"Steal This Performance" , Pauli Patinen : empreintes ou emprunts?

 

On sait que West Side Story est une réécriture de Roméo et Juliette, que Shakespeare lui-même a largement puisé dans des textes anciens, mais peut-être moins que Brecht a « emprunté » son Cercle de craie caucasien à un dramaturge beaucoup moins connu. L’histoire de l’art est une histoire d’emprunts : tel est le constat qui sert de point de départ à Steal This Performance, un spectacle qui porte bien son nom. Dans ce travail de fin d’études mais déjà récompensé par un prix européen, Pauli Patinen nous invite à découvrir la scène comme un cabinet de curiosités rempli de citations théâtrales et performatives. Pas d’hommage cependant, ni de références savantes. Le metteur en scène désacralise au contraire l’idée d’autorité, déconstruit le principe d’authenticité et interroge tant le pouvoir de la création que ce que nous attendons de l’art. Sans aucune ironie, mais avec tout ce qui fait l’art du théâtre : le plaisir du texte, la précision du jeu, mais aussi tous les artifices visuels et sonores qui font du plateau le lieu de l’illusion.

Un rideau rouge de scène....Pour mieux nous dévoiler plus tard une mise en espace extra-ordinaire...En attendant, c'est à une chute vertigineuse devant nous en frontal que l'on va assister. Belle performance d'un personnage curieux et singulier qui va tenir le devant de scène un petit moment pour nous conter fleurette: les aventures d'un imposteur ou d'un simple artiste pétri de références et d'expérience tant d'interprète que de spectateur. C'est à la vue de plusieurs spectacles de référence qu'il s'aperçoit qu'il est une éponge qui absorbe et rejette souvenirs, mémoire corporelle et visuelle pour en faire autre chose: même si parfois la forme en est semblable. Plagiat, imposture, copie, mimétisme ou simplement digestion d'éléments, de matière qui ne se retrouvent plus à l'identique mais transformées, transposées, interprétées? Voici pour la note d'intention de ce curieux gnome en habit de pirate modifié qui enchante la scène et conte avec malice le récit d'aventures du métier. On ne vient pas de nulle part et tout ce qui est engrangé est mémoire et inconscient collectif! Après cette mise en bouche apéritive, on passe aux choses sérieuses: la découverte stupéfiante d'un décor extra-ordinaire, sorte de niche excavée, rectangulaire, suspendue en déséquilibre qui abrite un personnage extravagant, sorte de cuirassier ou de héros de manga japonais. Très belle vision "empruntée" à une imagerie familière, inspirée d’icônes et de héros fantastiques. Tout bascule et tangue, avance et recule grâce à une machinerie très sophistiquée qui hélas ce soir là va manquer à son efficacité et se tromper de rouage. Qu'à cela ne tienne, on saute un tableau, invité à revenir revoir le tout, et voici un autre lutin masqué qui apparait: référence à qui ou quoi? Peu importe si l'on est curieux, la fiche de salle très complète fera le reste à la sortie. Bel exemple de savantes références et d'une culture des arts visuels étonnante. Notre gnome, pirate et autre farfadet s'amuse, se déplace, bouge comme un esprit vagabond parlant de tout, le verbe prolixe mais le fond de l'air reste un peu creux, tant la prétention est forte et la singularité un peu chiche. Tout ce matériel à disposition ne d’éclanche pas toujours du rêve ou de la prolongation d'inspiration. Pillage consenti, vol à la tire, cambriolage ou simple effraction d'oeuvres spoliées, on songe à ce que tous ces moyens déployés auraient pu engendrer. Ici l'agacement ou l'ennui pourraient faire place au merveilleux ou à la philosophie de la copie et de l'inspiration. Pauli Patinen est au bon endroit mais pas toujours pertinent. Alors on y retournera pour voir si la pièce manquante de ce soir là est authentique ou en toc. Histoire d'héritage, de passassions sans le savoir: Isadora Duncan en isadorable pour le clin d'oeil à la danse est drôle et craquant et l'on en restera là. Le sujet est vaste, artistique, juridique -oh les droits d'auteur!!!- et pose de bonnes questions à l'heure des brassages culturels sur le net et par l'IA....Juro Keranen en performeur, copie conforme ou simple "monte en l'air" dérobeur de patrimoine et archive vivante du spectacle et de ses influenceurs..."Voler cette performance"

 

Au Maillon le 12 Novembre dans le cadre du festival "Premières" jusqu'au 14 Novembre

Référence 

Un spectacle que la loi considérera comme mien, créé par la chorégraphe Olga Dukhovna en duo avec la juriste Pauline Léger. Il a été présenté lors du Festival d'Avignon 2025 dans le cadre du programme Vive le sujet ! Tentatives (l'évolution actuelle du dispositif historique Le Vif du Sujet porté par la SACD). 

https://genevieve-charras.blogspot.com/2026/09/violent-delights-dandrea-givanovitch.html 

"Autothérapie , Unbolting Colonial Statues from Our Consciousnessé" de Mackenzy Bergile : fondu au rouge et noir

 

Un corps élancé et ondulant, comme si la colonne vertébrale suivait un cours d’eau : sur un plateau en carré blanc lumineux, cette silhouette fascinante nous invite à plonger, non dans cette mer qu’ont dû traverser 12 millions d’Africain·es déporté·es lors de la traite transatlantique, mais dans des morceaux d’histoire. L’histoire d’un peuple, du colonialisme, mais aussi celle d’une famille franco-haïtienne, qui s’inscrivent dans le corps de Mackenzy Bergile, artiste pluridisciplinaire inspiré autant par la recherche socio-historique que par le spiralisme haïtien. Ainsi, il parcourt un paysage poétique et politique, déroule un fil mémoriel fragmenté qui tresse traumatismes et références culturelles. Au lieu d’une thérapie autocentrée, Mackenzy Bergile se livre à travers mouvements et tableaux, symboles rituels, mots et musiques dans son soi façonné et habité, blessé autant que nourri par d’autres. En se glissant dans différents costumes, il déploie tout un langage visuel et gestuel, vocabulaire surprenant d’une mémoire devenue manifeste.

Un tapis blanc, un barco blanc comme dans un studio d'enregistrement , un navire renversé ou la coupole d'une chapelle, une petite robe blanche au sol et un sublime et profond "Ave Maria" de Schubert en langue allemande...Début prometteur de concentration, de traces et empreintes laissées au sol et il apparait, chapeau de styliste en dentelle en silhouette assise de côté, tranquille laissant le temps de la prière passer. On est en état de méditation, de pause, de sommeil quasi religieux, mystique. Le personnage se lève et ôte ses vêtements pour laisser filtrer la beauté intacte d'un corps façonné par le soin et l’exigence d'un culte du corps travailleur, affiné par la danse, sculpté par un respect et une grande attention à son esthétique. Il sera ici question de corps esclave pourtant, de douleur et de blessure. Rien ne transparait en surface ni superficie de ce drame vécu par le peuple haïtien: l'esclavage forcé et contraint, le travail acharné humiliant et destructeur. Le corps du performeur est un paysage à lui seul où se dessine toute une géographie organique, musculaire: tectonique des déplacements, ondulations du bassin, du buste ou du bas du dos. Incroyable plasticité de la peau, cette enveloppe lustrée, polie, noire et d 'une grande beauté. Un corps d’où sourdent des ondes, des plissements, des courbures de niveau comme une géopolitique en marche, en transformation constante. Tant les plis, les arrondis de la musculation sont fins, dessinés, perceptibles comme une anatomie naturelle, dépouillée d'obstacles, de rajouts ou d'artifices. Loin de l'image d'un corps amoindri, diminué par les taches ingrates d'un quotidien meurtrier et mortel. Les séquences se succèdent dévoilant une gestuelle hors du commun animée par des morceaux de musiques d'époque.. 

Le corps se métamorphose en se glissant dans des vêtements noirs très seyants, colleat et pullover moulant . Toutes les aspérités , volumes et formes apparaissant comme des oeuvres d'art sculptées par le temps. Une étrange façon de bouger les jambes en torsion remarquable, inédite fascine, interroge et surprend. De l’inouï assurément comme un divertissement des membres qui s'adonnent à des jeux de jambes, chevilles, talons indescriptibles. Un moonwalk fabuleux de plus...La présence discrète, forte de Mackenzy Bergile impressionne, touche, renverse les codes du regard tant les gestes et déplacements émerveillent de leur agilité, animalité pourtant hyper contrôlés, domptés, maitrisés. Le spectacle de cet homme créature de rêve incarnant le cauchemar d'un peuple asservi est sidérante, jamais incongrue ni déplacée. L'histoire y fait son entrée par le simple vecteur du corps, passeur d'émotions, de véracité, de simplicité sans discours rajouté. Médium multiple, musical, poétique et passeur authentique d'un pays malmené par le colonialisme: Haiti tel que seul la danse peut le suggérer autant qu'à travers une très belle séquence filmée d'une enfant jouant au docteur réparant le monde. Comme ce personnage recousant le bleu-noir et le rouge de l'Union fait la force. Quand le corps est monde changeant, dos et envergure des bras comme des matières en fusion, bouillonnantes d'énergie cachée.Et la boucle est bouclée avec le retour de l'Ave Maria pour envelopper le propos.

 Au Maillon le 11 NOVEMBRE dans le cadre du festival Premières"

"États", avec la classe de percussion de la HEAR Betsy Jolas, Kaija Saariaho, Agata Zubel : Etat de siège, état de grace.....

 

Concert des Percussions de Strasbourg
Mercredi 4 novembre 2026, à 20h
Théâtre de Hautepierre, 13 place André Maurois, 67200 Strasbourg

Une soirée qui célèbre une nouvelle étape artistique des Percussions de Strasbourg avec l’arrivée de Vassilena Serafimova à la direction, en réunissant plusieurs générations de musicien·nes autour d’un répertoire exceptionnel de compositrices.

Un programme d’1h15 en dialogue avec la classe de percussion de la HEAR :

· Kaija Saariaho (1952-2023, Finlande) – Trois rivières (1994)
interprètes : Cyril Ackerman*, Léopold Lémonon*, Arthur Leplat* et Léo Pignol*· 

C'est dans une lumière éclaboussante en faisceaux convergents que se devinent les quatre silhouettes des interprètes de cette oeuvre atypique de Kaiia Saariaho. Les percussions résonnent dans un triptyque original, forme comme un livre de couleurs, de timbres qui se répondent, s'inventent à l'envi. Les fréquences bruissent comme un flux aqueux, limpides et quasi transparent. Quand les voix des musiciens, chacun dans son rayon de lumière, s'élèvent discrètement, l'ambiance est à une atmosphère sereine, intimiste, secrète comme un murmure à l'oreille.

· Agata Zubel (1978, Pologne) – ⁠Nelumbo pour 4 marimbas (2002)
interprètes : Enrico Pedicone, Vassilena Serafimova, Thibaut Weber, Hsin-Hsuan Wu

Quatre marimba pour enchanter un univers singulier rempli de surprises et de découvertes des possibilités sonres et rythmique de l'instrument. Fort beau de surcroit et joué par des virtuoses du rythme, de ses superpositions audacieuses comme un palimpseste musical inouï. Les instruments se répondent, les interprètes à l'écoute plongent dans une variété subtile de sonorités. Leurs attitudes physiques, le corps engagé en alerte, en alarme de toutes les anticipations possibles.

Betsy Jolas (1926, France-USA) – États (1969)
interprètes : Mario Rocco Ferraro*, Théo His-Mahier, Philippe Lardiere*, Hugo Padie*, François Papirer, Vassilena Serafimova (percussions) & Nina Casati (violon). 

Une violoniste au coeur d'une formation de six percussions n'est pas chose banale et la virtuosité de l'interprète magnifie une composition stricte, état des lieux entre un instrument classique incontournable et des percussions contemporaines sidérantes. Duo ou duel entre le violon et la modernité de la formation musicale convoquée. Qui gagnera de cette rencontre obligée comme un état de fait, un état général, un état d'âme ou de circonstance? Le pari de surprendre est gagné et au final l'instrument légendaire se bat et lutte avec les éléments sonores percussifs.

· CM2 de l’école élémentaire Rosa Parks – Interludes à États (créations 2026)
créations électro-acoustique imaginées par Enrico Pedicone avec les élèves de CM2 de l’école Rosa Parks (Hautepierre) Grâce à cette joyeuse collaboration, le concert prend une dimension humaine et participative inédite. Tels des entremets savoureux, les interventions de ces jeunes musiciens en herbe sont fructueuses, concentrées, sérieuses et pleine de charme. Ils ont entre leurs mains de multiples objets percussifs qui sonnent et tintent comme des matériaux riches de sons inédits. Belle cohésion du groupe, solide, massif et plein de charme.

*Elèves de la classe de percussions de la HEAR

Pour marquer symboliquement son arrivée à la direction artistique des Percussions de Strasbourg, Vassilena Serafimova a imaginé un programme entièrement consacré à trois compositrices majeures de la création contemporaine. Avec Betsy Jolas, Kaija Saariaho et Agata Zubel, ce concert met en lumière des univers singuliers qui ont profondément renouvelé notre écoute du timbre, de l’espace sonore et de la percussion. 

Point d’ancrage du programme, États de Betsy Jolas fut composé en 1969 pour les Percussions de Strasbourg à l’occasion du Festival des Arts de Shiraz-Persépolis, où l’oeuvre était créée aux côtés de Persephassa de Iannis Xenakis. Cette partition emblématique dialogue aujourd’hui avec Trois rivières de Kaija Saariaho et Nelumbo d’Agata Zubel, dessinant un parcours à travers plus d’un demi-siècle de création musicale. 

Ce concert en Live at Home (concert à domicile au Théâtre de Hautepierre) se veut être un projet de transmission et de rencontre. Pour la première fois depuis plusieurs années, des musicien·ne·s des Percussions de Strasbourg partagent la scène avec les étudiant·e·s percussionnistes de la Haute École des Arts du Rhin. Cette collaboration offre un espace privilégié d’échange entre générations, expériences et sensibilités artistiques. 

Entre les oeuvres, des interludes électroacoustiques imaginés par Enrico Pedicone et Vassilena Serafimova inviteront les élèves de l’enseignement primaire de l’école Rosa Parks (Hautepierre, Strasbourg) à une exploration sensible et créative du son, prolongeant ainsi l’expérience d’écoute. Inspirées des pièces du programme, ces créations formeront des passerelles sonores et poétiques, transformant le concert en un parcours immersif où chaque univers nourrit et prolonge le suivant. 

+ prologue dans l’instrumentarium à 19h30.

 

04.11.2026 — Théâtre de Hautepierre, Strasbourg