"Monstre magique": ciné danse Amala Dianor : à saute frontières...Danse à capella. Jeter son corps dans le cadre-caméra non obscura!

 

MONSTRE MAGIQUE Avant-première – Film documentaire de Grégoire Korganow

Avec Amala Dianor et la troupe du spectacle SIGUIFIN

Ils sont neuf, neuf danseurs venus de différents pays d’Afrique. À Saint-Louis, sous la morsure du soleil sénégalais, ils vont apprendre à se connaître, à travailler et à imaginer ensemble une pièce de danse contemporaine qui leur ressemble. À partir de cette matière mouvante, le chorégraphe Amala Dianor, l’œil attentif et exigeant, modèle jour après jour les contours d’un spectacle intitulé « Siguifin », qui en langue bambara signifie monstre magique.

Un film c'est l'art du montage, du cadrage de la lumière, de l'espace: toutes les denrées de l'art chorégraphique en somme.Sans oublier le mouvement, bien sur ! Celui ci est un bijou du genre, entre documentaire de création et film d'auteur appartenant autant au chorégraphe qu'au réalisateur Geégoire Korganow qui s'est puissamment inspiré de la pensée en mouvement d'Amala Dianor. Tout démarre par un plan fixe où les portraits-visages des interprètes chantent à capella sans filet et donnent le ton du "chorus", de la communauté inspirée par une solide culture d'Afrique et d'autres continents. Mélodie lancinante et émouvante qui va droit au coeur de chacun. Sobriété, simplicité et profondeur de ce chant venu du corps. On se lance justement à bras le corps dans une répétition de la pièce Siguifin, ce "monstre magique": Amala en maitre à danser direct et autoritaire passe son flux joyeux et fausement débonaire aux danseurs réunis pour vivre ensemble la danse. Et s'y retrouver, s'y construire, s'y reperer comme chacun prenant la parole en voix off s'y adone devant la caméra en plan fixe. Témoignages vibrants et vivants de leurs expériences humaines et artistique au coeur de la compagnie. Les univers et espaces changent: d'une terrasse au studio, les corps et les langues se délient. Avec peu de commentaire, au vif des improvisations, au plus près du mouvement initié par chacun. "Se jeer" dans la danse, se propulser, oser faire faux, sale ou "mal" selon quels critères. Amala est sincère, direct, exigeant mais pétri de bienveillance. Ici l'image revoie à la sobriété; pas de "caméra qui danse" ni d'immersion parmi l'espace des danseurs. Une présence discrète et efficace pour embrasser le mouvement, le suivre, le développer en longeant les déplacements en plan séquence. On en immobilisant un geste suspendu par un cadrage fixe où le regard prend le temps de déguster le tempo de la danse. Chacun magnifié dans sa gestuelle propre, considéré et reconnu par le chorégraphe. Grégoire Korganov n'instrumentalise jamais la gestuelle, la rapproche, la sens, l'anticipe et se jette lui aussi à l'eau comme le visuel du Festival de danse de Cannes: un plongeon arrière, un crawl coulé, glissé dans l"écume de la vitesse-mouvement-image. Vêtu, trempé, immergé dans un bain de jouvence tempétueux, les yeux fermés, clos par le plaisir de nager. Belle icône qui résumerait l'esprit de la manifestation autant que du film. La "danse au travail" comme chez André S.Labarthe, la danse qui s'expose et livre quelques secrets de fabrication. Tous unis par le son, unisson et partage à la clef de sol. Un compagnonnage inhérent à la pensée chorégraphique d'Amala Dianor, "labannienne" où le poids, l'encrage, les directions font lois: les appuis comme fondamentaux, les décisions et intentions franches et décisives. Pas de "meublé" même "sommairement" pour cette bande à Laban où s'inscrit l'histoire et la passation du mouvement dans toute son intuition. Sans frontière ni barrières de compréhension dans un échange constant danseur-chorégraphe. Une séquence magnifique du film où les danseurs sont comme des joueurs de voley, se passant les gestes dans un esprit d'équipe et de fraternité. Sans mimétisme ni mime comme dans ce solo où un interprète use et abuse de son espace pour le sculpter, le rendre perceptible et poreur. Le film ce n'st pas du "cinéma" c'est une réalité augmentée, vivante, réceptive d'un esprit de fabrication autant que d'entrainement comme pour des passe-murailles franchissant obstacles, barrière ou murs protecteurs pour accéder au "vivre ensemble". Au final, un chant pour s'évader de l'écran, du cadrage pour accéder à un hors champs hors sol défiant les lois de la pesanteur, du sol pour une apesanteur lyrique et onirique de bon aloi. Un "monstre magique" qui se livre et se "montre" à l''écran: Terpsichore kinématographique comme muse et scénario-image de toute intelligence. Lier, relier, inter-ligerer corps, graphie, sons et unisson en toute tranquillité.Un bonheur absolu en jaillit pour cette équipe soudée qui gagne notre empathie et sympathie et apprend l'altérité, la considération et creuse l'identité au coeur de chacun. Danser sa vie à tout prix...En bonne compagnie!

Au Festival de Danse de Cannes le 9 Décembre.

"Salle des fêtes": Philippe Saire voyage en ballon...

 

Au départ, il y a le souhait de renouveler l’espace scénique avec une proposition scénographique forte. De cette démarche sont nées depuis 2011 quatre pièces au format original, Black Out, Néons, Vacuum et Ether. Salle des Fêtes, structuré en trois actes, est le cinquième volet de ces « Dispositifs ». Assis en cercle sur le plateau, le public est invité au plus près de l’action. Au centre, un disque-couvercle libère des ballons multicolores, gonflées à l’hélium, avec lesquels dansent deux clowns blancs au visage masqué. Leur aspect étrange tranche avec un univers qui évoque irrésistiblement la joie de l’enfance, les divertissements populaires et les factices royaumes enchantés de Walt Disney. Tandis que, reliés à leur structure circulaire, les ballons passent successivement du ras du sol au haut des airs, avant de se poser à nouveau à terre, on s’interroge : ces clones ont-ils pour mission de nous distraire ? Ou bien sont-ils chargés d’incarner, à la façon d’une catharsis, notre inévitable pesanteur humaine alliée à notre besoin inné de légèreté et d’élévation… Se gardant de trancher, Philippe Saire laisse chacun goûter la magie consolatrice d’une chorégraphie teintée de nostalgie et d’humour tendre. En souvenir de l’enfant ravi, tenant la ficelle d’un ballon, qui sommeille en chacun de nous.  

 

Le public encercle l'arène comme au cirque et deux clowns blancs font leur apparition autour d'une sorte de sculpture, couvercle, toile montagneuse mystérieuse; recelant quel secret, quelle surprise? Ils sont masqués, blancs, le latex couvrant le visage et laissant place à tout le langage du corps. Surprise, le "rideau" se lève dévoilant un plafonnier de ballons de fête, de foire, d'anniversaire! C'est donc dans cette atmosphère ludique et salutaire que ces deux escogriffes vont se rencontrer, se poursuivre, se taquiner, se chamailler. Les ballons comme prétexte à entre en contact et ne pas "se lâcher la grappe"! Moment crucial du spectacle: la séquence venteuse et ventilée où l'un s'empare d'une grappe de ballons pour mieux se jouer de l'espace de l'autre et le déstabiliser.Audace de la proximité des corps, de ces faux jumeaux qui se partage la scène. Belle réussite qui enchante petits et grands pour le meilleur de cet opus signé Philippe Saire dans une scénographie originale qui donne le ton à cette "salle des fêtes" fort réjouissante!

 

A la Scène 55 à Mougins dans le cadre du Festival de Danse de Cannes le 9 Décembre

Philippe Saire

Féru d’arts visuels, de théâtre et de cinéma, le chorégraphe Philippe Saire est l’une de personnalités majeures de la scène suisse contemporaine. Avec sa compagnie fondée en 1986, il a créé une trentaine de pièces à la réalisation ciselée, parmi lesquelles Vie et Moeurs du Caméléon Nocturne ou encore Hocus Pocus. Basé à Lausanne, il a reçu en 2004 le « Prix suisse de danse et de chorégraphie » décerné par ProTanz, Zürich, et pour son lieu de travail et de création, le Théâtre Sévelin 36, le Prix spécial de danse 2013 de l’Office fédéral de la culture.

Amala Dianor "Dub" : united colors of Amala : "Voyages!"....

 

Elles s’appellent le whacking, le dancehall, le hell, le jookin, la pantsula. Diffusées via les réseaux sociaux, ces danses urbaines 2.0 sont issues de communautés spécifiques implantées en Corée, Europe, aux États-Unis ou en Afrique du Sud et de l’Ouest. Leurs interprètes, aussi connectés que virtuoses, puisent leur énergie rythmique dans les beats de DJ remixant des musiques traditionnelles ou populaires. Tout en empruntant aux références chorégraphiques de leurs aînés de la génération hip-hop, ils inventent une gestuelle libre et hybride qui inspire Amala Dianor. Le chorégraphe est allé à leur rencontre physique dans leurs différents lieux de vie, accompagné du photographe Grégoire Korganow. Selon le processus d’appropriation de la Dub music, qui distord le reggae acoustique en le mêlant à des sons électroniques, il les a ensuite invités à déplacer et prolonger leurs techniques de danse respectives autour d’un champ commun d’expérimentation, « territoire éphémère conçu comme un espace de rencontre ». Dans le même esprit, le dispositif visuel de la pièce s’inspire des espaces vus sur place, du ballroom collectif à l’appartement privé, tandis que la composition musicale d’Awir Léon se nourrit des influences propres à chaque pratique. De la citation à la (re)-création, un tableau vivant, créatif, jouissif, des danses d’aujourd’hui. 

 

D'amblé le ton est donné: un solo emprunt de bharatanatyam aux esquisses fortes et affirmées. Le danseur livré à son art métamorphosé par toutes les passerelles chorégraphiques de la signature de Amala Dianor. Expression vite rattrapée par celle de ses compères qui viennent envahir le plateau et se saisir de l'espace; son espace propre et celui des autres, partagé, vécu, reçu et écouté à l'unisson. Unis par le son, transportés d'une estrade à l'autre en vagues successives. Ici pas de "meublé" dans les déplacements et gestes mais une écoute et un déploiement d'énergie incroyable, juste et ressentie. Le groupe est soudé, au diapason de la musique live: chacun se "jette", se projette dans sa danse, intègre et singulier. Les horizons de chacun s'ouvrent, se mêlent, se disputent l'espace dans un esprit partageux, fraternel et ludique: ouvert, toujours. Une porte d'entrée auréolée de néons comme entrée et sortie des artistes. Puis c'est le revirement spatial avec l'apparition scénographique d'un véritable immeuble, tranche architecturale qui rend visible simultanément cinq facettes d'une danse scénographiée pleine d'audace, de risque de danger aussi. Tranche de vie, tranche de cake ou pièces détachées d'un immeuble où chaque pièce recèle son histoire de corps, de horde, de meure bigarrée. Une partie de bonheur partagé où chacun excelle en mouvement ondulatoire, en course poursuite, en déroulé haletant et ludique. On se traque, on se chamaille on s'écoute et se répond franchement au delà des différences, des origines, des styles de danse. Amala Dianor réussit à fédérer des hommes et femmes de tous horizons et ce voyage-paysage est esquisse éphémère et joyeuse de rencontres fertiles. Les couleurs du temps s'y fondent allègrement et l'énergie surgie de toute part fait mouche. Dans cette habitation architecture offerte au regard, la vie va bon train en bonne compagnie. On y partage autant que l'on y donne et reçoit et l'écriture de cet opus est forte et puissante. Pas de concession dans la grammaire, la syntaxe de cette tour de Babel jubilatoire, offerte au regard comme une devanture de boutique fantasque de l'humanité, recomposée, famille d'adoption au creux de la vraie filiation. La danse sans nul doute, à tout prix et de toute urgence pour vivre.Les néons, les couleurs pour magnifier l'union qui fait la force de cette pièce du déjà très beau et bon répertoire du chorégraphe. Amala Dianor comme un berger, un guide, un meneur de jeu, un arbitre des différences d'une grande maturité.

Le dub tire ses rythmes et mélodies du reggae, mais modifie le son en utilisant des trucages électroniques et de l'écho. Ce "DUB", c'est un genre musical de la culture underground, des free party et du clubbing.Dans ces antres on y retrouve des ambiances colorés et festives, des pièces gorgées de rouge et de bleu, qui débordent d'énergie.Nicolas Tallec s'inspire de ces lieux qu'Amala Dianor, chorégrahe de DUB, a visité pour nourrir cette création. Avec en prime une séquence voguing fort prisée...

 

Au Théâtre Debussy Palais des Festivals de Cannes dans le cadre du Festival de Danse de Cannes

 le 9 Décembre

 

COMPAGNIE AMALA DIANOR
Après un brillant parcours d’interprète, Amala Dianor a créé en 2012 sa compagnie Kaplan. Depuis son solo Man Rec en 2014, où il explorait ses origines africaines, à The Falling Stardust (2019) pour neuf danseurs contemporains et classiques, ou Emaphakathini (2022) pour les Via Katlehong, il hybride avec bonheur formes et styles entre le hip-hop, sa terre artistique d’origine, et le contemporain – il a été formé au Cndc d’Angers. En 2021, il a également réalisé les courts-métrages CinéDanse avec Grégoire Korganow.