lundi 20 décembre 2021

"Un vivant qui passe": l'oeuvre au clair.

 

Avec Nicolas Bouchaud et Frédéric Noaille

théâtrede la Bastille Spectacle présenté en coréalisation avec le Festival d’Automne à Paris.


Nicolas Bouchaud revient au Théâtre de la Bastille avec Un vivant qui passe, adapté du film du même nom de Claude Lanzmann. Une pièce sur la banalité du mal, la haine de l'autre, l'acte de montrer et celui de voir.

Depuis 2010, Nicolas Bouchaud crée régulièrement des spectacles à partir de textes non théâtraux (une interview de Serge Daney à propos du cinéma, un livre de John Berger sur un médecin de campagne, une conférence du poète Paul Celan, un roman de Thomas Bernhard sur notre rapport à l’art et au deuil).
Il s’empare cette fois d’Un vivant qui passe, documentaire de Claude Lanzmann réalisé à partir de rushes non utilisés dans Shoah. Dans celui-ci, les déportés et les soldats nazis restent hors-champ et ce qui est donné à voir est le face-à-face entre le réalisateur et Maurice Rossel, délégué de la Croix-Rouge internationale pendant la Seconde Guerre mondiale, qui, en « visite » à Auschwitz et à Theresienstadt, s’est retrouvé par deux fois au cœur du système d’extermination nazie et affirme n’en avoir rien vu.


C’est en partant à leur tour des rushes d’Un vivant qui passe que Nicolas Bouchaud et ses complices habituels, Éric Didry et Véronique Timsit, se plongent dans cette adaptation. Avec la volonté de réactiver l’Histoire à travers le témoignage de cet homme, ni bourreau, ni victime, qui « est d’une certaine façon celui que nous pourrions tous être ou que nous avons peut-être déjà été » comme le souligne Nicolas Bouchaud. Dans les réponses de Maurice Rossel se dessinent en effet des zones complexes et troubles, celles où l’antisémitisme et la haine de l’autre guettent en embuscade, mais aussi celles des présupposés qui fondent l’acte de voir.

Et la pièce est bien de cet acabit : elle dénonce les mécanismes du déni, de l'histoire qui se tisse et se trame des paroles, faits et gestes de quelques meneurs drastiques ; ils sont deux à investir le plateau sur fond de décor de bibliothèque surannée, décor cousu de toute pièce, leurre et mensonge où vont se nicher les contradictions des deux personnages. Nicolas Bouchaud perspicace auditionné par un meneur d'enquête, Frédéric Noaille, jeune et fringant traqueur et détective pour la circonstance On les suit avec intérêt et ils nous mettent en haleine, le suspens de ce duo-duel aidant à cette démarche de défrichage d'une période sombre, opaque, ici révélée avec parcimonie, tac et respect.Pudeur et opacité.Montrer ce qui s'est passé dans cette antre de la peur où finalement personne ne savait rien de rien et où tout était "vivable". C'est ailleurs que ce tramaient le drame et l'horreur....Sauvez le moment du mensonge ou de la vérité, tel est le propos qui hante cette mise en scène de Eric Didry, sobre et efficace, faite de déplacements permanents, d'une petite danse croustillante de désarroi mais aussi d'espoir que les choses bougent, se déplacent et parcourent le monde pour dire plus et autrement les failles humaines et leur terrains d'investigations: raconter aussi la passation , entre mensonge et propagande, déni et authenticité.Ce vivant qui passe et ne passe plus inaperçu !

Tim Etchells & Aisha Orazbayeva "Heartbreaking Final" : de battre mon coeur n'a cessé !

 


Cofondateur de Forced Entertainment, Tim Etchells mène parallèlement une carrière d’écrivain et d’artiste visuel utilisant les médias numériques, la vidéo et l’installation. Pour cette dernière création, il s’associe de nouveau à la violoniste kazakhe Aisha Orazbayeva, réputée pour ses interprétations intrépides et ses approches radicales.

Ils sont sur le plateau, inébranlables musiciens qui taillent dans le vif une poésie musicale, parlée, chantée, psalmodiée de toute beauté et hypnotisante mélopée multidirectionnelle, puissante et surprenante ode à la diversité et pluralité sonores. Des matériaux sonores de toutes origines-drones, fragments mélodiques, sons percussifs-. Les voix se métamorphosent en autant de résurgences sonores et percussives, les bouches s'embouchent, susurrent, crient, hurlent en boucles et variations surprenante, hallucinantes. Sur la scène une sculpture de néons irradie mentalement ce petit monde quinquennal, quintette savant et virtuose pour un voyage sonore des plus varié et empli d'audaces musicales sous la houlette de Obrazbayeva, fol envol vers des contrées inconnues.

"Music all ": Jonathan Capdevielle, Marco Berrettini, Jérôme Marin: "détruire" disent-ils ! Et "Tralala" !

 


Prenez trois metteurs en scène singuliers qui n’ont encore jamais travaillé ensemble. Considérez leur passion pour le Music-hall. Remixez un tube de Mickael Jackson en bossa nova et une chanson de Mylène Farmer en slow italien des années 50. Imaginez maintenant une aire d’autoroute sombre et abandonnée, propice aux rencontres furtives d’un musicien de passage, d’un camionneur-cascadeur et d’une chorale d’enfants. Et voilà certainement l’un des spectacles les plus atypiques de la saison.
 
 Trois "nunuches" en socquettes, robes de gamines défroquées qui font du pole dance sur un manège d'enfants dans un square...C'est tout vu de l'humour féroce dont vont user nos trois héros de pacotille sur fond de décor de bosquets ou parterre de jardin public Ce rideau de verdure sera l'ère de jeu de ces personnages qui se métamorphosent à vue, discutent, se perche sur un portique audacieux pour mieux incarner trois clones burlesques de Marguerite Duras qui refont le monde et cause comme l'auteure!Une chenille costumée fait irruption en rampant, bestiole qui parle du haut de la haie buissonnante comme un humain, image poétique et politique du monde en chrysalide: les reflets du sol réfléchissants ombres et déplacements avec audaces plastiques!Trois cabarettistes en robes scintillantes, travestis de chez Michou qui font du manège tournant en chantant des mélodies en allemand, trois vers de terre en collants moulants très seyants pour une permaculture engagée et toute nue, toute crue: encore quelques tableaux ou saynètes désopilants au programme de ce show très chaud, music-hall grotesque et décapant en diable!Le Monte Verita convoqué pour mieux danser libre et sauvage, libéré et galvanisé par tant de diversité et de carambolages!Un papillon-Franck Saurel- qui se fait très diablotin à la Mélies pour mieux butiner de la métamorphose, et voilà l'esprit des lieux que nous propose ce triolet fort sympathique et distancé, détaché et plein de réserve polie et maniérée. Ils-elles sont formi-formi-formidables tout le long de cette vie de polis petits chiens qui est loin d'être un long fleuve tranquille!


Jonathan Capdevielle, Marco Berrettini et Jérôme Marin réunissent pour la première fois leurs univers distincts dans lesquels la danse et le chant sont souvent convoqués pour interroger, à leur manière, la fragilité humaine. Ici, des personnages de cabaret en fin de vie ou de carrière, abîmés, mal-aimés vont enfin vivre une seconde chance : une Whitney Houston au bord de l’implosion côtoie une Marguerite Duras qui prône la destruction de Tout (Détruire dit-elle). Une Marlene Dietrich sur une aire de jeux d’enfants croise un cascadeur professionnel qui brûle en fond de scène. Ca brille, ça chute, ça se récupère, bref, ça promet d’envoyer des paillettes.
 
Dans le cadre du festival d'Automne au Théâtre de Gennevilliers jusqu'au 15 Décembre

"La fée lumière" : l'ensemble les Apaches! rend hommage à Loie Fuller au Musee d'Orsay


La Fée Lumière · Julien Masmondet, direction ; Ensemble Les Apaches !

Orsay en scène-
Le 16 décembre 2021
Julien Masmondet

Julien Masmondet et l'ensemble Les Apaches ! nous plongent dans la première époque, naïve, poétique et onirique de la musique à l’écran, avant le cinéma sonore, avant même les premières partitions écrites pour les longs métrages muets.

Autour de la figure mythique de Loïe Fuller, qui contribua à inventer le nouveau langage de la danse dans son rapport à l’image et à la lumière, Julien Masmondet et ses Apaches, qui nous avaient offert un #OrsayLive à l'occasion de l'exposition « Les origines du monde », oseront le dialogue avec de vénérables bobines. Les jeunes musiciens convoqueront l’un des premiers grands cinéphiles, Claude Debussy, auquel répondra un jeune compositeur de 35 ans, Fabien Touchard.

Suit un concert de l'Ensemble Les Apaches, florilège de musique de Debussy et Fabien Touchard dont une création mondiale: "Loie pour ensemble instrumental" de 2021. Un hommage subtil aux virevoltes et compositions chorégraphiques de la danseuse, fort judicieusement inspirées des torsades et surprises visuelles des sculptures mouvantes. Debussy siégeant ici en maitre de la fluidité, du monde aérien des toiles-tenture-tissu, vêtement de performance de la fée Lumière! Concert d'un seul tenant, sans interruption d'un morceau à l'autre, obéissant à la continuité des effets de manche de la Loie Fuller, flux continu d'effets visuels sidérants. Des improvisations au piano très pertinentes de Fabien Touchard en osmose avec des projections des films d'archive de l'autrice, colorisés de sa main, ou d'autre films de ses imitatrices, ou caricatures, celles qui cherchaient à "imiter sans jamais égaler"! Mélies, Les Frères Lumières, Alice Guy ou Segondo de Chomon se glissant dans ce programme et montage d'images très judicieux rythmiquement, toujours fidèle au mouvement incessant et lumineux de notre fée électricité!

direction  julien masmondet

Danse live et concert-images structurant une soirée inoubliable où "les fées sont d'exquises danseuses", feux d'artifice ou feux follets pour toucher au mythe Loie Fuller sans en faire un mausolée, ni un hommage muséal! La performeuse industrieuse en aurait été honorée et touchée de plein fouet, de notre temps toujours, femme, pionnière et lumineuse.

Au Musée d'Orsay le jeudi 16 Décembre dans le cadre de l'exposition "Enfin le cinéma!"


 

Au programme

  • Fabien Touchard Danses serpentines (2021)
    • Improvisations au piano sur la projection de films des Frères Lumière, Alice Guy, George Méliès... Plusieurs virgules au cours du concert entre chaque œuvre musicale
  • Claude Debussy
    • Quatre Préludes extraits du 1er Livre (1909-1910) pour ensemble instrumental ; création d’une nouvelle orchestration commandée à Bruno Gousset
      • Danseuses de Delphes
      • La Fille aux cheveux de lin
      • Danse de Puck
      • Voiles
    •  Danses sacrée et profane (1906), pour harpe chromatique avec accompagnement de cordes
  • Fabien Touchard 
    • Loïe (2021) pour ensemble instrumental (9’30), Création mondiale
  • Claude Debussy
    • Trois Préludes, extraits du 2nd Livre (1910-1912) pour ensemble instrumental ; création d’une nouvelle orchestration commandée à Bruno Gousset
      • Les fées sont d’exquises danseuses
      • La Terrasse des audiences au clair de lune
      • General Lavine - Excentric
  • Florent Schmitt 
    • Danses extraites de La Tragédie de Salomé (1907) pour ensemble instrumental
      • Danse des perles
      • Les enchantements sur la mer
      • Danse de l’Acier
      • Danse des éclairs
  • Claude Debussy
    • Feux d’artifice, prélude extrait du 2nd Livre (1912) pour ensemble instrumental ; création d’une nouvelle orchestration commandée à Bruno Gousset
  • Fabien Touchard 
    • Epilogue : Feux follets (2021) pour ensemble instrumental ; création mondiale

Ensemble Les Apaches !

"Soirée Loie Fuller" au Musée d'Orsay: La vie dans les plis, sur la toile et en portées ! L'effet Lumière !

 Loïe Fuller dansant avec son voile (en 1897), Taber, Isaiah West

Isaiah West Taber, Loïe Fuller dansant avec son voile (en 1897)
musée d'Orsay
©RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

Nuages, calices, papillons, flammes... Les métaphores et comparaisons pour traduire les formes déployées sur scène par la danseuse américaine Loïe Fuller (1862-1928) ne manquent pas. Vêtue de robes amples articulées par des baguettes, elle a eu l'idée de créer une danse serpentine où ses jeux de voiles, illuminés par des projecteurs électriques aux couleurs changeantes, dessinaient sur scène des arabesques spectaculaires. Loïe Fuller inspire encore : la chorégraphe et plasticienne Ola Maciejewska d'une part, et Julien Masmondet avec ses Apaches d'autre part, lui consacrent cette soirée du 16 décembre organisée à l'occasion de l'exposition « Enfin le cinéma ! »


Elle apparait en marchant, ferme allure décidée et franche, pose un tissu jaune au pied d'une toile gigantesque et académique puis repart vers la "Danse" de Carpeau, déposer une autre pièce à conviction: un long tissu noir: belle symbolique entre les deux oeuvres: une sculpture classique monumentale qui fit parler d'elle en son temps d'érection au pied du Palais Garnier, et la figure désormais légendaire de Loie Fuller, mythique libératrice des us et coutumes ancestraux liés à la danse: on sait combien elle inspira de sculpteurs, de Rodin, Roche, Rivière à,Carabin, d'affichiste comme Cheret ou Lautrec Mais avant tout performeuse et pionnière du genre danse plasticienne!
 
photo sophie crepy

Ola Maciejewska s'attelle à brosser un portrait vivant, scénique de cette égérie, en endossant cette enveloppe structurée de deux baguettes mobiles pour prolonger les bras et ainsi obtenir des effets singuliers de volutes, spirales et autres mouvements qui prendront noms de "danse serpentine". Danse du lys ou du papillon dont elle détesta les ressemblances figuratives à l'époque! Voici donc une jeune femme en jean et baskets colorées, cheveux défaits qui étale religieusement son immense tissus noir aux pieds des sculptures avoisinantes: longue installation précautionneuse et rituelle, agençant les plis soigneusement pour s'en faire un habitacle circonscrit et fort esthétique.Elle s'empare de cette enveloppe, seconde peau aérienne, détachée de son corps pour commencer ses évolutions lentes et progressives: de battements de bras, à oscillations précises, d'envol à repos de cette toile de lumière noire qui s'ébat devant nous. Mouvements donnant lieu à des formes surréalistes très composées, structurées qui sembleraient naitre du jeu du hasard mais point du tout: tout est organisé en savantes prises sur le tissu pour le dompter, l'apprivoiser, le dominer: quel talent et quelle précision dans toutes ses décisions mouvantes, opérant pour créer des images inédites et fortes, de corbeaux, de sculpture à la Germaine Richier ou à la Zadkine....C'est très esthétique et dramatique à la fois, conduisant le regard vers ses déplacements fréquents au sein de la nef du musée. Le public la suit, la dévore des yeux dans cette proximité opératoire !Ballet optique où le corps disparait dans les torsades et les replis de sa toile vivante tel que l'imaginait Severini ou Balla de l'école du futurisme italien.

photo sophie crepy

Ivresse des tensions-détentes, des torsades et autres magnifique déploiement de son tissu noir. Architecture mouvante, petit théâtre corporel qui se déplace, nomade et vagabond, enjôleur ou terrifiant, diabolique ou enrobant... Le corps de la danseuse au visage impassible, neutre et fascinant de détachement émotionnel, réapparait pour endosser une seconde peau, jaune vif qu'elle fait vibrer, bouger, osciller à l'envi. Entre habitacle, costume à danser, architectonique du hasard maitrisé.Sa silhouette s’efface, disparait ou s’érige en sculpture triomphante, sans socle, de plain-pied, comme un Rodin mouvant, figure charnelle malgré les plis et ondulations du tissu sans couture ni raccord qui la lie à son corps.Prolongations de ses bras, les baguettes virevoltent dans une furieuse énergie revendiquée et assumée. Un tableau vivant mouvant, tel les films sur Loie Fuller que nous verrons plus tard dans le spectacle musical associé à cette performance inédite et si bien à sa place au Musée d'Orsay: une kiné-danse inédite de haute voltige!


Suit un concert de l'Ensemble Les Apaches, florilège de musique de Debussy et Fabien Touchard dont une création mondiale: "Loie pour ensemble instrumental" de 2021. Un hommage subtil aux virevoltes et compositions chorégraphiques de la danseuse, fort judicieusement inspirées des torsades et surprises visuelles des sculptures mouvantes. Debussy siégeant ici en maitre de la fluidité, du monde aérien des toiles-tenture-tissu, vêtement de performance de la fée Lumière! Concert d'un seul tenant, sans interruption d'un morceau à l'autre, obéissant à la continuité des effets de manche de la Loie Fuller, flux continu d'effets visuels sidérants. Des improvisations au piano très pertinentes de Fabien Touchard en osmose avec des projections des films d'archive de l'autrice, colorisés de sa main, ou d'autre films de ses imitatrices, ou caricatures, celles qui cherchaient à "imiter sans jamais égaler"! Mélies, Les Frères Lumières, Alice Guy ou Segondo de Chomon se glissant dans ce programme et montage d'images très judicieux rythmiquement, toujours fidèle au mouvement incessant et lumineux de notre fée électricité!

direction  julien masmondet

Danse live et concert-images structurant une soirée inoubliable où "les fées sont d'exquises danseuses", feux d'artifice ou feux follets pour toucher au mythe Loie Fuller sans en faire un mausolée, ni un hommage muséal! La performeuse industrieuse en aurait été honorée et touchée de plein fouet, de notre temps toujours, femme, pionnière et lumineuse.

Au Musée d'Orsay le jeudi 16 Décembre dans le cadre de l'exposition "Enfin le cinéma!"


dimanche 12 décembre 2021

Récital Schubert-Chopin avec Alexandre Tharaud : romantique et lumineux, virtuose et généreux!

 


Le premier préfigure le romantisme germanique. Le second incarne le romantisme parisien. L’un et l’autre fréquentent les salons, partagent leur musique loin des grandes salles de concert. Tous deux ont confié au piano leurs états d’âme. 

 Franz Schubert
Impromptus, op. 90 et Rosamunde D.797 (extrait: Andantino)

 Schubert compose une première série de quatre impromptus durant l’été 1827. D’une liberté proche de l’improvisation, ils sont lyriques, fluides, limpides, charmeurs, et laissent parfois transparaitre l’inquiétude d’un homme jeune à qui il reste moins d’un an à vivre. La musique est tranchée, forte et puissante sous les doigts du pianiste virtuose qui passe de l'allégresse  à la tragédie avec une aisance et un ressenti incroyable. Sonorités résonnantes et heureuses, fugaces comme ce sentiment de vie et de mort qui accompagne la ligne éditoriale de ce récital.

Frédéric Chopin
Sonate n°2 « Funèbre »

 Au cours de l’hiver 1839, alors qu’il revient d’un voyage décevant à Majorque avec George Sand, Chopin écrit sa deuxième sonate autour d’un mouvement préexistant, une Marche funèbre. Ce moment terrifiant est le point culminant d’une œuvre grandiose dans laquelle il transcende la nostalgie de l’exil et les inquiétudes dues à une santé fragile. Il dévoile aussi des instants poétiques et lumineux. Écrire de la musique pour évoquer la mort, le rapport à l'au-delà, fut l'intention de Chopin: une mort incarnée par l'âme qui s'élève vers les cieux, plutôt qu'une musique "funèbre", entre un passé enchanté et un présent  sombre, un futur qu'on imagine dramatique.

  Dans une belle et élégante scénographie-lumière à la Hans Hartung ou Raoul, tracés vifs de sillons bruns lumineux Ubac ces deux monuments du répertoire pianistique sont magnifiés par Alexandre Tharaud, en résidence à l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg cette saison. Et ce sont trois morceaux que nous offre ce merveilleux pianiste en rappel: "La liste de Schindler" de John Williams, la danse des sauvages des "Indes Galantes" de Rameau" et une "Sarabande en ré mineur" de Robert De Visée.

  Cité de la musique et de la danse - Auditorium dimanche 12 Décembre 17H

jeudi 9 décembre 2021

"Quai Ouest" : Fak'e news ! Hangar de la peur et du rachat des corps étrangers.

 


Koltès situe l’action de la pièce dans une zone portuaire abandonnée. Un administrateur de biens, Koch, conduit en Jaguar par sa secrétaire Monique, choisit cet endroit pour mourir. Il se jette à l’eau, mais le voilà aussitôt repêché par Abad, être silencieux et secret. Dans ce lieu en marge de la société, Koch et Monique se retrouvent exposés à des individus déclassé·e·s, étranges êtres de la pénombre : Charles, sa sœur Claire, leurs parents Rodolphe et Cécile, et un certain Fak. Cette pièce interroge les rapports sociaux, le désir (de reconnaissance) et le devenir - adulte. Ludovic Lagarde, rompu aux écritures contemporaines, propose d’explorer le continent koltésien d’une langue dense et raffinée qui sonne comme une tragédie de la mondialisation et du déracinement.

Le décor est planté, sombre, hostile: deux hangars , murs noirs et lisses justes ajourés de fenêtres aux bords carrés qui laissent filtrer un peu de lumière...Des hommes en seront les habitants, errant au gré de l'onde, de l'ombre, jouant au yoyo, ce jouet qui laisse de l'espace et du temps à celui qui en joue....Jungle où échoue Maurice, Laurent Poitrenaux, méconnaissable instrument déchu d'une société bourgeoise. Voeux d'en finir avec son sort pathétique, longue gabardine pour futur linceul.Monique le rejoint, elle aussi en perdition, victime d'un sentiment de peur extrême...Tailleur seyant moulant son corps, c'est Christèle Tual qui s'y colle et confirme la solitude et le désarroi social. Ici tout s'achète semble croire nos deux anti-héros: le danger à quel prix l'acheter pour en sortir: espèces, carte bleue, montre pour appâter un autre monde qui feinte d'ignorer ou mépriser ces façons de faire "illégales" et trompeuses. Ici toute une population se rejoint pour conjurer le sort d'une vie décousue et morbide, pourtant tissée de liens familiaux ou d'appartenance rassurante à une même classe sociale. L'atmosphère est "glauque" et prenante, tendue, soutenue par une scénographie d'enfermement , jusqu'à ce volet de garage en ferraille qui occulte espace et promesse de fuite, d'ouverture...Seule la mer en images grand écran sera espoir et perspective: mais autant de calme que de menaces. Sirènes de bateau, éclats de salves, tempête et pluie battante pour cette météo du désastre qui prend aux tripes et galvanise ce petit peuple errant, malmené, tanguant au gré des mots, des aveux. Le texte est d'emblée palpitant et édifiant, musical comme structuré d'alexandrins à pieds versatiles et incertains.Prose cependant qui tient et soutient des personnages fragiles mais humains, sordides ou solidaires, odieux, agaçants autant qu'attendrissants...Quai Ouest au départ d'un voyage impossible, escale d'un cabotage qui mène droit dans l'obstacle de l'incommunication...Si boire du café fait grandir et se prendre pour un adulte, alors tout est simple et facile. Et nos héros de méditer à bras le corps,celui de la "marge", des exclus de ce monde naissant de la finance et de ses abus sociaux économiques.Voyou ou trader, ils sont promus , promis à la fatalité d'un monde en marche qui les oublie et les laisse sur le pavé: sordide et implacable portrait d'une société décatie, déchéante. La pièce est forte, sensible, l'empathie avec cette population hybride ne cesse de grandir tout au long de son déroulement, captivant, obscur, saisissant...On s'y jette à l'eau avec ou sans espoir de repêchage !


Révélé par Patrice Chéreau dans les années 1980, mort du sida en 1989, considéré comme un auteur classique, Bernard-Marie Koltès laisse une œuvre publiée aux Éditions de Minuit, traduite et montée dans le monde entier. Ancien directeur de La Comédie de Reims (2009-2018), Ludovic Lagarde dirige aujourd’hui la compagnie Seconde nature. Il a présenté au TNS Providence et Le Colonel des Zouaves, textes d’Olivier Cadiot, incarnés par Laurent Poitrenaux, acteur associé au TNS.

Au TNS jusqu'au 16 Décembre

dimanche 5 décembre 2021

Sol' Air ! Vertige de la lumière en apesanteur: Strasbourg, capitale d'une énergie solaire, plexus offert à la vie !

 


🕯🌟La tradition veut qu'une bougie de l'Avent soit allumée les 4 dimanches précédant Noël. Venez-vous laisser porter par la magie de Noel et profiter de ce moment chaleureux en découvrant chaque samedi un nouveau spectacle qui fera la part belle à la lumière.
 

 
Sol'Air
・Compagnie MOTUS MODULE
・Compagnie LA SALAMANDRE
Animation artistique, lumineuse, incandescente et précieuse!
« Ces artistes du feu et de l’air se donnent rendez-vous entre ciel et terre pour un dialogue de danses rituelles et de ballets en apesanteur. Il est question de femmes et d’hommes, de leurs désirs, de leur contradiction, des détours où les élans se portent, de toutes les facettes de l’amour, de l’attraction à la transcendance ».
Magnifique prestation aérienne, circassienne dans l'éther d'une nuit de décembre peuplée d'étoiles traçant un chemin lumineux le long des berges de l'Ill à Strasbourg.Magie des transports aériens nimbés de reflets dans les eaux du barrage: on frémit, on tremble aussi face à ce risque, ce danger potentiel assumé par les artistes des deux compagnies en suspension, en équilibre-déséquilibre constant au dessus de nous.Une lune grandeur nature, axe de curiosité de deux vélo-cyclistes de la nuit.Un couple suspendu à un fil qui tangue et oscille dans la lumière éclatante.C'est beau et onirique, captivant, tenant en haleine et en apnée un public chaleureux, surpris et enchanté! Instants de rêverie en suspension dans nos imaginaires galvanisés par ce vent de folie et de poésie constantes. Loin du sol mais pas du coeur, au bord des étoiles, caressant l'air, fendant l'atmosphère de leurs gymnopédies gracieuses et instables.
La compagnie Motus-Module initiée par Brigitte Morel développe ici son travail de recherche sur tous les possibles de la danse en apesanteur, d’inventer de grand modules aériens, de créer un langage chorégraphique entre terre et ciel ou tout espace est sujet de dialogue.

La compagnie est composée d’artistes danseurs-chorégraphes ou techniciens rencontrés au fil des années et des aventures professionnelles, les genres artistiques et les modes d’expressions sont mis à profit par cette équipe de créateurs, dont l’adaptabilité aux différents événements, aux différents espaces urbains, aux différents sujets traités est leur atout, leur force.

Au départ au Square Louise Weiss et spectacle sur le barrage Vauban le dimanche 5 Décembre 18H

vendredi 3 décembre 2021

"Lueur boréale":immersion dans le grand nord, boussole au diapason !


Alexandre Taraud fait ses "aurores boréales" ! 

 Des étendues enneigées et des sonorités folkloriques évoquant le halling, une danse populaire norvégienne : le Concerto pour piano écrit par un Grieg de 25 ans est nimbé de la lumière du grand Nord. Cette page n’en possède pas moins des accents romantiques schumanniens, installant un lien avec l’ouverture d’Hermann et Dorothea où retentit une reconnaissable Marseillaise ! Elle entretient aussi un dialogue avec une autre partition de jeunesse : l’impétueuse Symphonie n°1 de Sibelius. Si l’œuvre est à la croisée des chemins, possédant des influences venues de Bruckner, Dvořák, Borodine et surtout Tchaïkovski, l’art éminemment singulier et subtil du compositeur finlandais y est déjà perceptible. 

Schumann "Ouverture de Hermann et Dorothea"

 Aux accents de la Marseillaise, voici une oeuvre puissante en vagues successives, tout en souplesse et nuances.Emphase et puissance de flux pour un thème repris du célèbre chant révolutionnaire, par fragment et mesure, faisant de cette "modeste" mélodie, une symphonie colorée et changeante, comme un leitmotiv en retour, chargé de modifications savantes.Une adaptation" qui s'envole vers la fantaisie rigoureuse, des envolées, transports ascensionnels ou sensible et lente évocation alerte d'une mémoire vivante. 

Grieg "Concerto pour piano en la mineur"

 Œuvre au succès jamais démenti, le Concerto de Grieg fut composé en 1868 par un jeune homme de 25 ans. Virtuose et lyrique, il est conçu dans un style austrogermanique, mais incorpore aussi des éléments de folklore norvégien. On explore l’identité multiple et les caractéristiques de cette partition fascinante, plus mystérieuse qu’il y paraît.

C'est Alexandre Tharaud qui s'en empare, nerveux, efficace dans la célèbre introduction: l'osmose entre piano et orchestre se construit vaillamment dans des phrasés altiers, nobles et très élégant. Comme le jeu du pianiste, doigts déployés et vrillés, plexus offert en fin de phrase à l'adresse de l'orchestre, retiré des bras et recul pour mieux embrasser la musique.Frémissement des cordes, lente introduction du piano en préambule, caresse et coups de pattes félins sur le clavier, pelote et pulpe des doigts au travail, c'est un régal de voir jouer ce démiurge pianiste...Des paysages aériens se détachent de la partition, étendues, enveloppantes face aux soli virtuoses du piano: la grâce incarnée! Vibrations et scintillement de la composition où l'intrusion des cordes immergées donnent naissance à une rencontre mystérieuse entre tous les pupitres.On reste immergés, submergés dans ce premier mouvement allègre. Puis comme pour un choeur vocal, les étirements des cordes chantent, créent un immense espace sonore, étiré, plan, horizontal.Plus bondissant par la suite par l'amplification des volumes sonores, un effet de puissante, une masse sonore nait, nuancée, modulée faisant place à une chevauchée sonore relayée par chacun des pupitres.Méandres enroulés, serpentant, fluide vers l'estuaire de la composition.Suspens et montée en puissance retiennent leur souffle et le notre, comme une danse indolente pianistique, la présence de Tharaud se fait indispensable autant qu'invisible.Une signature gestuelle toujours comme figure de proue d'une gestuelle singulière, fascinante....Un épilogue fameux pour conclure et refermer cette oeuvre magnifique écriture enivrante.On ne pas pas quitter le maestro du piano comme cela: à deux reprises, il nous rejoint, seul pour exécuter un solo vertigineux, beau joueur, puis la version pianistique de la danse des sauvages des Indes Galantes de Rameau: élégance baroque enjouée, sauvage et épurée: un régal généreux, partagé et une ovation pour l'artiste! 

Sibelius "Symphonie n°1 en mi mineur"

 Clarinette en solo et grosse caisse pour introduction, pour ouverture à une atmosphère rare et secrète, intime qui ne durera pas!La globalité de l'orchestre enchaine après un silence radieux: vagues et valse hispanisante ponctuées de tourbillons, spirales ascendantes, envolées sonores.La discrétion de la harpe réussissant à enrober les cordes pour un voyage à vive allure, symphonique.Galop, chevauchée directe, droite, cap au port;en précipitations fulgurantes. Initiatrices de surprises et rebonds multiples: évoquant le flux et le reflux marin, ondes qui se répandent soutenues par l'énergie de la direction du chef d'orchestre Aziz Shokhakimov.Rapidité et vitesse hallucinantes comme apogée, au zénith de la composition.Dans cette ère de jeu aérienne, quasi hispanisante, des envolées gaies et joyeuses donnent le ton et l'atmosphère.Un ciel qui se recouvre, menaçant aussi dans un suspens grandissant!Les flûtes traversières comme relais, les cordes en tuilage judicieux, discret pour faire avancer rythme et cadences.Des bribes de harpe dans ce magma intense surgissent, des éclats et jaillissements sonres donnent le ton et l'envergure de l'oeuvre gigantesque fresque sonore.Des bourdonnements sourds de la grosse caisse dessinent un paysage cinématographique sur grand écran à 360° ! 

Et l'on clôt la soirée en bis, par "La valse lente" de Sibélius, histoire de calmer l'ambiance et de rêver à des transports légers pour se rendre dans la nuit aux lueurs boréales.... 

Vendredi 3 décembre, à l'issue du concert Lueur boréale Salle de répétition, Palais de la Musique et des Congrès une expérience originale propice à la rêverie a été proposée à l'issue du concert.. Elle a rassemblé autour d'Alexandre Tharaud le directeur musical et artistique de l'Orchestre Aziz Shokhakimov, le violoncelliste Jean-Guihen Queyras, le comédien Gilles Privat ainsi que Salomé Mokdad, harpe solo de l'Orchestre. Plongés dans une quasi obscurité, les spectateurs ont été  conviés à un moment méditatif et poétique dans un cadre intimiste. 

frantisek zvardon aurores boréales

 

"Antigone à Molenbeek et Térésias" : deux monologues sans langue de bois!

 


Antigone à Molenbeek
Nouria, une étudiante en droit, qui vient au poste de police réclamer la dépouille de son frère parti rejoindre les rangs de Daech et mort dans un attentat suicide. C'est "Antigone" qui une heure durant va façonner son monde: celui d'être la sœur d'un jihadiste mort dans l'attentat suicide qu'il a commis: situation d'aujourd'hui au regard du personnage légendaire et mythique. C'est Ghita Serraj qui s'y colle, une Nuria douce et aimable, résolue et avec qui une empathie se tisse au fur et à mesure: longue chevelure noire, présence impressionnante et convaincante figure de l'inhabituel, de l'étrangeté de son sort.Destin qu'elle franchit en compagnie de quatre musiciens "virtuels" gravés en vidéo sur des panneaux grandeur nature: c'est bluffant et la simultanéité de leur jeu avec la musique et le jeu de l'actrice sont des éléments virtuoses de mise en scène. Son visage en gros plan, ses yeux écarquillés, la douceur feutrée de sa voix, tout concourt à nous guider dans son cheminement Le quatuor Debussy se jouant des poses, des silences, des image surdimensionnées ou rétrécies...Chostakovitch au poing sur le bout des cordes Intime confession et aveux d'une femme livrée à elle même face à une justice réinventée Le frère et sa filiation et adhésion sans limite de compréhension: sa rage est vitale et sa situation cornélienne, supplice et douleur, souffrance et sacrifice. C'est beau et prenant, tendu et les dessins qu'elle esquisse sur deux cadres de verre diffusent le flou, la confusion existentielle de cette héroïne légendaire méconnaissable Antigone d'aujourd'hui. Les praticables qui la soutiennent en décor et scénographie tectonique tracent et limitent son champ d'action et l'enferment malgré elle dans le carcan du destin tout tracé, comme dans celui de Stephan Hermans, dramaturge.

Tirésias

Un adolescent qui d’homme devient femme, puis prophète aveugle qu’on ne veut pas entendre. Dans le monologue de Kae Tempest, poetesse, se dresse derrière ce portrait d’aujourd’hui une silhouette antique de Tirésias.C'est la pièce suivante de cette soirée Cassiers: Valérie Dréville sera ce personnage d'apparence féminine dont elle garde la douceur, la malice et la tendresse.Dans le même décor elle évolue en phase avec les quatre musiciens sur panneaux-vidéo, se reflète dans les images vidéo simultanées, se dédouble et sème le trouble. Voix enjôleuse et sereine, assurée, attitudes et postures confiantes, très chorégraphique Habitée judicieusement de moult émotions et sentiments , musicale aussi, en dialogue permanent avec la musique.Elle malaxe son destin dans un réceptacle de farine, ses bras s'allongent en gros plan-vidéo comme une plage qui oscille...

Quoi de commun entre ces figures, ancrées dans le présent politique comme dans le passé mythique ? Une voix du refus d’un ordre étouffant, des assignations identitaires, culturelles, sociales, sexuelles, celle qui affronte le silence froid de l’institution en affirmant la nécessité vitale de l’empathie. Celle qui oppose un « je veux » à un « tu dois ». Guy Cassiers nous fait entendre ces paroles en miroir, dans un spectacle qui fait se rejoindre la technologie visuelle et la musique de Chostakovitch, enregistrée par le célèbre Quatuor Debussy.. Un diptyque qui est bien plus qu’une simple actualisation de la tragédie dans le présent : il révèle dans le présent la permanence du tragique.

Au Maillon jusqu'au 3 Décembre

jeudi 2 décembre 2021

"Les petites vertus": ça balance au berceau du "grande" du "piccolo bello" !

 


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LES PETITES VERTUS cie MELAMPO

Inspiré des Petites vertus de Natalia Ginzburg (ypsilon éditeur)

Sur scène trois générations dialoguent : le grand-père, la mère et l’enfant. Dans cette création à destination de la petite enfance, Eleonora Ribis se penche sur la construction du lien parent / enfant. Elle passe ici par un travail autour des mains, symbole de transmission par excellence. Dans un dispositif qui serre le public et la scène comme les bras du parent entourant l’enfant, un tout-petit du public est invité à chaque représentation à participer à la pièce dans un dialogue fait de silence et de mots. Ces derniers, tirés d’extraits de textes de la romancière italienne Natalia Ginzburg, sonnent comme une évocation sensible, une caresse touchant nos oreilles. La metteuse en scène convoque tout un vocabulaire personnel qui touche à la gestualité de l’Italie, puisant aussi dans la langue de signes, sa symbolique dans la peinture, les mudras et les danses orientales.

Dans la salle du Palais des Fêtes, une enclave: une arène en spirale, tout en rond, des parois tissées pour mieux encadrer, protéger, inventer un espace d'accueil propice à la petite enfance...Des praticables à bascule accueillent les corps de nos deux protagonistes : ils tournoient, basculent, la roue tourne et le plexiglas floute les silhouettes. Bercements apaisants, déséquilibre permanent: le premier danger face au monde mouvant? En résonance avec les impulsions, le mouvement se déclenche et respire, flotte. Des sons, voyelles "grande", piccolo" parviennent pour colorer l'atmosphère chaleureuse.Tendresse, bien-être, bien-naitre au monde, enveloppe douillette et joyeuse.Des sons organiques aussi rythment les silences, distribuent l'univers sonore et l'enchante.Un langage en onomatopées, une niche pour un corps recroquevillé, habitacle confortable et rassurant.Ici les deux personnages se taquinent, se chamaillent, avec un beau doigté, du mime et de la simulation de gestes nourriciers.La becquée, relais des sens, du gout, des grimaces et rugissements pour être au coeur de l'univers des enfants.Des jeux d'ombre aussi avec les mains de mudras, un trône pour diversifier l'origine d'un petit discours, des dialogues dans le fauteuil tête à tête des deux comédiens-danseurs.Le langage des signes sourd de leur corps, simplicité des sens en éveil.Une inspection de tout l'espace pour mieux l'appréhender, le reconnaitre! A genoux, au sol, ils touchent, frôlent et balayent la surface de l'ère de jeu.De belles accolades, étreintes et petites manipulations de l'un par l'autre pour égayer le propos.Et la forme concave du berceau pour reposoir et inciter les enfants à s'y risquer! Madone en offrande, piéta, de belles images surgissent, oniriques et poétiques On y picore les gestes de ci de là, on partage la nourriture virtuelle: l'amour et la douceur, à foison! C'est juste et beau, bien dosé et les bambins d'envahir l'espace libéré pour pirouettes et bascules!

Au TJP jusqu'au 3 Décembre 

"Forever" Tabéa Martin : panique aux urgences! Du sang, des larmes blanches....Et la camarde

 


La mort fait partie de la vie, nous le savons. Et pourtant la question de l’immortalité occupe les sociétés depuis toujours. Vivre éternellement, qu’est-ce que ça signifie ? Qu’est-ce qui nous pousse à vouloir entrer dans la postérité ?
 


À travers des dialogues, des jeux et des ateliers, ce sont ces questions que la chorégraphe Tabea Martin a voulu aborder avec des enfants : la façon dont ils s’imaginent la mort, la vie qui vient après ; l’éternité et l’invulnérabilité n’est ici freinée par aucun tabou. Avec naturel et spontanéité, ils interrogent notre rapport à la finitude, notre foi dans le progrès ou nos récits collectifs. Par la plasticité de son langage chorégraphique, tantôt avec un humour radical, tantôt avec finesse et légèreté, la chorégraphe suisse porte à la scène leurs visions, pour les jeunes comme pour les plus âgés. Dans FOREVER, cinq danseurs et danseuses se confrontent avec enthousiasme à une question philosophique. Ludique, sensible, parfois un brin déjanté, le travail de Tabea Martin s’inscrit dans des préoccupations à la fois éternelles et actuelles.

Ils nous attendent sur le plateau, nous contemplent: qu'est-ce qu'ils mijotent ces beaux parleurs vêtus de plastique blanc, seyants,très styliste à la Hussein Chalayan ...Musique répétitive de boite à musique pour nous faire patienter.Torses nus, pieds nus dans un univers de boules blanches suspendues, de bidon de sang et de larmes. Suspens...."Nous restons pour toujours" sera leur leitmotiv, celui d'une tribu soudée, comique en diable, malgré le sérieux affiché en prétexte.La métamorphose comme soucis de réincarnation alors que se détache de ses interventions parlées, la très belle danse solo d'un trublion désobéissant qui n'attend que de se faire remarquer.Chacun simule sa mort rêvée sur fond de musique baroque, déclenchée par la queue d'un renard suspendu comme les sonnettes des femmes de chambre d'autrefois.Implorante en sang, c'est Tamara qui démarre la démonstration de poses de la mort idéale, les autres en feront de même, jaloux du succès qu'elle remporte.Ils ingurgitent des flots de sang, s'en gargarisent, crachent ce venin de la mort, se rient de ce liquide indispensable à la vie , ici sous forme de perfusion joyeuse!Techniciens de surface, ils se cessent d'en effacer les traces pour mieux y revenir...De belles reprises gestuelles en canon à partir d'une proposition d'écriture initiale pour rejoindre l'unisson: la construction chorégraphique se dessine dans ce fatras créatif et ludique. Chacun y va de son caractère et ça fuse à l'envi.Grand bazar participatif et festif, marché de l'horreur ou de la vanité face à la camarde, spectre blanc errant dans les pensées de chacun.Comique d'un ballon qui se dégonfle et sonorise les lieux, sonnettes qui déclenchent l'action et les guide dans leurs évolutions rocambolesques. C'est drôle et pathétique, relevé, insurgé, et pas commode à visualiser tant les propositions sont multiples sur le plateau (méthode Pina Bausch). Le "meurtre" semble les hanter et l'on s'attrape, s'étripe, s'attaque à souhait dans un joyeux désordre. Comme des animaux en guerre, en rut; que la mort est belle quand on est affalé dans son fat-boy à plaisanter sur l'au-delà! Plaisir jouissif et contagieux, alors que d'autres agonisent au sol, épileptique, tétanisé, sidéré. En toutes langues étrangère ou inventées, nos héros de pacotille tissent du bon coton blanc, se sculptent des figures mobiles, des poses très plastiques comme des statues de monument aux mort, à la mort joyeuse !"Regarde, Maman, je meurs" semble suggérer l'une des leurs, alors que l'on s'arrose des larmes de crocodile d'un bidon suspendu comme dans une chambre d’hôpital. Très "clinique" ce white cube,cette blancheur omniprésente qui pardonne tous les péchés au confessionnal de ce passage frontière entre paradis et enfer. Une hétérotopie que ce topic fantasmé des lieux de la faucheuse.(L'hétérotopie est un concept forgé par Michel Foucault dans une conférence de 1967 intitulée « Des espaces autres ». Il y définit les hétérotopies comme une localisation physique de l'utopie. Ce sont des espaces concrets qui hébergent l'imaginaire, comme une cabane d'enfant ou un théâtre.) Puis, tels des zombies sortis d'un film gore, les voici qui nous menacent, nous questionnent: mais ils sont trop "gentils" ces Pieds Nikelés de la danse, trop faussement sûrs d'eux pour nous affoler: attendrissants et fragiles sous une carapace démoniaque ou vampirique....On s'arrose de larmes, on s'alarme en morts vivants, tétanisés.Une fontaine à sang pour s'abreuver régulièrement et toujours pour rythmer les saynètes, ces ballons lanceurs d'alerte qui scandent l'action.On se défoule au final dans une danse vrillée, ondulante, fuyante comme une fugue de Bach, celle qui rythme aussi les fantaisies gestuelles du groupe: petite meute affolée des temps présents qui rebondit toujours de malice et de subterfuge pour conjurer la mort.La retarder ou l'ignorer dans un déni dansant très convaincant.Un homme ballon de baudruche pour mieux en rire et s'éclater, surpris encore et émerveillés par toutes ces trouvailles de mise en scène. Un épilogue burlesque pour clore ce pied de nez, cette gifle salutaire à ce qui nous préoccupe: un rituel d'enterrement pour stigmatiser le monde ou se libérer des traditions expiatoires.Transport en commun qui se déverse plus tard en glissades jouissives dans le sang répandu en épandage fertile en petites folies contagieuses. Peut-on rire de la mort, la maquiller de blanc, la fuir ou la chérir: à vous de choisir selon votre proche convenance. A méditer en tout cas comme Jacques Brel "j'veux qu'on rie, j'veux qu'on danse comme des fous quand c'est qu'on m'mettra dans l'trou"!Tirer sur la queue du renard et la bobinette cherra!Et blanc sur rouge, rien ne bouge, rouge sur blanc, tout fout le camp!

Au Maillon jusqu'au 4 Décembre