, sans solution que le repentir ou la condamnation à l'échec, à la résignation. Dans ce rôle si évolutif et subtil, Georgia Scalliet, Marquise, veuve, belle, longue silhouette magnifiée par des robes seyantes et souples, au tissus lisse et chatoyant.Elle mène l'intrigue au rythme de ses oscillations sentimentales, sous la pression de ses partenaires de l'instant. Lubin,Thomas Blanchard le valet simplet et bonhomme qui va dans le sens du vent qui se lève, le comte, Alexandre Luby ,un homme séduisant et enjôleur, intriguant malgré lui et surtout le Chevalier, Pierre François Garel.Personnage qui va se révéler, lui aussi, séduit par le cour des événements qui semblent lui échapper: virtuose d'une simulation de naïveté, de gentilles et d'égards empathiques avec la souffrance amoureuse de la Marquise. Tout avance ici, mu par le phrasé du texte, la sobriété des mots et des propos, la colère aussi, les retournements de situation. Du comique bien sur avec le personnage du lecteur, Rodolphe Congé, pédant et "savant" Hortensius, le compagnon des moments de délectation de lecture que s'accorde la Marquise éplorée, endeuillée.La pile de livres qui le fait chanceler en concurrence avec celle du valet qui le fait s'asseoir sans vergogne sur "la culture" lourde et encombrante, face à la légèreté des sentiments que chacun vit et expérimente au gré des fluctuations des humeurs, des changements d'ambiance, de ton, d'atmosphère. On glisse, on navigue à l'envi dans cette ambiance de voisinage, dans des décors bien tracés, escaliers, marche et bassin central, niveaux et hauteurs dont chacun s'empare selon sa situation de domination, de faiblesse ou d'effondrement! Jusqu'à ramper en ce qui concerne nos deux femmes  qui s’empêtrent dans des déboires sentimentaux inextricables...C'est malin, mutin, comique et très relevé, digne et respectueux d'un "marivaudage" stylé, rare et précieux, tendre ou cassant, toujours sur la brèche, sur le fil du déséquilibre, de inattendu.Les décors signés Jacques Gabel illuminent par un paysage champêtre et bucolique, de traits de couleurs quasi impressionniste, les va et vient, allez et retour évolutifs de nos héros en proie à la singularité des situations amoureuses.Caroline Marcadé, discrète chorégraphe associée à la mise en scène très intelligente de Alain Françon, fait de chacun des as du vécu corporel: attitudes, postures et façon de se mouvoir, juste et calculée, maitrisée ou explosive. Les pas de chacun, les postures en changement constant, à fleur de corps pour singulariser chaque émotion. En sensations qui se dévoilent et se posent sur chaque geste comme des signatures singulières, uniques. Les corps des comédiens au bon endroit, rejoignant toujours ce "milieu" cher à la danse: sa juste place ou son trajet pour la rejoindre. Ceci pour incarner la subtilité du phrasé du texte qui sourd de chacun des comédiens, habité par cette langue magnétique de Marivaux.

Alain Françon a mis en scène une centaine de pièces − tant classiques que contemporaines. Il a dirigé le Théâtre national de La Colline de 1996 à 2010 avant de fonder la compagnie le Théâtre des nuages de neige. Ces dernières années, le public du TNS a pu voir Le Temps et la Chambre de Botho Strauss (2016), Le Misanthrope de Molière (2019). Il a créé en 2020 Les Innocents, moi et l’inconnue au bord de la route départementale de Peter Handke. Il présente ici une des plus célèbres pièces de Marivaux, La Seconde Surprise de l’amour, écrite en 1727.

 

Au TNS jusqu'au 1 Avril

"Mauvaise": chienne de vie de famille.....

 

La pièce de debbie tucker green met en scène une famille : un père, une mère, trois sœurs, un frère. L’une des sœurs − Fille − pousse les siens à nommer ce qui s’est passé pendant l’enfance. Sébastien Derrey, en créant ce texte, vise à montrer, dans une poétique scénique de l’affleurement, l’histoire familiale d’une blessure toujours ouverte et la volonté acharnée mais vulnérable de faire reconnaître cette blessure.

C'est un chant de dévotion catholique qui introduit dans le noir la voix caricaturale de la même mélodie appuyée et ridiculisée."Chienne de vie"pour l'une des deux filles de ces parents hiératiques, pétrifiés dans un mutisme de déni : elle s’exhibe dans un texte et un rythme vocal digne d'une mélodie de Georges Aperghis: répétitions en boucle, reprise du mot en leitmotiv exacerbé qui va et revient à l'envi. Un débit fort et agacé, féroce aveu d'une femme-fille qui souffre et se venge, ment, combat, se livre corps et âme à une logorrhée hallucinante.Un trio de regard s'établit aussi entre ceux qui veulent bien communiquer autrement que par les mots, leurs scansion, la parole qui afflue, ricoche ou se heurte au néant.  Un duo féroce entre les deux soeurs les plus loquaces fait office de confession abrupte de coffrage.La violence des propos s'envenime, toujours rythmée à l'envi, à foison dans une musicalité obsédante, redondante qui blesse, offense, dévoile les sentiments de rivalité, d'injustice ressenties.On y marche sur des oeufs, alors que les parents, assis, assistent à un quatuor les dénonçant de leurs actes ou de leurs méthodes d'éducation.En demi-cercle toujours, les personnages s'échinent à s'entendre, s'écouter, sans se comprendre.Les mots claquent, déchirent, agressent dans un jeu sur la corde raide, toujours offensif, sur la touche et le qui-vive.La pièce est sous tension, rythmée par des fondus au noir qui se tournent comme des pages: celles d'une histoire de famille qui boxe pour un match sur le ring d'une partition musicale intense, atypique, versatile et frontale On s'y frotte et s'y pique sans cesse, sans répit dans un rythme haletant. Les six comédiens au service de cette véracité féroce et sans concession du texte.C'est beau et tragique à la fois tant le sort de La Fille est sans cesse l'objet d'une destinée sans retour, sans avenir....Chienne de famille ....

debbie tucker green, apparue sur la scène anglaise au début des années 2000, est lauréate du prix britannique Laurence Olivier de la révélation théâtrale en 2004. Son œuvre dramatique est jouée en Angleterre, en Allemagne et aux États-Unis. Les éditions Théâtrales ont publié corde. raide et mauvaise. Sébastien Derrey, longtemps dramaturge de Claude Régy, fonde la compagnie migratori k. merado en 2004 et crée des textes d’auteurs contemporains comme Eugène Savitzkaya, Pierre Guyotat, Frédéric Vossier, Nicolas Doutey.

Au TNS jusqu'au 31 Mars

"Best regards" : Marco d'Agostin: Welcome épistolaire....en toute lettre!

 

Tellement drôle et tellement physique, c’est ainsi que Wendy Houston rendait hommage à son ami et collègue Nigel Charnock décédé en 2012. L’exubérant chorégraphe, interprète, performer et réalisateur anglais s’est fait une réputation sur les scènes internationales dans les années 80-90 avec des créations aussi iconoclastes que non conformistes.
« Avoir pu le connaître et travailler avec lui en 2010 est une rencontre qui a définitivement influencé ma façon de voir la performance », commente à son tour Marco d’Agostin à propos du solo, Best Regards, que le jeune chorégraphe italien lui a consacré en 2018.
A l’origine de cette pièce une intention sous forme de question : comment commencer cette lettre impossible écrite avec huit ans de retard à quelqu’un qui ne répondra jamais ? De quoi poursuivre le fil de sa démarche artistique en imaginant l’une des géographies complexes qui caractérisent son travail mêlant sons, mots et mouvements. Chez Marco d’Agostin, la danse évolue dans un paysage d’échos et de résonances ou temps et mémoire favorisent la rencontre émotionnelle qu’il recherche : les liens qui se tissent entre ce qui se joue au plateau et celui qui regarde.

Sur le plateau nu, il se présente, humble, sobre et parle de ce trac, de cet abime qui ne vous fait pas encore danser, mais causer...Des lettres, ces missives qu'on écrit, envoie ou ne lit jamais: ce mystère, ce destin des échanges de grands écrivains ou de proches parents. Ses mots sont touchants, ses aveux étonnants et sincères. L'art d'écrire des lettres pour patienter, combler ce "pas prêt à danser"...Puis sur un texte en anglais cette fois, notre "italien" polyglotte se prend au jeu de la danse: poses, attitudes, postures singulières d'un combattant des émotions. Sur fond d'écran où se distingue le texte traduit dans des polices de caractères très plastiques et esthétiques, il se meut à l'mage de son maitre, et l'on songe à "Strange fish" où Nigel se débattait dans sa solitude, en proie à une logorrhée démente, face à ses partenaires de party, indifférents ou affolés par son attitude de trublion, pion ou fou d'un jeu d'échec.Compulsif des mots jetés, propulsés, rythmés à toute allure, projetés dans l'espace. Gesticulant savamment en lignes cassées, angulaires ou gracieux tourbillons, spirales et évolutions comme des courses folles dans l'espace.Le ton de la voix est proche de celui de Nigel et le trouble est grand de retrouver son timbre, sa justesse d'élocution: invasive, contenue dans des mouvements serrés, précis, tectoniques.Une chanson "nouvelle" réinterprétée à sa façon d'une voix assurée et chaude comme hommage à un "mort" qui lui laisse la liberté et la place de danser, danser encore.Comme un disque rayé qui achoppe et se heurte à un obstacle, il répète et reprend mots et sons à l'envi.Un rideau de perles lumineuses comme rideau de fond, se fait passe-muraille, des accessoires en surgissent pour jouer, prétexte à l'urgence de bouger, de parler, de se souvenir à travers son corps de l'enseignement de Nigel.Il déroule le tapis rouge miniature, détourne les objets: tension et performance à l'appui, paillettes et confettis comme des éclats de joie, de fête.Danse, lumière et musique ne font plus qu'un, les mots s’effacent et se taisent. Silhouette découpée devant ces ampoules qui pleurent en ruisseau de lumière clignotante.Et vint au quasi final, en épilogue cette danse au sol dans la semi obscurité, spectre, ombre projetée de celui qu'il adule et vénère en toute sobriété.En toute lettre assurément, la dernière qu'il reçoit à l'instant présent du spectacle et qu'il nous lit et délivre dans l'émotion de la découverte et de la rareté de l'instant présent. La missive délivre ses secrets pour nous aussi spectateurs tenus en haleine dans l'intimité partagée de cette pièce très personnelle aux accents troublants d'un état d'être au monde unique et singulier.

 

A Pole Sud les 22 et 23 MARS

"Musiques du voyage": larguez les amarres pour des transports pas communs !

 Musiques du voyage

Festival Arsmondo Tsigane

Musiques du voyage Musique de chambre Dans le cadre du festival Arsmondo Tsigane.

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 21 mars 2022

Ensemble Accroche Note Soprano Françoise Kubler Clarinette Armand Angster Cymbalum Aleksandra Dzenisenia Accordéon Marie-Andrée Joerger

Présentation

Une formation originale en quatuor avec voix propose de parcourir un programme singulier, composé d’œuvres originales et de transcriptions, allant du répertoire classique à la musique populaire autour de ceux que l’on appelle les Gens du Voyage. Ces partitions proviennent de différents pays d’Europe centrale, et sont caractérisées notamment par l’emploi du cymbalum, de l’accordéon et de la clarinette en Hongrie et Roumanie, dont les couleurs sont associées au monde tsigane. Ce nouvel environnement sonore pose un éclairage particulier et tendre sur ce répertoire inattendu. Laissez-vous surprendre et emporter !

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Programme

Béla Bartók - Dorfszenen voix de femme et cymbalum

Un morceau très expressif pour ouvrir le bal baloche des musiques métissées, d'ailleurs, qui vont faire chavirer les coeurs, les corps!Souffrance ou implorations dans une langue étrange, plaintive, légère.En quatre mouvements très animés, c'est un conte, une histoire que nous livrent Françoise Kubler et Aleksandra Dnenisenia.La vivacité musicale et rythmique de l'épilogue fulgurant, galop virulent et fougueux fait face à une narration palpitante, nuancée, modulée à l'envi.Le chant se fait "populaire" et plein de folklore slovène pétillant.

Toni Lordache - La cules de cucuruz pour cymbalum seul

Virtuose interprète devant nous, très proche, l'interprète se livre à un exercice virtuose, d'une dextérité inouïe : comme une mélodie, une berceuse qui nait sous ses baguettes magiques, livrées à une belle inspiration inée.

Béla Kovács - Sholem-Aleikhem, Rov Feidman pour clarinette et accordéon

Un très bel air de clarinette d'Armand Angster pour introduire la pièce, joyeux, émouvant, comme une voix, des paroles qui se font musique, un texte qui sourd de l'instrument.Bordée par l'accordéon de Marie-Andrée Joerger, ses vibrations onctueuses, savoureuses.Comme une complainte populaire, dansante, très "manouche"!On s'imagine une grande ronde virevoltante, en accélérés vivaces, une cavalcade vive et entrainante...Accents pointés, légatos, sautillés, tout danse et s'anime à foison.

Manuel de Falla - Chansons espagnoles pour voix et accordéon. Un démarrage très sombre, puissant, vocal pour une ambiance triste et nostalgique dans le timbre sombre des graves de Françoise Kubler.Telle une complainte hispanisante qui se déroule en trois mouvement, le chant est comme un appel. Puis dans une très grande vitesse, les saccades de l'accordéon s'agitent, frissonnent, tremblent.

Olivier Urbano - Bethléem Doloris pour clarinette et accordéon

Voici un duo de charme, enjôleur, un solo de clarinette qui séduit en ondulations linéaires, exubérantes.Une lente osmose se dessine dans la fusion du couple d'instruments: piqués ascendants pour la tonicité, course folle servie par la beauté des visages émus des deux interprètes. Un voyage à grande vitesse où le paysage défile, lancé comme une musique de film sur des images de train en marche défiant les lois du rythme, de l'accélération, de la vitesse!Dans l'urgence de partir sans destination précise au hasard des haltes improbables....

Pablo de Sarasate - Zigeunerweisen, op. 20 pour cymbalum et accordéon

Encore un duo magnétique, une complicité maline dans l'écoute des deux interprètes si proches de nous.La complémentarité inédite des deux instruments, cymbalum de salon et accordéon populaire fait mouche.L'extrême finesse du jeu virtuose, des gestes raffinés si beaux à observer est exemplaire Danses esquissées, en suspens, silences, ralentis minutieux, en éventail qui se déploie, respire. Rencontres singulières pour valses imaginaires et fantasmées.La cadence est franche, appuyée, les virevoltes toniques, les galops enivrants!

Luciano Berio - Folksongs pour voix, clarinette et accordéon

Un rossignol "médiéval" à souhait, courtois et singulier se profile dans la voix de Françoise Kubler, ponctuée de clochettes-cymbales tintinnabulantes: une histoire se délivre en français dont on fait une lecture grâce à l'expression talentueuse de la chanteuse aguerrie au jeu subtil d'une comédienne conteuse hors pair.Morceau très festif, tambourin et éclats de voix pour sublimer la narration musicale.Gitane, femme décidée, convaincante, forte, libre!

Ce concert à travers continents, langues, danses et origines est un véritable joyaux d'intelligence éditoriale: le choix des pièce comme un voyage, périple passionnant, mélange de cultures, de tonalités, et d'inspirations diverses. Quant à la qualité de l'interprétation, il va sans dire que ce fut un régal de précision, de virtuosité toujours au delà de la simple performance: un quatuor d'artistes incroyables, aux talents multiples pour nous transporter au delà des frontières musicales, traversée périlleuse et joyeuse aux accents de danse chatoyante!

"Rift": cassures, failles, fêlures tectoniques: l'ardoise est friable, la fresque est arabesque !

 « RIFT est un texte sur la disparition. Celle de mon père, ancien mineur aux ardoisières de Trélazé, qui est parti dans les limbes de la maladie d’Alzheimer. Celle de Mon Amour qui a disparu. Qui veut disparaître. Qui résiste à disparaître. La mienne dans les souvenirs de mon père et dans le trou laissé par l’être aimé.J’y mêle mes souvenirs, mes bribes, mes failles et donc ma fissure (« rift » en anglais) pour faire surgir une forme de ce marasme que peut être la vie parfois. »

De Virginie Vaillant

Directrice de lecture Anne Somot
Musicien.n.es duo Thomas Billey (machines et traitement) et Céline Péran (harpe)

Comédien.ne.s Gabriel Micheletti, Anne Somot

C'est une roche métamorphique qui sous les effets de chaleur, temps et pression, se fait cassante, millefeuille ou palimpseste, strates de souvenirs de minéral. L'ardoise n'est pas redevable de monnaie, ni n'inscrit les dettes : elle est au coeur de ce récit, de cette narration subtile d'une autobiographie de Virginie Vaillant. Ce sera "elle" qui nous livrera durant cette performance de lecture, les "souvenirs" très présents d'une femme. "Je ne sais pas" murmure -t-elle en écho à son "père", figure centrale de sa mémoire, celui qui assis en fond de scène, lui donnera la réplique, l'esprit lointain, mais la voix chaude et rassurante, éthérée comme un spectre vaillant de sa vie.Témoin discret de ses aveux de mère, de compagne, de fille irradiée par les tréfonds de la mine d'ardoise où travaillait son référent de vie.La disparition, ce "trou" béant, cette perte vertigineuse comme la chute dans un puits, où cette montagne de déchets minéraux, cette "butte" à escalader pour mieux plonger dans les eaux de ces lacs artificiels d'extraction de minerai..La "comédienne-conteuse" incarnant l'autrice se glisse lentement de son pupitre au sol blanchi de farine, long chemin de table, sentier direct où ses empreintes de semelles tracent des schémas et figures d'idéogramme, de hiéroglyphes, écriture ancestrale et fondamentale. Signes de la mémoire qui s'inscrit et ne quitte plus nos pas, nos évolutions On croit au départ à des traces de noir sur tapis blanc...Le leurre opère à merveille. On ne nous roule pas dans la farine, mais entre les couches ou nappes de schiste  :Un schiste est une roche qui a pour particularité d'avoir un aspect feuilleté, et de se débiter en plaques fines ou « feuillet rocheux ». On dit qu'elle présente une schistosité. Il peut s'agir d'une roche sédimentaire argileuse, ou bien d'une roche métamorphique.Et c'est à un insecte bizarre que l'on doit la métaphore du léger, de l'éphémère, du temps qui passe: le notonecte, équilibriste entre deux eaux, deux airs.Belle description, comme tant d'autres d'ailleurs, précises, sorte d'inventaire, d'accumulation de qualités, de curiosités animales organiques et anatomiques.Comme un écho de la mémoire qui résonne, circule, prolonge le sens des mots, en résonance.En correspondance aussi au récit qui va bon train:un glossaire sur la terminologie du jargon de la mine, et toujours cette ardoise qui brûle la plante des pieds quand sa porosité est exposée au soleil. Ce seront les paroles du père qui se cache au bout du chemin de vie...Comme un chant, un sprechgesang rapide et rythmé, Virginie, blonde et frêle personnage incarnée par Anne Somot remplaçant au pied levé Nancy Guyon pressentie, toute de nuances, de questionnement, de rage ou de tendresse..."Ca s'est passé", "ça va être dur", scandé à toute vitesse fait mouche et touche, atteint le spectateur qui face aux autres comme dans un miroir reconnait peut-être son propre sort...On s'identifie à cette mémoire fouillée, brisée, en mille feuilletage gourmand plein de charme.Les traces comme une calligraphie à l'encre outre noire sur tapis de farine, chantent ces évolutions frontales dont nous sommes témoins.Et quand quatre longs manches à balais mus par les scénographes effacent cette pluie de poudre blanche, talc, farine ou poussière d'ange, on songe à la légèreté fugace et futile des songes ou à l'extrême "lourdeur" des souvenirs qui pèsent, qui encombrent...La musique, tendre harpe jouée du bout des doigts ou console électroacoustique dirigée en live, accompagne le récit, l'histoire tremblante, chavirante, qui rompt, casse, se brise comme l'ardoise que l'on doit fendre à coup de karcher pour qu'elle ne s'émiette pas...La traversée introspective va se terminer, du "vécu" pour tout un chacun, traversée minimaliste d'une chambre blanche de la mémoire vive.En boucle dans le tamis de la matière minérale vaporeuse.L'ambiance de toutes ces "nappes", couches est douce et forte comme la voix du père, berceuse, bagage d'adulte qui transmet l'oubli, la perte au pied du mur.Père ou amant, les rôles se mêlent, entrelacs sensuels et amoureux de deux corps écartés par la distance, face à face mais distants. Comme un geste d'écriture qu'on déroule, le sentier de cristaux de neige blanche demeure maculé par les pas qui vont et viennent, avancent dans la recherche du temps.Faire "forme"et dessin, esquisse ou calligraphie, cette intimité fait office d'obscénité, derrière la scène, en coulisse de la mémoire, poésie de l'instant!Oui, "j'aime beaucoup ce que vous faites" ce soir là aux TAPS et l'on déguste pour se "rassurer" une mousse chocolat-fraise aux oeufs concoctée par le chef Olivier Meyer: les ingrédients de la mémoire!

 

Scénographes (HEAR) Anaïs Levieil, Agathe Vilain, Elias Haddad, Lucie Billaud

 

 

Ce texte est présenté dans le cadre de la 24^ème édition du festival Actuelles. le 18 MARS

"L'amour sorcier" et "Journal d'un disparu": Tsiganes de bonnes aventures!

 

Lorsque minuit sonne, les gitanes se réunissent autour du feu pour lire le destin de leurs amours dans les arcanes du tarot. Parmi elles, la ténébreuse Candelas est rongée par la jalousie et le chagrin. Pour reconquérir son amant perdu, elle a recours aux sortilèges ancestraux de son peuple et aux incantations de la magie noire. De l’autre côté du monde, bien au-delà des Pyrénées et des Alpes, un paysan morave encore innocent tente en vain de résister au charme magnétique d’une jeune tsigane. Le souvenir de leur première étreinte devient une obsession. Ses journées aux champs ne sont plus qu’une longue attente qui s’achève à la nuit tombée dans les bras de celle qu’il aime mais dont tout le village se méfie.
Écrits à la fin de la Première Guerre mondiale de part et d’autre de l’Europe, les chants envoûtants de L’Amour sorcier (1915) et du Journal d’un disparu (1921) témoignent des fantasmes qui entourent dans les arts la figure de la gitane, amoureuse libre et passionnée, forcément mystérieuse et un peu magicienne. Le metteur en scène américain Daniel Fish les réunit dans un seul et même spectacle, avec la complicité du chorégraphe Manuel Liñán et d’Arthur Lavandier qui offre une nouvelle orchestration au cycle de Janáček. La cantoara Esperanza Fernandez est l'une des voix les plus connues du Flamenco et a notamment enregistré le chef-d’œuvre de Manuel de Falla L’Amour Sorcier sous la direction musicale d’Enrique Mazzola avec l'Orchestre national d'Île-de-France.

Leoš Janáček / Manuel de Falla Nouvelle production de l’OnR. Dans le cadre du festival Arsmondo Tsigane.

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Zápisník zmizelého
Cycle de 22 mélodies sur des poèmes anonymes (attribués à Josef Kalda).
Créé au Palais Reduta de Brno le 18 avril 1921.
Nouvelle orchestration d’Arthur Lavandier.

Un décor de couleurs jaune, orange scindé en deux parois murales, un demi cercle de dix interprètes assis nous accueillent sur le plateau de l'Opéra. Tout se met à frémir dès les évolutions chorégraphiques de sept danseurs sur fond de plumes de coq projetées en vidéo: les mouvements des images se conjuguent à ceux des hommes de noir vêtus: danse tranchée, sèche, tours virtuoses, mains en crête de coq au dessus des têtes. Simulacre de flamenco revisité, profil et sauts à l'envi, unisson et solo en figure de proue. Danse vive et précise, coupée au cordeau. Les hommes aux costumes digne d'une griffe Thierry Mugler sont panaches, volants, corsets ou franges venant prolonger le mouvement en résonance dans l'espace. Virevoltes et spirales bienvenues pour brosser une atmosphère féroce et sensuelle digne d'une pavane baroque, d'un french cancan espagnol.Tutu blanc demi ceinturé, tout est signé Dorey Lüthi, as du panache sobre et moulant. Corset à demi ouvert, dévoilant bras et épaules dénudés comme pour les robes de Pina Bausch!Les torses se bombent, les piétinement s'accélèrent sur la musique: petits pas et attitudes altières, postures de référence déstabilisée, déstructurée.Alors que le choeur se fait discret écho du chant magnétique de Josy Santos...

On change à vue pour la seconde pièce de ce programme inédit et c'est El amor brujo
Gitanerie musicale en 16 tableaux pour orchestre de chambre et cantaora (première version).
Créée au Teatro Lara de Madrid le 15 avril 1915.

Amour sorcier bien connu, ici interprété par Espéranza Fernandez, au pied levé.

On reprend le demi cercle, demie arène des conflits et de la danse. Les "assis" sont autant de petites chorégraphies palpitantes, vivantes animant les corps de ceux "qui ne dansent pas"!Mêmes costumes mais assumés plus en panache, plumage, apparat et frou-frou...Tentation et sorcellerie des gestes encore plus tranchants dans des unissons de masse progressant en marche menaçante.Les châles s'animent, volent et s'enroulent à foison, les robes deviennent masques ou chapeaux fantastiques: un solo très voluptueux et rageur pour un gallinacé emprunt d'une gestuelle animale inquiétante...Tours et alignement dispensant une danse signée Manuel Linan, iconoclaste chorégraphe de l’institution flamenca Les corps au sol laissent musique et chant âpre se tailler la part belle. Le coq tué pour ne plus chanter les louanges de l'amour Les frappes des pieds des danseurs envahissent l'espace sonore en grappe vibrante et en proie à des crises de nerfs agacées. Le jour se lève sur ce poulailler en panique pas toujours pertinent avec l'oeuvre de Falla: voltige de cuir noir pour coq à pattes noires, on ne sait plus vraiment qui prend le pas de cet amphithéâtre pourtant chaleureux et bigarré....

A l'Opéra du Rhin jusqu'au 24 MARS

 

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En espagnol, tchèque
Surtitré en français, allemand

"Les frères Karamazov": une saga épileptique à l'abattoir !

 

Les Frères Karamazov est le dernier roman de Dostoïevski, paru en 1880. Les fils Karamazov, qui n’ont pas grandi ensemble, se retrouvent dans la maison paternelle et font connaissance. Trois mois plus tard, le père, Fiodor, sera assassiné par l’un d’eux. Sylvain Creuzevault, avec son équipe, explore depuis plusieurs années l’œuvre de Dostoïevski. Pour nous parler d’aujourd’hui, il s’attaque à ce monument fascinant, où l’auteur creuse toutes les contradictions d’un monde hanté par ses démons originels. Dans ce jeu de pistes aux multiples facettes, il interroge ce que veut dire innocence ou culpabilité. Y-a-t-il de bonnes raisons pour ne pas tuer le père ?

C'est trois heures durant une épopée picaresque qui se déroule servie par des comédiens hors pair. C'est dire si c'est "du théâtre" où les personnages sont rendus attachants et percutent avec une verve, un tonus une dynamique incroyable.Dans un décor très "iconique", très orthodoxe, on fait la part belle à la colère, à la passion dans des costumes liturgiques ou en simple appareil civile. Il faut entendre et voir Nicolas Bouchaud en Fiodor exalté, ce père indigne qui revient au "foyer désuni" avec un débit verbal hallucinant de tectonique sonore et corporelle, il faut se laisser apprivoiser par tous ces hommes et femmes excessifs: Servane Ducorps, à fond dans sa gouaille de Mamounette, Blanche Ripoche, suave et rigide Katérina....Et Arthur Igual en Aliocha sublime, drôle, naïf et séduisant d'innocence feinte dans ce galimatias familial et social décoiffant. La musique live accompagne toutes ces péripéties, ponctuant la dynamique, l'énergie des corps jetés dans la bataille: Sylvaine Hélary et Antonin Baillon aux commandes!En seconde partie, le décor fait office de no mans'land, friche industrielle aux néons de couleurs où va se dérouler encore l'expression débordante de passions, de colère, de jalousie. Enfermé dans une cage qui bouge ou librement jeté dans l'espace, les corps sont au combat, en verve, se soulèvent ou désespèrent: toute une humanité au bord de la crise de nerfs telle que Dostoevski aurait imaginé sans doute sa saga, série palpitante et haletante!Quand tout est dit sur le patriarcat, Dieu, l'Etat, le père et ses avatars politiques, on ne peut qu’adhérer à la façon très humaine de Creuzevault de traiter le sujet du communisme, du pouvoir, de la filiation. C'est grandiose et émouvant, palpitant et audacieux. La jeunesse, elle aussi, traitée avec sa voracité de vivre ou d'en finir avec ce "père" castrateur abominable monstre déferlant de haine ou d'amour. Une narration textuelle pour nous accompagner dans cette complexité épique ou picaresque quasi digne d'un roman-fiction-réalité qui puise dans la vie intime de chaque personnage; on y fait aussi la fête à l'image du metteur en scène qui n'a de cesse de nous poursuivre de sa passion dévorante pour l'oeuvre quasi complète de Dostoevski!

Sylvain Creuzevault est metteur en scène et acteur. Après Baal de Brecht en 2006, il compose plusieurs spectacles : Le père tralalère, Notre terreur, Le Capital et son Singe. Au TNS, il a créé en 2016 Angelus Novus AntiFaust et a présenté, en 2019, Banquet Capital. Il est artiste associé à l’Odéon-Théâtre de l’Europe où il a créé Les Démons de Dostoïevski en 2018 et Le Grand Inquisiteur d’après Dostoïevski, en 2020. Depuis 2017, il est installé à Eymoutiers, en Haute-Vienne, où il transforme d’anciens abattoirs en lieu de théâtre.

Au TNS jusqu'au 19 MARS

"Pinocchio" (live) #2: l'anti-chambre froide des sacrifices !

 

Depuis 2014, Alice Laloy tourne autour de la figure de Pinocchio en multipliant les formes artistiques. Après un travail photographique, une exposition et une première performance, elle signe Pinocchio(live) #2 au dernier festival d’Avignon. Cette réflexion sur la désarticulation des corps prend à contre-pied le conte original. Dix élèves du Centre chorégraphique de Strasbourg, passent entre les mains d’hommes et de femmes, interprété·e·s par les étudiant·e·s du Conservatoire de Colmar, en blouses grises, aux mouvements cadencés, accompagné·e·s d’adolescent·e·s musicien·ne·s. Installé·e·s sur des établis, les enfants y sont patiemment et méthodiquement métamorphosé·e·s en pantins inanimés. Dans une étrange fabrique de jouets, l’ambivalence de la transformation donne corps à une fascinante dystopie. Dans ce troublant rituel, leurs mouvements déshumanisés ont été peaufinés avec l’aide de la sœur d’Alice, la chorégraphe Cécile Laloy, et deux contorsionnistes.

Dans une joyeuse bataille des gamins se chamaillent, bruyants alors qu'une machine à percussions les accompagne... Un bouquet de bassines grises brandi par un défilé de blouses grises perchées sur des talons hauts de bois japonais compensés.Ces ouvriers en herbes trainent leur panoplie de travail, chaises incrustées dans l'établi démontable. C'est déjà étrange et incongru, surréaliste ou absurde....Chacun bâtit sa table de labeur sur fond de musique percutante.Çà frappe de partout des sons des marteaux de bricoleurs.Tel un chantier de bâtisseurs en construction, le décor est planté.Dans une rythmique assourdissante d'un atelier de marteaux sur enclumes. Un établi d'usine, une table roulante de sacrifice? En surgit un défilé de carnaval, tel une manifestation, un étrange petit train, un cortège de brancards d’hôpital avec sur chacun d'eux un enfant, tout blanc en barboteuse, blessé.Image forte et impressionnante. Un "Métropolis" clinique de notre temps de  science fiction inédite. On s'y relie à un tuyau de survie, de perfusion, barrière, clôture médicalisée. A quelle "opération" va-t-on assister?. Sous des néons à la lumière glaciale d'entrepôt.Des sortes d'infirmiers en blouse grise libèrent les pansements puis badigeonnent au pochoir sur des sortes d'ardoise, des radiographies plastiques.Du blanc sur les corps manipulés des "victimes" de cette mascarade étrange: corps qui s’effondrent, avachis, vautrés, pendants. Dans une chambre froide, mortuaire ou morgue on pourrait assister à une dissection de statues que l'on embaume. Un atelier de sculpture de plâtre comme chez Rodin: on répare, façonne avec minutie sur fond de bruit de moteur de générateur.Des soignants de corps à momifier comme dans un rituel, désinfectent, vaporisent avec des pistolets à talc. On songe aux statues de jeunes gamins de Charles Ray ou à celle de Gisèle Vienne....

charles ray

gisèle vienne

Puis on pique et l'on coud des points de suture, travail en temps réel.Les petites mains d'un atelier de couturière s'affairent.Ce seront les ficelles qui feront se mouvoir les membres de ces créatures soumises qui attendent sur leur paillasse de laboratoire, avachis, affalés, immobiles et inconscients, victimes consentantes endormies...Un maquillage pour cerner les expressions, les yeux ouverts collés aux paupières, un long nez érigé, ceci dans une belle gestuelle à l'unisson dans une minutie irréprochable.Une école d'application en esthétique pour créer des masques de lèvres, un nez qui s'allonge.Sous des battements de coeur vivants, les statues-créatures s'animent au sein de cet atelier de fabrication de marionnettes en série, toutes pareilles.Un cortège-défilé se forme, déambulation de ces poupées sur leur socle mobile.Telle une marche funèbre de ces tables d'opération. Les chariots s'installent en frontale pour mieux montrer les prototypes des recherches savantes.Encore assoupis sur leur chaise, sans vie.Dociles, domptés, domestiqués, manipulés à l'envi.Un vrai ballet mécanique dans un musée de l'automate.Poses, portés, fils qui se relient quand les fabricants-artisans délivrent leur oeuvre de leur fabrication. Ballet de chaises roulantes pour créatures non autonomes.Les chutes progressives des pantins passifs de leur chaise, leur pendaison font peu à peu vivre cet univers aseptisé, clinique, opératoire.Cercle, chutes pour ces enfants métamorphosés en poupée de chiffon molles et manipulables à souhaits.Les artisans de ces phénomènes observent leur comportement figé qui peu à peu prend vie. Dans des mouvements relâchés, laxes, très bien simulés par une maitrise incroyable du ralenti, de la lenteur, de l'abandon.Dans le silence on contemple ces momies éternelles. Elles ne vont pas tarder à se mouvoir en crise épileptiques, en saccades, en sursauts au sol:très beau travail corporel de la part des enfants conviés à cette cérémonie chamanique, rituelle et fantastique.Convulsions tétaniques très dansées, senties, émouvantes à souhait.Renaissance ou réveil du pantin qui s'humanise, sans doute, mais bien plus: des visions éruptives de ces être qui se soulèvent dans une énergie fébrile spectaculaire de solistes terriens très contrôlée.De la terre, à l'air, appuis et relâchements exemplaires de technique assumée et ressentie.Vers l'érection, la verticalité des corps qui s'animent.Soubresauts, détente en chorus et unisson.Marche d'enchainés très binaire au final de victimes ou sacrifiés sur l'autel de la machinerie infernale Il y a quelque chose d’expressionniste dans la mise en scène des corps qui est hallucinante.Des ouvriers épuisés, ou une ronde folle libératrice pour les enfants libérés de leur joug.Danse rituelle et pantomime toujours les yeux mi-clos!Danse extatique en batterie militaire déglinguée, enchainée, débridée.C'est la séance libératoire de démaquillage par les savants aventuriers de la fabrique de "pinocchio"qui clôt le chapitre étourdissant de cette pièce à multiples entrées et sorties.On s'embrasse, on se réconcilie, on s'adopte pour mieux retrouver la vie de ces corps en short à bretelles et chemises rayées...C'est de toute beauté, d'un grand inconfort qui émeut et fait bouger pensées et émotions avec une plasticité et une mise en espace clinique et méthodique déroutante Comme un malaise à fréquenter une chambre froide ou un laboratoire de recherche génétique improbable...

 Alice Laloy découvre la marionnette pendant son cursus d’études en scénographie à l’École du TNS. Elle s’oriente vers un théâtre de recherche où se croisent marionnettes, matériaux, machines, acteurs et compositions sonores au service d’une écriture singulière et poétique. En 2009, elle reçoit le Molière du meilleur spectacle jeune public pour 86 cm. La metteuse en scène est artiste associée à La Comédie de Colmar, CDN Grand Est Alsace, au Mouffetard, Théâtre des Arts de la marionette, au T2G – CDN de Gennevilliers et au Théâtre de l’Union – CDN du Limousin. Elle a présenté au TJP D’États de femmes, Moderato, 86 cm, Y es-tu ?, Batailles, Re-Batailles, Sous ma peau / Sfu.ma.to et Ça Dada.

Au TJP les 10 ET 11 MARS  Palais des Fêtes dans le cadre des Giboulées de la Marionnette 2022

 

"Any attempt will end in crushed bodies and shattered bones": Jan Martens résiste et se soulève !

 

"Any attempt will end in crushed bodies and shattered bones" de Jan Martens: résiste !

Le nombre de danseurs est important: 17 sur un grand plateau pour travailler sur l'individu!Plusieurs générations de corps, tous différents, petits ou grand gabarit, sexualité dégenrée, âges variés....Pas de "canon de beauté" à l'horizon de ce travail colossal sur la masse, le groupe qui avance  se déplace, se décale comme des vagues passées au peigne fin de croisements savants hypnotiques; sur une musique de Goreki "concerto pour clavecin et orchestre"   Mouvement choral de résistance, de soulèvement qui gronde.Et surgit en contrepartie, une immobilité sereine qui laisse s'échapper respiration et temps de pose-pause.Sous tension comme un sit-in en opposition à la marche-démarche populaire.Pièce de groupe hallucinante, concentrée, d'une rare efficacité visuelle,qui laisse fuir aussi les différences de corpulence de chacun. Tout se tricote, se tisse et semble se fondre dans la foule. C'est impressionnant et dérangeant.Fascinant à coup sûr!Cette vision de l'humanité en proie au mouvement est faite aussi de diversité et non d'anonymat dans les costumes à la fois haillons autant que fantaisie en rouge pour chacun sans pareil.De quoi méditer sur le nombre, son impact, sa force en se laissant aller dans cette beauté fluide et émouvante.Les circulations savantes augurant d'un ordre consenti pour arriver à ses fins: la force du groupe est unique et sujet à une composition chorégraphique émerveillante!

Au Mailon Wacken les 10 ET 11 MARS

En partenariat avec Pole Sud

"Je vous écoute": les confessions d'un lac d'indifférence.Ou d'empathie.....

 

Ce spectacle est basé sur la transcription de paroles d’anonymes qui racontent leurs inquiétudes, leurs solitudes, leurs espoirs et leurs colères sur une ligne d’écoute bénévole. Que peut-on dire ici à une personne inconnue, qu’on ne peut dire nulle part ailleurs ? Partant de ces myriades de voix solitaires, la metteure en scène Mathilde Delahaye a composé un oratorio, une partition musicale. Récits de vie croisés, silences, tremblements… Elle veut faire résonner ensemble ces singularités qui, au travers de ce qui leur manque, dénoncent un vide et appellent à une transformation du monde social. Je vous écoute met en avant la vitalité et le potentiel explosif que véhiculent celles et ceux qui sont au bord.

Fond de scène comme une fresque sur des corps qui chutent dans l'abime, surface au sol, lisse, huilée, aux reflets miroitants: des haltères immergée...Étrange vision, très calme....Avant la tempête? Une gymnaste vient s'emparer de cet engin de torture pour mieux le lâcher, éclaboussant de toute part: c'est une surface d'eau qui fait reflet!Un violoncelle entame une belle litanie, triste et nostalgique, mélancolique.Des fumigènes envahissent le plateau, un son de décollage d'avion du tarmac et tout démarre. Fin du préambule , de l'introduction, d'un prologue qui en dit déjà long sur la solitude...Des voix off s'agitent comme sur les ondes, en confessions timides, intimes...On arrive au vif du sujet quand dans un cadre carré lumineux, trois personnages entament ces discussions-dialogues, monologues ou confessions-, témoignages de solitude, de désarroi, de panique..Pour l'atmosphère glauque, il se met à pleuvoir sur ce décor, immense flaque où gisent des objets abandonnés, eux aussi cabossés, délaissés par la vie courante, active...Les trois silhouettes, tour à tour prennent la parole: écoutant, répondant, ou simulant toutes les voix du désespoir: une performance vocale et musicale inouïe à laquelle se collent brillamment les trois comédiens, statiques, immobiles, sans affect ou réaction épidermique.Claire Ingrid Cottanceau, sobre, lisse, hiératique, Thomas Gonzalez et Romain Pageard, animé de conviction, de finesse dans la perception et le rendu de toutes ces confidences vocales invisibles: donnant corps à des voix, des sentiments, des injonctions multiples et variées. Modulations, surprises, qui nous tiennent en haleine. Les solitudes s'enchainent depuis la chambre d'un "écoutant", depuis le choeur d'âmes esseulées, monocorde litanie de récits improbables sur la survie, la solidarité, les aveux déchirants de certaines victimes de l'isolement. Pièce touchante qui questionne les rapports humains de très près, de très loin sur les ondes glissantes des technologies au service de la communication à distance.Mathilde Delahaye signant ici une oeuvre empathique au décor puissant et métaphorique.Une vache égarée pour animal de compagnie, entrave ou simple portrait d'un immobilisme significatif!Qui laisserait passer la vie, statique et passive, image déconfite de lassitude et résignation.

Au TNS jusqu'au 10 MARS

 

Mathilde Delahaye a été élève du Groupe 42 de l’École du TNS en section Mise en scène. Dans ce cadre, le public du TNS a pu voir L’Homme de Quark d’après Christophe Tarkos, Tête d’Or de Claudel, à la COOP de Strasbourg, Trust Opus, d’après Falk Richter et Babil au bord des villes d’après Charles Pennequin. Elle a ensuite créé Pantagruel d’après Rabelais et L’Espace furieux de Valère Novarina (2017) Maladies ou femmes modernes de Elfriede Jelinek (2018) et, en 2019, Nickel, co-écrit avec Pauline Haudepin. Elle intervient à l’École du TNS régulièrement.

"Hasard" de Pierre Rigal: un chantier bal't hasard imprévisible bascule du vrai, du faux ! Troublant !

 

Pierre Rigal Hasard (titre provisoire)

Pour sa prochaine pièce, Pierre Rigal s’efface derrière le geste en lui attribuant un rôle particulier : dessiner l’intrigue d’une fiction. Le hasard, cet imprévisible déclencheur d’événements, devient ici le maître d’un nouveau jeu. Cette création pour six danseurs prévoit la collaboration d’un magicien. Danger, fou rire, vertige et paradoxes, structurent ce travail sur l’aléatoire et la façon dont le hasard interroge et bouscule nos repères.

Chantier, work in progress pour le public friand de découvertes, de questionnement sur le "processus" chorégraphique Au tour de Pierre Rigal de s'y coller avec bonhommie et accueil chaleureux... Six danseurs pour tisser la trame et la chaine d'un spectacle à construire: dans le désordre, six extraits nous sont présentés dans "leur jus" et c'est à l'écoute de travaux déjà très avancés qu'on se prête avec intérêt et curiosité. Six danseurs pour filer en diagonales "du fou" des fresques incroyables, sur le fil du risque: celui de faire des rencontres "choc" ou catastrophes, bien sûr leurre et faux incidents: maillages en diagonales, incidents "fortuits", anticipation des troubles directionnels, simulations de heurts, de bousculades, croisements de foule...Comme un leitmotiv à géométrie variable, mathématiques des traversées et déplacements Une connexion géophysique remarquable, sur le fil du hasard convoqué, "aidé", provoqué tout au long de ses parcours savants ourlés de mimiques ou de visages neutralisés.De l'improvisation aussi pour des associations visuelles plus libres, plus "rondes".De beaux effets optiques de rémanences , de troubles dans les unissons "à capella"où les corps se répondent, se rattrapent, se confondent.La mémoire de la matière dansée fonctionne à plein, dans des "engrenages" savants: quatre danseuses assises au sol y dessinent le flux des vagues, les entrelacs et figures de points de chainette, maillage acrobatiques de postures et attitudes mouvantes, bluffantes! Mécanique des temps modernes, canevas d'un métier à tisser le hasard, alors qu'un duo acrobatique de danse contact uni un couple de danseurs. Segments du corps, bras en coupe géométrique, angulaire comme des rouages bien huilés.En dérive une bestiole étrange aux pattes entremêlées de toute beauté: pieuvre ou mille pattes de foire en majesté!Puis c'est allongés au sol que la mécanique se déchaine sur une musique binaire envoutante. Le rythme est infernal...Autre extrait avec diagonales, corps ouverts-fermés, croisements, rencontres inopinées, sourires malins ou visages neutres.Contorsion et tricotage à l'envi, solo d'équilibriste détiré...Un superbe travail des bras à l'angle, en alternance, en florilège de capacité d'écho, de ricochet, figures du hasard ou de la construction extrême.Comme un alphabet, des hiéroglyphes, une écriture très graphique à la Villéglé, police de caractère et pictogramme en résonance.

Abécédaire de la danse de Pierre Rigal qui se distingue par son étude sur les mouvements de bras, les envergures et le rythme de métronome qui convient à cette dynamique futuriste du mouvement, de la machinerie, de la balance corporelle.Jambes et bras impliqués pour une rémanence optique en autant de rouages savants et "hasardeux"!La "murmuration" en ligne de mire pour les interprètes rivés à l'instant, les accidents de parcours, les formes inédites de bancs de poissons ou de vol d'oiseau...Dernier extrait: des bras comme des cous de cygnes, des pinces de crabes qui bougent et ondulent , férie, magie et prestidigitation garantie! Un travail déjà très mur à découvrir en septembre sous un titre encore non défini!

 

POLE-SUD, lieu de vie, d’accueil, de fabrique et d’éducation artistique, déploie ses activités dans de multiples dimensions. Parmi celles-ci, les Accueils studio.
Ces résidences artistiques se renouvellent chaque saison. Elles contribuent au développement de la création et de la culture chorégraphique tout en stimulant la vie du lieu. Une dizaine d’équipes de la scène chorégraphique locale et internationale en bénéficie chaque saison durant une à deux semaines. Les artistes peuvent ainsi se consacrer à la recherche et à la création dans l’espace du studio qui est mis à leur disposition.

Ces étapes de travail sont ponctuées par des rendez-vous, les Travaux Publics, favorisant la rencontre entre le spectacle et les publics sous des formes variées et conviviales. Ils sont aussi l’occasion de soirées « deux en un », offrant à tous, la possibilité de découvrir deux démarches artistiques différentes, à 19:00 en studio, un processus de travail en cours et des échanges avec les artistes, à 20:30 le spectacle en salle d’une autre compagnie.

"Intro et Rehgma": Mellina Boubetra, pianissimo....

 

Boubetra Cie Etra France trio + duo créations 2018 et 2021

Intro + Rēhgma

«Discussion chorégraphique» d’un trio de femmes au son d’une partition électro en constante évolution, Intro est la première pièce de Mellina Boubetra. Dans Rēhgma l’artiste engage un autre dialogue. Un duo autour des mains en mouvement et de la notion de toucher commune aux pratiques de break et du piano.

Pourquoi un trio hip-hop 100% féminin ? Mellina Boubetra s’en explique ainsi : «  Pour ma première pièce, Intro, j’ai d’abord choisi des interprètes pouvant s’exprimer à travers plusieurs styles de danse et qualités de mouvement. Puis les échanges entre nous, tant au niveau discursif que corporel ont fait évoluer la dramaturgie de ce projet vers une forme de discussion chorégraphique. » Intro est ainsi devenu un voyage introspectif dans l’univers des sensations.
Toujours sur le mode du dialogue, la seconde pièce de la jeune artiste, privilégie le sens du toucher. Passionnée par les mains et leur langage, elle imagine Rēhgma, un duo physique et musical avec le danseur et pianiste Noé Chapsal. De la résonance des touches aux qualités de toucher, cette pièce oscille entre murmures et vibrations. Une façon d’explorer la relation corps/instrument, entre autre autour d’une question : « À quelle note ou mouvement accorde-t-on le plus de lumière et qu’est-ce qu’il en reste une fois émis ? »

"Rehgma"

Un duo, de dos, en short et chaussettes, sobre vestimentaire homme-femme en légers soubresauts, déséquilibres rétablis, oscillations minimales,petits mouvements compulsifs contagieux de l'un à l'autre...Entrechocs et déstabilisation, toujours de dos avec précision infime...Saccades, tremblements, sursauts à l'appui.La danse s'inscrit dans un petit espace réduit, assiette du bassin sous un rayon de lumière constant dirigé en douche sur les deux corps frémissants. Osmose et gémellité à vif.C'est au piano, "désossé" pour l'occasion que la danseuse et chorégraphe se prête à une litanie sonore envoutante et répétitive: danseuse et instrumentiste, ce n'est pas si courant, surtout pour faire corps avec son instrument, tandis que son partenaire se love contre la paroi du mobilier-décor sonore! Puis c'est à quatre mains, face au pupitre éclairé dévoilant les petits marteaux "piqueurs" que le duo poursuit sa course en figures d’équilibristes, allongés sur le tabouret ou étirés en arrière: belles images à la renverse alors qu'ils continuent à pianoter...Les deux corps s'enchevêtrent, se relient, puis éclatent l'espace, libérant leur énergie en prouesses de gestes mécaniques, vitesse et dextérité au poing.  Un très beau moment de poésie musicale et humaine, à quatre mains,bordée de finesse et précision à l'impact émotionnel garanti.Qui va piano, va sano pour mieux cerner la complicité, les touches et notes qui s'accordent à laisser entrevoir la qualité du toucher, de la musique des gestes, de la corporéité de l'interprétation sonore des musiciens en osmose avec leur médium instrumental.

"Intro",

C'est un quatuor atypique, mêlant énergie débordante, et petits gestes minimaux, petits bougés, syncopes et cadence d'enfer, unissons en alternance avec altérité personnelle et gestuelle. Beaucoup de résonances entre les quatre protagonistes, tous différents et pourtant naviguant dans une belle fusion plastique et esthétique. Révélés par un éclairage fort sur fond noir, les corps se sculptent, s'affirment dans leurs formes et prennent le plateau en rond de bosse. Sur fond de percussions de caisses claires, puis rythmes plus engagés, la danse est conversation gestuelle, bribes de mots et sons, mimiques , altérité du vocabulaire qui puise aux sources diverses du hip-hop, des arts martiaux...Épuisés, haletants dans la perte et la dépense, ils nous quittent dans des murmures tenus, disparaissant de nos regards captivés.

A Pole Sud jusqu'au 3 Mars