TRAVAUX PUBLICS EFTHIMIOS MOSCHOPOULOS – FÁE | An ephemeral dinning: nature vivante et table rase, garnie de reliefs épatants.

 

Efthimios Moschopoulos est un danseur et chorégraphe grec actuellement basé à Athènes. Ce projet FÁE | An ephemeral dinning place la table, au centre de sa recherche. Une table qui serait un lieu de rencontre, un confessionnal bucolique distillant à la fois la tendresse et la violence de la campagne, sa solitude et l’angoisse de son identité, son besoin d’expression et la formation de sa sexualité. Une table comme un support pour partager ses souvenirs et ses références à la nourriture, le dîner en tant que pratique sociale.

 

Seul, soliste habité par une gestuelle féline, animale, vêtu de noir et chaussé de bottes, il parcours l'espace, se repère, s'anime fébrilement de sursauts tétaniques au souvenir d'une mise à bas d'une brebis de ces troupeaux d'enfance. Les images et son corps se confondent, se jouxtent et prennent une dimension sacrée et symbolique du sacrifice de l'agneau. Une table penchée l'attire, le transforme en reptile, tortue portant son habitacle. Alors que des images filmées défilent, celles d'une table de festin où vont se presser des moutons d'un troupeau affamé, il danse cette fébrilité et les fruits de son imagination surgissent. La table devient l'endroit, le lieu d'un supplice de fruits et de légumes qu'il va violenter. En les fracassant sur la bordure, déchiquetant les fibres. Pour mieux faire émaner les fragrances du céleri, des agrumes pressées sous ses doigts. Une véritable performance de plasticien, laissant les reliefs comme un tableau piège de Spoerri. Nature "morte" bien vivante, lui-même offert aux regards, le corps livré sur la table, élu du sacrifice. Efthimios Moschopoulos livre ici une très belle esquisse de sa proche création, encore en "chantier ouvert", la parole libre et généreuse sur son travail, ses sources d'inspiration: l'enfance baignée de religion, de nature et de contact avec l'animalité. La difficulté aussi d'assumer son identité parmi les siens. Une "cène" quasi religieuse que ce banquet, festin de Eftthimios.Belle trajectoire source de réflexions et de questionnement de la part du public, réuni ce soir la pour assister à cette présentation de très grand intérêt. Sur l'autel de la chorégraphie, le corps du danseur se donne et se raconte dans une narration sensible, jamais mimétique. Le tableau final respire encore de cette étonnante figuration: le végétal écartelé sommeille à présent dans la quiétude de la réparation. Un solo nourri de denrées comestibles dont le souvenir sera sensuel et philosophique, poétique et émouvant.. La danse des orifices, bouche bée, ces petits bruits de mastication dans la bande son, tout réfléchit ici le rapport immédiat, puis plus esthétique de la danse à la nourriture. Lire "la danse des orifices" de Roland Husca.

Résidence : LU 08 > DI 14 DÉC
Efthimios Moschopoulos est soutenu par Onassis AiR pour 2024/2025 dans le cadre de la bourse de dramaturgie et pour 2025/2026 dans le cadre du réseau Grand Luxe.

A Pole Sud le 9 Décembre 

Jérôme Brabant Cie l’Octogonale "Planètes" et cosmogonie des-astres-euse.

planètes jerome brabant photo vIncent VDH

 France7 danseurs + 2 chanteuses 2024 

Dans Planètes, de Jérôme Brabant, sept danseurs et deux chanteuses incarnent un système solaire en mouvement. Inspiré par Disharmony of spheres de Foo/Skou, le chorégraphe crée une danse cosmique où chaque corps devient matière : pierre, glace, gaz, etc. Les notes légères et soupirées du duo Philipp | Schneider s’étirent et se fondent dans des nappes créées par Nicolas Martz, qui laissent imaginer le chant des étoiles et créent une atmosphère en apesanteur. La gestuelle est précise, nette, inspirée par l’observation des formes courbes et organiques des mouvements des planètes. Mais chacun des interprètes tient sa propre partition, comme chaque corps céleste a sa propre orbite. De décalage en décalage, un cycle hypnotique se fait sentir, soutenu par les lumières hallucinées de Françoise Michel – évocation subtile du voyage final de 2001, L’Odyssée de l’Espace. L’espace-temps s’étire. La pièce explore l’ordre et le chaos, évoquant une quête d’harmonie face aux dérèglements du monde. 

Planètes Jerôme Brabant photo Vincent VDH

Danse cosmique, étoilée comme au temps du Roi Soleil..C'est ce dont on aurait pu rêver...Mais la cosmogonie en a décidé autrement. Et les astres évoluant chacun pour soi ne font ni constellation, ni voie lactée ou W de Cassiopée. Alors de quoi s'agit-il, sinon de singer l'écriture ou la technique brillante de Cunningham, les justaucorps de Rauschenberg, les gravitations de ces points dans l'espace, corps lancés en orbite, météorites jetés dans la fulgurance du mouvements des astres.La danse de Jerome Brabant est lisse et sans incident, probable et sans surprise, redondante et lassante. Soporifique pour ses évolutions sempiternelles  qui n’obéissent pas au processus de la répétition mais de l'ennui. Alors sauvons les lumières de Françoise Michel qui sortent du lot sur ce plateau nu, de blancheur auréolée. Les 7 danseurs exécutent le phrasé monotone et monocorde de l'écriture sans jamais dévier, disjoncter comme on l'aurait souhaité.Pas de dérèglement en vue ni de chute de météorite dans ce planétarium inventé où la magie de l'univers et du cosmos reste absente. Désastre des justaucorps designés moulant et délivrant l'intégralité des lignes corporelles qui auraient pu être calligraphiées."Planètes"Mars , Vénus, Mercure au rendez-vous manqué de la lune et du soleil. "La mécanique de l'aurore" de Louis Ziegler nous fait encore signe et sens, géopolitique du cosmos du Roi Soleil, centre, astre, autour duquel gravitent les planètes de la cour. Dans "Planètes", les axes de rotation comme seul ancrage pour une danse qui fige les courants d'énergie et glace l'imagination.L’horlogerie sans déraillement s'épuise et nous avec...Sur la piste aux étoiles, les lumières sont éteintes.

Planètes de Jerôme Brabant photo Vincent VDH

Conception et chorégraphie : Jérôme Brabant
Aide à la dramaturgie : Kitsou Dubois
Danse : Alexandra Damasse, Valentin Mériot, Yves Mwamba, Emma Noël, Manuelle Robert, Nina Vallon, Lucie Vaugeois
Composition et chant : Josephine Philip, Hannah Schneider
Univers sonore : Nicolas Martz
Création lumière : Françoise Michel  

A Pole Sud le 9 Décembre 

"Planètes" de Jerôme Brabant photo Vincent VDH

"Andromaque": jamais d'eux sans Troie: n'aguère d'aujourd'hui sans relâche

Oreste aime Hermione qui aime Pyrrhus qui aime Andromaque qui aime Hector… qui est mort, tué pendant la Guerre de Troie. Liés par cette chaîne d’amours impossibles, c’est sur le sang que marchent les personnages dans cette création de Stéphane Braunschweig qui met en scène Racine pour la troisième fois, avec le constant souci d’articuler aux affects le contexte historico-mythologique. Comment se relever de la déflagration que constitue la Guerre de Troie ? La victoire peut-elle vraiment être assurée par l’élimination totale de celui que les vainqueurs désignent comme ennemi ? Comment se protéger d’un futur de vengeance et du ressentiment transmis d’une génération à l’autre ? Sur une inquiétante ligne de crête, Andromaque n’interroge pas moins que la possibilité même de la paix.

La guerre laisse son tapis ensanglanté, déjà sur scène, immense rond rouge carmin, terrifiant mais plastiquement très beau, efficace dans ce qui va se jouer sous nos yeux: des conflits amoureux sans issue exceptée la guerre, la violence faite à chacun des membres d'une tribu mythologique complexe.Le sang versé et répandu dans lequel baigne chacun, qu'il le veuille ou non. Bain de liquide aqueux,flaque où gravitent les protagonistes, autour d'une table de blanc virginal, de trois chaises renversées: un dispositif sobre et léger pour la lourdeur et le fardeau du destin. C'est la folie pour tous, cette schizophrénie ambiante, incarnée par ce panneau faussement transparent qui dédouble les personnages aux multiples fractures et plaies d'humains cabossés par le sort inéluctable. Tous vêtus de noir, costumes contemporains, excepté Andromaque virginale victime, vierge à l'enfant en icône finale. Dans ce chaos ambiant, un peu de douceur ou de tendresse.Tous sont l'objet de souffrance dans l'expression de l'amour fou, de la résilience, de la plainte ou de la colère. La langue de Racine portant une musicalité contrastée, des timbres de voix et des tessitures multiples pour la servir. Les comédiens sous la direction de Stéphane Braunschweig, tous engagés dans cette tragédie légendaire qui parle à nos inconscients collectifs comme une réalité géopolitique trop d'actualité. Enracinés, ancrés dans la langue et les vers scandés, murmurés ou éclaboussés de rage et de colère par chacun en alternance du déroulement du récit. Cette oeuvre portée sur la scène baigne dans le sang, la liquidité des sentiments et expressions de chacun des personnages qui se heurtent sans cesse à la fatalité. La guerre de Troie aura bien lieu pour eux qu'ils soient vainqueurs ou vaincus, hommes ou femmes traqués par ce vent de fureur incontrôlée. Bel exercice un peu distancé cependant pour concerner directement un spectateur médusé par la complexité des héros transmettant  cette opacité. Un recul est nécessaire pour plonger dans les eaux ensanglantées avant d'y perdre pied et de s'en détacher.Le traumatisme au coeur du sujet vecteur de sollicitations émotionnelles fortes et incontournables. Les comédiens tous remarquables par leur identification souveraine à un opus"classique" loin des clichés offrant ici des perspectives de réflexion sombre mais nécessaire. Naguère, détroit sans issue.

[Texte] Jean Racine
[Mise en scène et scénographie] Stéphane Braunschweig

[Avec] 
Jean-Baptiste Anoumon, Bénédicte Cerutti, Thomas Condemine, Alexandre Pallu, Chloé Rejon, Anne-Laure Tondu, Jean -Philippe Vidal, Clémentine Vignais

[Collaboration artistique] Anne -Françoise Benhamou 
[Collaboration à la scénographie] Alexandre de Dardel 
[Costumes] Thibault Vancraenenbroeck 
[Lumière] Marion Hewlett 
[Son] Xavier Jacquot 

Au TNS jusqu'au 18 Decembre 

 

Compagnie Leïla Ka - "Maldonne":"Maldonne" et mobile! Leila Ka : elle se dé-robe en robe des champs, des villes. L'étoffe des chrysalides pour seule parure.

 

Au plateau, des robes. D’intérieur, de soirées, de mariage, de tous les jours, longues ou courtes. Et cinq femmes rebelles qui se jouent et s’affranchissent de ces identités d’emprunt.

Tout commence par un souffle. Celui qu’expirent, face au public, les bouches des cinq danseuses serrées les unes contre les autres. Comme soudées par un fil invisible, elles portent des robes aux imprimés fleuris et démodées rappelant le temps où la féminité était - est encore ? - affaire d’apparence. Un préjugé que ce quintet explosif va faire voler en éclat, au cours d’un spectacle qui mixe allègrement les styles, chorégraphiques et musicaux.

Dans un geste collectif impeccablement exécuté, les cinq corps féminins se mettent d’abord à jouer des coudes puis à se désarticuler, à l’unisson et en décalé. Progressivement, leurs gestes traversent les mille et une tâches domestiques traditionnellement réservées aux épouses et mères, pour mieux s’en émanciper dans une énergie libératrice.

Leur conquête de ce girl power s’incarne dans leurs changements de tenue, tout au long de la pièce, à vue ou en coulisses. Une quarantaine de robes sont ainsi portées puis abandonnées, comme autant d’oripeaux dont il convient désormais de se défaire.

La bande son elle aussi s’affranchit joyeusement des normes, enchaînant le « Je suis malade » de Serge Lama revisité par Lara Fabian, avec Leonard Cohen et Vivaldi. Contrairement à son titre, Maldonne redistribue les cartes à l’endroit, en un élan iconoclaste et vivifiant.

Leïla Ka France 5 interprètes création 2023

Maldonne

Véritable prodige de la scène chorégraphique d’aujourd’hui Leïla Ka impose son énergie sur scène. Précise, pressée, dramatique et paradoxalement relâchée sa danse nous propose des montagnes russes d’émotions. La chorégraphe tente dans Maldonne de créer une dramaturgie hypnotique portée par cinq femmes. Sur scène, des robes. De soirée, de mariée, de chambre, de tous les jours, de bal. Des robes qui volent, qui brillent, qui craquent, qui tournent … Toujours fidèle à son univers théâtral, elle fait évoluer les danseuses sur des musiques issues du classique, de l’électro et de la variété. De cette intimité au féminin la chorégraphe dévoile et habille, dans tous les sens du terme, les fragilités, les révoltes et les identités multiples portées par le groupe.

Un gang sororal : mâle-donne...

Cinq femmes sur le plateau nu, en longues robes vintage pieds nus dans le silence: une galerie de statues médiévales qui s'anime peu à peu de gestes spasmodiques dans un rythme en canon, en points de chainette, en maillon subtil de changement imperceptible. En savant tuilage. Ce quintet silencieux possède l'éloquence du mystère d'un spirituel rituel, l'étoffe du désir de bouger, de s'animer. Dans des spasmes, des halètements qui rythment leur souffle et leurs gestes au diapason. Autant de soubresauts qui hypnotisent, intriguent tiennent en haleine.Tableau vivant dans une galerie d'art, un musée de l'Oeuvre Notre Dame où les vierges sages et folles trépignent à l'idée de s'évader. Soudain surgit la musique et le charme est brisé: mouvements tétaniques ou circonvolutions élégantes et distinguées, alternent. A la De Keersmaeker ou Pina Bausch pour la grande musicalité gestuelle, le port de robes colorées ou pastel .Elles se vêtissent et se devêtissent sans se dérober, se parent de tissus, d'enveloppes, d'atours sans contour. La seconde peau des vêtements comme objet de défilé, de mouture charnelle. Anatomie d'une étoffe de chutes, de roulades au sol pour impacter la résistance à cette fluidité naturelle. Vivantes, troublantes les voici à la salle des pendus, les robes accrochées dans les airs, boutique fantasque de spectres ou ectoplasmes flottants dans l'éther. Dans une jovialité, un ton débonnaire. 

 

Complices et joyeuses commères , elles se soudent en sculpture mouvante pour des saluts prématurés qui se confondent en satisfecit et autre autosatisfaction: la beauté pour credo. Et les robes de devenir étoffe de leurs pérégrinations, de leurs ébats protéiformes. Clins d'oeil à la fugacité, à la superficie des désirs. Se revêtir d'atours séduisants et aguichants pour plaire, se plaire. Bien dans leur assiette, leur centre, la pondération des corps en poupe: l'assise et l'ancrage comme essor de leurs bonds, chutes ou simple présence sur scène Les voici en mégères apprivoisée, se crêpant le chignon dans des bagarres burlesque à la Mats Ek: mouvements spasmodiques, changements de direction à l'envi, énergie débordante.  "Je suis malade" comme chanson de geste, comique et pathétique à la fois.

 

Ou figures de "bourgeoises décalées" comme un Rodin mouvant en pose jubilatoire.Encore un brin de Léonard Cohen pour faire vibrer nos cordes sensibles. Les robes que l'on essore comme du beau linge, en famille,au lavoir, qui battent le sol comme des lambeaux, des serpillères de ménage qui se jettent à l'eau. Lavandières ou travailleuses d'antan. Fresque historique de la condition féminine brossée en moins d'une heure. La joie y est vive, les personnages attachants en phase avec le public attentif et concentré. Les "donna e mobiles" comme des plumes de paon dans un Rigoletto très féminin-pluriel de toute beauté. Leila Ka magnifie nos fantasmes de femmes, les expurge, les projette au dehors comme pour les exorciser en magicienne, prestidigitatrice de choc.

 

Création 2023 - Pièce pour 5 interprètes
Chorégraphie : Leïla Ka
Avec (en alternance) : Océane Crouzier, Jennifer Dubreuil Houthemann, Jane Fournier Dumet, Leïla Ka, Jade Logmo, Mathilde Roussin
Assistante chorégraphique : Jane Fournier Dumet
Création lumières : Laurent Fallot
Régie lumières en alternance : Laurent Fallot, Clara Coll Bigot
Régie son en alternance : Rodrig De Sa, Manon Garnier

 

le 28 Jet 29 ANVIER dans le cadre du festival "l’année commence avec elles"à Pole Sud

 

Nederlands Dans Theater - NDT2: du sur mesure en majesté! A la dimension du Festival de Danse de Cannes 2025: XXL...En cloture magistrale

 

Trois pièces, trois regards sur notre présent. Le triple bill proposé par les virtuoses du NDT 2 offre une vibrante démonstration du pouvoir de la danse à éclairer nos vies.

Watch Ur Mouth - Chorégraphie : Botis Seva / Folkå - Chorégraphie : Marcos Morau / FIT- Chorégraphie : Alexander Ekman

Pour beaucoup, chaque jour est un combat. Contre les difficultés, les tourments intérieurs, les jugements d’autrui et « l’incessant bavardage de la vie quotidienne ».

Watch Ur Mouth de Botis Seva incarne, dans les corps expressifs de ses interprètes, une traversée au cœur de ce chaos. Ce chorégraphe autodidacte, dont la danse mixe allègrement les influences hip-hop, contemporaines et théâtrales, délivre toutefois un message d’espoir : derrière le tourbillon du monde, l’amour et les connections entre les êtres demeurent nos plus précieux auxiliaires pour continuer à tenir debout. Chacune à leur manière, les deux œuvres qui l’accompagnent témoignent du même besoin de retrouver une énergie inspirante.

Folkå de Marcos Morau fait ainsi écho aux rites mystiques auxquels se livraient nos ancêtres des cavernes pour repousser la crainte immémoriale de la mort. Par la musique et par la danse, la pièce offre un précieux moment de communion collective, à rebours de la frénésie du monde contemporain.

Quant à Alexander Ekman, il questionne avec FIT notre besoin systématique d’harmonie, dans notre quotidien mais aussi dans la création alors que celle-ci se nourrit de ce qui « ne rentre pas dans le puzzle ». Sur les rythmes jazzy du Dave Brubeck Quartet, une démonstration réjouissante du pouvoir de la discordance.

FIT- Chorégraphie : Alexander Ekman 

Quand la danse se faconne comme un groupe soluble autant que soudé, alors la magie opère pour cette jeune troupe incroyablement opérationnelle et crédible.Jeunes interprètes déjà virtuoses en la matière,les voilà dans le flux de mouvements en cascades,de courses,d'arrêt sur image très cinématographiques.Bande déferlante,alignement éphémère au registre de l'écriture chorégraphique.Et des virevoltes de longues jupes blanches pour mieux aureoler la fluidité de la danse.

Watch Ur Mouth - Chorégraphie : Botis Seva

"Take five" au zénith,galvanisant les danseurs au mieux de leur forme dans cette chorégraphie qui projette les corps,  divagations dans l'espace en bandes hallucinées d'énergie.La troupe se jette dans une rythmique bien connue d'une œuvre qui appartient à l'inconscient collectif dansant au delà des frontières...La pièce n'est pas que cela,dévoilant flux et reflux à l'envi.Les interprètes au plus près d'une sensibilité aiguë, incarnant l'enfermement, la détention des corps soumis. Hip-hop et danse fluide alternent pour évoquer cette frustration de mouvements liée à l'incarcération, toutes les formes de castration possible d'un monde politique d'enfermement.

Folkå - Chorégraphie : Marcos Morau 

Une performance inégalée pour la compagnie en ouverture de soirée pour mieux apprécier les talents de ces danseurs tant adulés par le public.Fouge,électricité d'une énergie sans faille ces  "Noces "de la danse et de la lumière que l'on assiste, à une véritable course contre la montre.Urgence des mouvements,des déplacements incongrus,des rencontres humoristiques, de ces ricochets de mouvements en bande défilante.Les costumes évoquent une identité semblable à la musique, folklore suisse ou des Balkans, cloches de vaches en sus.Tonicité garantie avec ces  rythmes fulgurants qui parsèment l'immense plateau à conquérir par ces électrons libres.Et le récit prend forme,la communauté humaine prend ses marques et subjugue.On demeure pantois devant une telle œuvre bigarrée,hallucinée ou tout bascule sans cesse.Mario Morau étonne toujours sans lasser ,génie et démiurge ambassadeur de la légitimité de la danse comme art majeur.


Watch Ur Mouth
Création 2025
Chorégraphie : Botis Seva - Assistants chorégraphie : Jordan Douglas, Victoria Shulungu
Musique : Torben Sylvest avec Bunny Sigler Shake your booty ; Sony music, Warner-Tamerlane Publishing Corp (BMI), Warner Chappell Music Holland B.V.
Performances voix avec Magero, The Seva Family
Création Lumières : Tom Visser
Scénographie et costumes : Botis Seva
Répétitrice : Lydia Bustinduy

Folkå
Création 2021
Chorégraphie, décor : Marcos Morau
Mise en scène : Shay Partush
Création musicale : Juan Cristóbal Saavedra avec Condividiamo La Luna & Whisper: Kim Sutherland. Le Chœur bulgare de Londres avec Dessislava Stefanova : Mor’f Elenku, trad.; Izgreyala Yasna Zvezda, trad. arrangement par Dessislava Stefanova; Razbolyal Se E Mlad Stoyan par Kiril Todorov.
Costumes : Silvia Delagneau
Création lumières : Tom Visser
Direction répétition NDT : Ander Zabala

FIT
Création 2018
Chorégraphie : Alexander Ekman
Musique : Nicolas Jaar : No. The Dave Brubeck quartet: Take Five. © Valentine Music Ltd
Doug Carroll: “Peacocks” par Animal Sounds.
Lumières : Alexander Ekman, Lisette van der Linden
Scénographie : Alexander Ekman
Costumes : Alexander Ekman, Yolanda Klompstra
Texte : Alexander Ekman
Collaboration artistique : Julia Eichten
Dramaturgie : Carina Nildalen

Citation du Directeur Artistique

 

Au Palais du Festival le 7 Décembre dans le cadre du festival de danse de Cannes

Ballet de l'Opéra Grand Avignon - "United Dances of America" Cultures en bonne compagnie

 

Où en est aujourd’hui l’émergence version US ? Réponse avec ce triple bill porté par l’interprétation aiguisée du Ballet de l’Opéra Grand Avignon. À découvrir d’urgence !

Elle et ils s’appellent Rena Butler, Mike Tyus & Luca Renzi, Stephen Shropshire. Peu connus en Europe, ils incarnent quelques-uns des nouveaux visages de la danse Outre-Atlantique.

Pour sa première saison à la tête de la compagnie avignonnaise, Martin Harriague les réunit autour d’un programme donnant à voir la créativité audacieuse d’un pays confronté à toutes les tensions contemporaines.

Dans This That & The Third l’Afro-américaine Rena Butler, originaire de Chicago, dénonce sur fond de musique urbaine les normes sociales et comportementales menaçant les identités individuelles. Avec Holy, le Californien Mike Tyus et son partenaire Luca Renzi rendent un hommage humaniste et spirituel à la contre-culture, sur un poème du chantre du mouvement hippie Allen Ginsberg. Quant à Stephen Shropshire, vivant actuellement aux Pays-Bas mais né à Miami, il orchestre dans Mythology un rappel musical et poétique de la terrible insurrection d’Attica, qui révéla en 1971 le racisme systémique régnant dans les prisons américaines. Point commun de ces trois regards passionnants : le rejet de tout enfermement, physique, spirituel ou symbolique, et un puissant désir de liberté. À ces enjeux forts la danse donne magnifiquement corps, dans une grande diversité de styles et d’inspirations.

United Dances of America
Création 2025

This That and The Third
Pièce pour 6 interprètes - Chorégraphie : Rena Butler - Musique : Chance The Rapper, Justin Hurwitz

C'est chacun pour soi au départ,tenue sportive  gestes vindicatifs de boxeurs en colère,individualistes et rageurs. Couleurs des costumes à l'appui qui parcourra la pièce jusqu'au bout.Puis c'est la curiosité des contacts entre membres de différentes couches sociales  qui fera le reste.La narration,le récit sont ici portés par les six interprètes dévolus entièrement aux phrasés très écrits d'une chorégraphie tirée au cordeau.Les corps s'y plient et s'y déploient sans cesse dans une fluidité où une tétanie contagieuse à l'envi.Un fulgurant solo au sol d'une des interprètes,électron libre renforce l'idée de peur,de traque de ceux et celles différents d'origine sociale.Au final c'est le groupe qui l'emporte dans une solidarité adoptée, acquise à force de contacts fructueux.La danse au delà des mots pour fédérer les énergies,rapprocher les inconnus ou les parias.Belle ode à l'altérité..Toute en couleurs chatoyantes et rayonnantes d'espoir.

Holy
Pièce pour 2 danseurs et 1 violoncelliste - Chorégraphie : Mike Tyus & Luca Renzi - Musique : J.S. Bach, Allen Ginsberg

Un duo de deux hommes quasiment nus se profile d'emblée dans la lumière sur le plateau nu.Deux corps splendides et canoniques,en miroir évoluent au sol s'assemblent,se repoussent,s'attirent pour une ode à l'amour interdit,bafoué dans une société intolérante et castratrice.Sensualité garantie dans une interprétation distinguée,sobre et mesurée. Toujours très écrite, la danse s'y déploie, sereine et autoritaire dans des gestes et attitudes amoureux.Une œuvre osée ,virtuose et sans concession aux pensées rétrogrades.

Mythology
Pièce pour 12 interprètes - Chorégraphie : Stephen Shropshire - Musique : Frederic Rzewski

La pièce finale de ce programme riche et fort pertinent s'impose pour évoquer la lutte,la résistance à l'oppression,à l'humiliation.Les corps sous tensions,performants et aguerris à un style percutant s'affrontent à l'ordre et la soumission dans une écriture solide comme le propos l'impose.La Musique se fait voix et rythmes ascendants pour une apogée réelle de l'humanité encore possible.La poétique très politique de cette pièce laisse penser et réfléchir :je danse donc je pense,philosophie à rependre d'urgence pour apaiser les conflits.

Notons qu'a chaque intermède une courte séquence filmée introduit les problématiques et laisse faire connaissance avec chaque chorégraphe de façon très pédagogique.Une compagnie soudée et virtuose des savoir-êtres multiples partagent avec le public des éclairages sociétaux comme seule la danse est en possession de la faire.Un être ensemble façonné de main de maître par Martin Harriague,celui qui relie en toute intelligence et laisse la danse porter sa voix au delà des mots.Le "cum panis" laïc d'une communauté dansante de toute beauté. En bonne compagnie..

Avec : Daniele Badagliacca, Sylvain Bouvier, Lucie-Mei Chuzel, Aurélie Garros, Joffray Gonzalez, Léo Khébizi, Hanae Kunimoto, Tabatha Longdoz, Kyril Matantsau, Marion Moreul, Ari Soto et Giorgia Talami

Maitresse de Ballet : Brigitte Prato

le 7 Decembre dans le cadre du festival de danse de cannes theatre palais stephanie

10 eme anniversaire des studios de danse du PNSD: des joyaux prometteurs dans une architecture vibrante.

 L'excellence,la maîtrise,le travail concourent à cette présentation des jeunes talents du Ballet Rosella Hightower. Une pépite de jeunes interprètes déjà aguerris à la scène,ce soir là pour interpréter en public quatre chorégraphies.

"L'orchestre" de Jean Sébastien Colau offre la visibilité de toutes sortes de marches et démarches à l'unisson entre autre.Un exercice cher à la danse contemporaine de Cunningahm à Mathilde Monnier entre autres chercheurs de rythmes, déambulations,divagations savantes de parcours dans l'espace imparti.Au diapason,à l'écoute,les danseurs font  corpus et s'adonnent au mouvement avec  naturel,aisance et très belle présence.De très beaux portés illuminent Mozart en majesté. 

Comment ne pas citer  ce solo"internally unbound" impressionnant et très prometteur de Sofia Naumenko qui incarne une chorégraphie périlleuse,véloce et virtuose signée Thais Fayaubost sur une musique de Robert Ruth.Sa disponibilité corporelle est fameuse et laisse augurer de bien belles perspectives de prises de rôle ou de diversité de style à venir!

Suivent deux pièces de Ruben Julliard du Ballet du Rhin: "Et là " et "Soudainement ici" pour laisser apprécier les talents confirmés ou en devenir de  ces interprètes au delà d'une technique maîtrisée, vecteurs,passeurs d'émotion,de musicalité et d'intelligence de la danse."Penses à ce que tu danses" édictait Trisha Brown. Et l'architecture lumineuse du grand studio,remarquable outil de travail,de faire rayonner les interprètes au sein de leur école dirigée par Paola Cantalupo.Et l'architecte Dominique DESHOULIERES architecte-urbaniste architecte consultant MIQCP DESHOULIERES JEANNEAU architectes, de main de maitre de ballet d'offrir un site, un endroit, une niche pour la danse de toute beauté et de grande efficacité!Un maitre-à-danser d'architecte:Compas à longues branches croisées et incurvées, qui sert à mesurer une épaisseur ou un diamètre intérieur.

Au studio de danse de l'PNSD Rosella Hightower le 6 décembre. 

 

https://www.archistorm.com/realisation-campus-georges-melies-cannes-christophe-gulizzi/