"Salle des fêtes": Philippe Saire voyage en ballon...

 

Au départ, il y a le souhait de renouveler l’espace scénique avec une proposition scénographique forte. De cette démarche sont nées depuis 2011 quatre pièces au format original, Black Out, Néons, Vacuum et Ether. Salle des Fêtes, structuré en trois actes, est le cinquième volet de ces « Dispositifs ». Assis en cercle sur le plateau, le public est invité au plus près de l’action. Au centre, un disque-couvercle libère des ballons multicolores, gonflées à l’hélium, avec lesquels dansent deux clowns blancs au visage masqué. Leur aspect étrange tranche avec un univers qui évoque irrésistiblement la joie de l’enfance, les divertissements populaires et les factices royaumes enchantés de Walt Disney. Tandis que, reliés à leur structure circulaire, les ballons passent successivement du ras du sol au haut des airs, avant de se poser à nouveau à terre, on s’interroge : ces clones ont-ils pour mission de nous distraire ? Ou bien sont-ils chargés d’incarner, à la façon d’une catharsis, notre inévitable pesanteur humaine alliée à notre besoin inné de légèreté et d’élévation… Se gardant de trancher, Philippe Saire laisse chacun goûter la magie consolatrice d’une chorégraphie teintée de nostalgie et d’humour tendre. En souvenir de l’enfant ravi, tenant la ficelle d’un ballon, qui sommeille en chacun de nous.  

 

Le public encercle l'arène comme au cirque et deux clowns blancs font leur apparition autour d'une sorte de sculpture, couvercle, toile montagneuse mystérieuse; recelant quel secret, quelle surprise? Ils sont masqués, blancs, le latex couvrant le visage et laissant place à tout le langage du corps. Surprise, le "rideau" se lève dévoilant un plafonnier de ballons de fête, de foire, d'anniversaire! C'est donc dans cette atmosphère ludique et salutaire que ces deux escogriffes vont se rencontrer, se poursuivre, se taquiner, se chamailler. Les ballons comme prétexte à entre en contact et ne pas "se lâcher la grappe"! Moment crucial du spectacle: la séquence venteuse et ventilée où l'un s'empare d'une grappe de ballons pour mieux se jouer de l'espace de l'autre et le déstabiliser.Audace de la proximité des corps, de ces faux jumeaux qui se partage la scène. Belle réussite qui enchante petits et grands pour le meilleur de cet opus signé Philippe Saire dans une scénographie originale qui donne le ton à cette "salle des fêtes" fort réjouissante!

 

A la Scène 55 à Mougins dans le cadre du Festival de Danse de Cannes le 9 Décembre

Philippe Saire

Féru d’arts visuels, de théâtre et de cinéma, le chorégraphe Philippe Saire est l’une de personnalités majeures de la scène suisse contemporaine. Avec sa compagnie fondée en 1986, il a créé une trentaine de pièces à la réalisation ciselée, parmi lesquelles Vie et Moeurs du Caméléon Nocturne ou encore Hocus Pocus. Basé à Lausanne, il a reçu en 2004 le « Prix suisse de danse et de chorégraphie » décerné par ProTanz, Zürich, et pour son lieu de travail et de création, le Théâtre Sévelin 36, le Prix spécial de danse 2013 de l’Office fédéral de la culture.

Amala Dianor "Dub" : united colors of Amala : "Voyages!"....

 

Elles s’appellent le whacking, le dancehall, le hell, le jookin, la pantsula. Diffusées via les réseaux sociaux, ces danses urbaines 2.0 sont issues de communautés spécifiques implantées en Corée, Europe, aux États-Unis ou en Afrique du Sud et de l’Ouest. Leurs interprètes, aussi connectés que virtuoses, puisent leur énergie rythmique dans les beats de DJ remixant des musiques traditionnelles ou populaires. Tout en empruntant aux références chorégraphiques de leurs aînés de la génération hip-hop, ils inventent une gestuelle libre et hybride qui inspire Amala Dianor. Le chorégraphe est allé à leur rencontre physique dans leurs différents lieux de vie, accompagné du photographe Grégoire Korganow. Selon le processus d’appropriation de la Dub music, qui distord le reggae acoustique en le mêlant à des sons électroniques, il les a ensuite invités à déplacer et prolonger leurs techniques de danse respectives autour d’un champ commun d’expérimentation, « territoire éphémère conçu comme un espace de rencontre ». Dans le même esprit, le dispositif visuel de la pièce s’inspire des espaces vus sur place, du ballroom collectif à l’appartement privé, tandis que la composition musicale d’Awir Léon se nourrit des influences propres à chaque pratique. De la citation à la (re)-création, un tableau vivant, créatif, jouissif, des danses d’aujourd’hui. 

 

D'amblé le ton est donné: un solo emprunt de bharatanatyam aux esquisses fortes et affirmées. Le danseur livré à son art métamorphosé par toutes les passerelles chorégraphiques de la signature de Amala Dianor. Expression vite rattrapée par celle de ses compères qui viennent envahir le plateau et se saisir de l'espace; son espace propre et celui des autres, partagé, vécu, reçu et écouté à l'unisson. Unis par le son, transportés d'une estrade à l'autre en vagues successives. Ici pas de "meublé" dans les déplacements et gestes mais une écoute et un déploiement d'énergie incroyable, juste et ressentie. Le groupe est soudé, au diapason de la musique live: chacun se "jette", se projette dans sa danse, intègre et singulier. Les horizons de chacun s'ouvrent, se mêlent, se disputent l'espace dans un esprit partageux, fraternel et ludique: ouvert, toujours. Une porte d'entrée auréolée de néons comme entrée et sortie des artistes. Puis c'est le revirement spatial avec l'apparition scénographique d'un véritable immeuble, tranche architecturale qui rend visible simultanément cinq facettes d'une danse scénographiée pleine d'audace, de risque de danger aussi. Tranche de vie, tranche de cake ou pièces détachées d'un immeuble où chaque pièce recèle son histoire de corps, de horde, de meure bigarrée. Une partie de bonheur partagé où chacun excelle en mouvement ondulatoire, en course poursuite, en déroulé haletant et ludique. On se traque, on se chamaille on s'écoute et se répond franchement au delà des différences, des origines, des styles de danse. Amala Dianor réussit à fédérer des hommes et femmes de tous horizons et ce voyage-paysage est esquisse éphémère et joyeuse de rencontres fertiles. Les couleurs du temps s'y fondent allègrement et l'énergie surgie de toute part fait mouche. Dans cette habitation architecture offerte au regard, la vie va bon train en bonne compagnie. On y partage autant que l'on y donne et reçoit et l'écriture de cet opus est forte et puissante. Pas de concession dans la grammaire, la syntaxe de cette tour de Babel jubilatoire, offerte au regard comme une devanture de boutique fantasque de l'humanité, recomposée, famille d'adoption au creux de la vraie filiation. La danse sans nul doute, à tout prix et de toute urgence pour vivre.Les néons, les couleurs pour magnifier l'union qui fait la force de cette pièce du déjà très beau et bon répertoire du chorégraphe. Amala Dianor comme un berger, un guide, un meneur de jeu, un arbitre des différences d'une grande maturité.

Le dub tire ses rythmes et mélodies du reggae, mais modifie le son en utilisant des trucages électroniques et de l'écho. Ce "DUB", c'est un genre musical de la culture underground, des free party et du clubbing.Dans ces antres on y retrouve des ambiances colorés et festives, des pièces gorgées de rouge et de bleu, qui débordent d'énergie.Nicolas Tallec s'inspire de ces lieux qu'Amala Dianor, chorégrahe de DUB, a visité pour nourrir cette création. Avec en prime une séquence voguing fort prisée...

 

Au Théâtre Debussy Palais des Festivals de Cannes dans le cadre du Festival de Danse de Cannes

 le 9 Décembre

 

COMPAGNIE AMALA DIANOR
Après un brillant parcours d’interprète, Amala Dianor a créé en 2012 sa compagnie Kaplan. Depuis son solo Man Rec en 2014, où il explorait ses origines africaines, à The Falling Stardust (2019) pour neuf danseurs contemporains et classiques, ou Emaphakathini (2022) pour les Via Katlehong, il hybride avec bonheur formes et styles entre le hip-hop, sa terre artistique d’origine, et le contemporain – il a été formé au Cndc d’Angers. En 2021, il a également réalisé les courts-métrages CinéDanse avec Grégoire Korganow.

Michèle Noiret : "l’œil, l’oreille et le lieu ": l'orpailleuse et l'insecte : un manifeste éco-chorégraphique plasticien de toute intelligence

 

l’œil, l’oreille et le lieu

Création 2022
Pièce de danse-cinéma pour 2 interprètes
Conception et chorégraphie : Michèle Noiret
Créée avec et interprétée par : David Drouard et Sara Tan
Création vidéo : Vincent Pinckaers, Aliocha Van der Avoort
Images 3D : Romain Lalire

« Quelque chose s’est perdu, on n’y voit rien, on n’y entend rien… » annonce Michèle Noiret. Ce quelque chose disparu, ce sont les insectes. L’artiste imagine un futur où la plupart de ces minuscules mais indispensables créatures n’ont pas survécu aux dérèglements environnementaux provoqués par l’homme. Seuls quelques lieux dédiés, permettant de convoquer la mémoire et l’inconscient collectif, offrent la possibilité de sensibiliser au monde d’avant ceux qui ne l’ont pas connu. Et d’espérer, peut-être, le voir renaître un jour… Sur cette trame dystopique, la chorégraphe déploie une écriture scénique nourrie de toutes les ressources technologiques de la danse-cinéma, art dans lequel elle est passée maître. Effets visuels, jeux de lumière et musique futuriste de Todor Todoroff transforment le plateau en un laboratoire d’anticipation. Se filmant en direct à l’aide de smartphones, les interprètes, Sara Tan et David Drouard, se prêtent à diverses expériences sensorielles. Sur l’écran, leurs vidéos alternent avec celles d’insectes démesurément agrandis, dont les mouvements et les postures inspirent à ces deux représentants de notre humanité un nouveau dialogue charnel. Comme une invitation à changer d’échelle et à re-considérer un écosystème incroyablement complexe, qu’il importe de préserver. 

C'est une image façon tache de Rorschach qui s'affiche sur un écran: en symétrie le corps d'un danseur en perspective s'allonge, brouillant les pistes de perception directe. A la Francis Bacon, fugitive, déformée, porteuse de rêve: le ton est donné, le vertige assuré pour notre perception immédiate des images. Abimes et profondeurs des icônes qui nous plongent dans le chaos, le trouble graphique du kinématographe, écriture si chère à Michèle Noiret. Un tunnel sur scène devient habitacle d'une mante religieuse prête à dévorer l'espace pour survivre. Filmée de l'intérieur comme une créature inconnue de l'espèce vivante. La danseuse y incarne un être vivant étrange qui se love dans cet espace, lieu éco-chorégraphié de main de maitre par la magicienne, prestidigitatrice des nouvelles technologies liées à l'art visuel. Mutation et métamorphoses des corps des insectes présents à l'écran en mue et transformation perpétuelle. Les séquences de cet étrange opus rayonnent de secrets, de magie comme un manifeste plasticien sur la nature des insectes, leurs formes invraisemblables, sophistiquées, monstrueuses. Quasi baroques tant leurs singularités éclosent aussi dans la danse, duos qui les accompagnent, les soulignent, les magnifient. Loin d'un discours démagogique ou didactique, pédagogique ou illustratif, cette ode au vivant est chrysalide perpétuelle. Telle une "sylphide" qui se développe, se transforme et laisse pousser ses ailes pour mieux voler, la libellule nait d'un habitacle, cocon qui la dévêtit et la jete dans le vivant. La danse explore en mimétisme fragile et discret cette cérémonie visuelle de la transformation. Par les médias qui subtilement se prêtent au jeu du leurre, du vertige, du déséquilibre, de l'apesanteur. Un bijou d'une orpailleuse, artisane d'une écriture mêlée de danse fluide, multidirectionnelle. David Drouard et Sara Tan mis en lumière par Todor Todoroff leur proposant des variations musicales de haute voltige.Orfèvre sur son établi, ne cessant d'en découdre avec les discours, l'oeil, l'oreille de la chorégraphe n'a de cesse d'exercer sur l'espace des images, des tréfonds d'une bande dessinée de science fiction. Rêve, abysses et autres descente au paradis de l'irréel. De l'or en ces "lieux"multiples que l'art cinématographique magnifie et crée de toutes pièces. Alchimiste et porteuse d'une lecture sur le monde animal en voie de disparition, les insectes, mais aussi l'être humain et son rôle dans le désastre annoncé par l'inversion climatique et l'anxiété qui en découle. L'"endroit" de la danse, ce "milieu" responsable que l'on intègre en quittant le support de la barre et du miroir, est ici ce "troisième lieu" d'une réflexion-miroir d'une grande intelligence. Celle des médias qui se croisent, s'entremêlent pour signifier que ce qui bouge est en danger. Tel le travail d'Hubert Duprat, plasticien de l'or et des larves, Michèle Noiret tisse par les effets de média multiples les contours d'un univers unique de sculptures dansées en ronde bosse magnétique sidérante. Une pièce, bijou insectoïde de toute beauté.

hubert duprat

Dans le cadre du Festival de danse de Cannes au Théâtre de Grasse le 8 Décembre

Michèle NoiretFormée à l’école Mudra de Maurice Béjart, elle fonde en 1986 sa compagnie à Bruxelles.  Auteure de près de 40 chorégraphies, elle introduit dans ses créations, dès les années 90, les technologies interactives du son et de l’image et questionne par ces langages multiples le chaos du monde, ainsi que nos perceptions de l’espace et du temps. Sa danse révèle une écriture inventive soutenue par une recherche rigoureuse, portée par des interprètes considérés comme de véritables « personnages chorégraphiques ».