samedi 29 février 2020

Inverspace et l'Imaginaire : champ-contrechamp, vis à vis, face à face !

Concert & apéro : Inverspace & l'Imaginaire

29 février à Faubourg 12, Strasbourg

Pour son premier concert de 2020, l’Imaginaire invite l’ensemble bâlois Inverspace. Complices de longue date, les deux ensembles sont de la même génération, et partagent une même identité cosmopolite, ainsi que l’envie de réinventer la musique contemporaine en s'aventurant hors des sentiers battus.
Ce programme, où chaque ensemble se dévoile dans ses singularités, propose des œuvres de compositeurs/compositrices avec lesquels s'est nouée une complicité au long cours :

1ére partie:

Sarah Nemtsov : "void imaginings" (2018) interprété par Inverspace
Un ensemble de percussions insolites pour le quatuor suisse: des bols tibétains caressés par des pinceaux pour créer une atmosphère intime et recueillie de temple, de monastère bouddhiste. De petits souffles en cadence, discrets, ténus face au léger bruissement de la caisse claire, régulier. En contrepoint des autres ustensiles et objets manipulés par les interprètes devant leur instrumentum.
 Ambiance secrète assurée par une minuscule cymbale retentissante, comme une miniature, jouet charmant: les sons amplifiés par des micros suspendus au dessus des établis.Grincements, frottements, bruits et résonance de verre, vibrations de xylophone chaleureux. Le volume sonore s'amplifie dans une méditation spatiale dans un univers froid de sons distincts en alternance, comme des cloches résonantes, concaves, plus métalliques, cinglantes. Les gongs s'affirment en rémanence, du papier de bonbon froissé fait un bruit de marée qui se retire. L'univers demeure très minéral, de grès qui s'effrite, de sable secoué en syncope.Tel un joyeux atelier de production de sons, tel une forge résonante, le morceau, marteau et enclume sur l'établi, résonne de cloches d'alpage ou d'église.Se dessine un paysage multicolore, polyphonique où le son se durcit, se renforce, puissant, sombre, chaotique, tectonique, assourdissant, crissant. Ça fuse et ça vrombit de plus belle, dans des réverbérations et échos, en ricochet, en cascade. Du papier aluminium argenté tressé autour des micros, compacté, froissé détermine des bruits de cailloux, d'avalanche. Une œuvre percutante, riche et inventive à l'envi !


Nicolas Mondon : Trio ( 2016), interprété par l'Imaginaire
Une œuvre plus radicale, le piano au départ, frappé, caressé, flûte et saxophone de concert. Les pieds des interprètes frappent le sol en cadence.Vif, plein d'incidents, de ruptures, de surprises, la pièce frappe et intrigue.Des sifflements, des cassures, fractures, brisures de sons s'associent à des essoufflements. Atmosphère étrange de caverne où l'on pénètre peu à peu, lentement, en suspens, attentif, avec retenue, pas à pas, guidé par les sons.Opacité, trouble lancinant, bizarre... On avance prudemment dans l'obscurité, troublé, incertain. Les vents glissent, le piano au diapason gravissant les marches d'une ascension: passage à franchir, étroitesse de l'espace: on s'y fraie un chemin, à l'écoute
Un solo de piano, notes égrenées, fluides, frappées de curieuses harmoniques. Un flux sonore, mouvement de la flûte et du saxophone en symbiose. Osmose très réussie des trois protagonistes à l'unisson de vagues, d'arabesques ondulantes Puis s'opère une rupture scandée, tonique, en alternance, dans la longévité des sons soutenus dans l'espace.Lenteur, langueur de ce huis clos musical des trois complices qui va en se déplaçant peu à peu, s'ouvrant vers l'extérieur, vers d'autres horizons et perspectives. Des mouvements plus alertes, vifs, affirmés, le piano a les vents en poupe, les dirige, les fait se plier à son jeu: au finale, une belle suspension tient en haleine, en apnée, le public réuni, à l'écoute..

Après une pause apéritive, retour au "chez soi" avec la pièce "Heimat" de Wofgang Heiniger:  (2018)
Le pianiste de l'Imaginaire aux consoles à la rescousse du groupe suisse.
Une vraie platine- tourne- disque s'émeut, faisant écho à une grande diversité sonore commune au quatuor-quintet, fragmentée, rehaussée d'une voix sur la bande magnétique. Des vibrations multiples, un son d'orgue, des sirènes, cornes de brume du saxophone, petite flûte discrète: tout se mêle, se mixte à l'envi. Un vrombissement abyssal de surcroit s'empare de l'espace en abîme. Tel une avalanche déferlante. Dans une amplification sonore grandissante.Un chaos, une dégringolade enregistrée; le piano acoustique doublé par le piano synthétiseur pour une polyphonie éclatante, de sonorités empreintes et reproduites, troublantes, déroutantes.
Une pièce déstructurée, émulsion de sons éruptifs, empilement de timbres, fréquences et strates qui s'accumulent. Virtuel, artifice et acoustique se mêlent, s'enchevêtrent, se marient.
Une chute de tension en sus comme un atterrissage manqué d'un avion de guerre sur le tarmac mal balisé. Moteurs et pression allant vers une accalmie, plus pesante, salvatrice, réparatrice, mesurée en décrescendo. Les lumières s'éteignent sur ce champ de bataille, poubelle de guerre où s'écrasent les avions terrorisés!


Damian Gorandi :"FragiIity’s dementia - Who has the power in contemporary music?" (2019)
Le piano se prépare à vue et l'Imaginaire revient au front.Tempête, tornade, sifflements étranges venus du piano...Le pianiste, chercheur de sons, orpailleur, le corps dans l'instrument immergé!
 Chahut et vacarme assuré, plein de ruptures, d'effondrements fructueux: incroyables possibilités sonores issues, sorties du piano, manipulé, trituré dans le moindre détail de sa carcasse. Les touches comme des parties d'exosquelette parmi la fouille de ses entrailles surmenées.
 Musique viscérale, organique, tripes au poing, souffles des vents en osmose pour attiser le tout.
Etre vivant, monstrueux Quasimodo musical, OVNI, la pièce se déchaine, mailles à retordre le son, apocalypse, drame, embardée violente, accidents multiples et bombardements de mise.
Une accalmie souterraine ou planante, reprise et réveil du son terminent la pièce.

Leo Collin: "Corals", création (2020)
Au tour d' Inverspace de prendre la relève aux commandes d'une installation impressionnante: le pianiste de l'Imaginaire toujours à la rescousse du groupe aux consoles.
"Le vivant est extrêmement riche" murmure une voix off. Percussions corporelles désopilantes: toux, halètements, raclement d'objets hétéroclites: tout est à voir en live tant les sons débordent de sources d'imagination! Comme un jeu d'enfant, un bricolage à vue, inventif, créatif, ludique et très visuel.
De toutes parts fusent les sons brouillés: glissades, frôlements, bizarreries inventives inédites: crécelle, machine à écrire le son pianistique, détournement des instruments, inversion des rôles et grand "dégenrement" à la clef.
Un harmonica, une langue de belle mère, mirliton, un jouet hélicoptère en miniature, hélices au vent.
Affolement du saxophone, mugissements et grand charivari pour cette parade carnavalesque très réussie!
Un concert bariolé,varié, hétéroclite qui réunissait deux formations, fratries complices de musiciens en quête d'auteurs-compositeurs, haute couture de la musique d'aujourd'hui : du sur "mesure", haut de gamme !
Du fait maison de haute voltige, pièces uniques, prêtes à être portées par les protagonistes de l'Imaginaire et d'Inverspace de meilleur cru.

Au Faubourg 12 le 29 Février 






Jean Lorrain: concert d'Adieux. Faire la révérence... Et se retirer comme les vagues....à l'âme. A lames!

Salut l'artiste!

"Il n'est pas simple de vieillir..... surtout à l'Opéra. On a rarement l'âge du rôle. Ni Pamina , ni Don Giovanni, ni Carmen, ni Werther ne sont des sexas! Ou alors, on raconte une autre histoire... justement.L'amour est la grande affaire de l'Opéra. Balayons d'un revers de contre-ut les objections concernant les emplois, chantons ce qui nous chante, parce que le cœur a ses raisons. Revisitons Mozart, Donizetti, Verdi, Tchaïkovski, Massenet,Puccini,Catalani, Bizet, Strauss et Gershwin, ce répertoire tant aimé, pour notre plaisir et,nous l'espérons, celui des auditeurs. 

Dominique Charras- soprano, Jean Lorrain baryton-basse, Charles Slusznis piano


Soubrette, et galant en collerette et jabot blanc, coquins, malins, les voilà qui font irruption sur la scène du Munsterhof. Le ton est donné: ce sera duos et solos, Mozart qu'on "assassine" à bon escient, total respect des œuvres mais aussi digressions et métamorphoses d'un "Répertoire" classique traité à bâtons rompus par nos deux escogriffes, férus de musique, amoureux de l'opéra. "Andiamo", donc pour ce solide marathon construit dans des lumières adaptées à chaque circonstances, du rouge et orange vermillon ou carmin, au bleu dramatique et bien sûr au rose de l'amour, thème qui va border tout le récital. Des "séniors" qui s'ignorent? Pas vraiment car la force de l'âge et la maturité les habitent, l'expérience de la scène et de la mise en scène, de surcroit.!
Un "sénior" amoureux que cet homme en frac noir, touchant et pathétique Gremin - Eugène Onéguine - avec sa canne, tel un Lambert Wilson épris, transit d'amour.

Ehpad-tant !
Un duo transposé dans un EHPAD où Porgy and Bess de Gershwin se présentent comme deux adorables pigeons, tricot et déambulateur au poing, peignoir et tablier rétro avec bavoir, médicaments et autre attentions délicates, preuves d'amour et de bonté! C'est désopilant, décapant et très touchant. Tendresse oblige. On transpose, on malmène le répertoire pour le rendre plus vif, plus "contemporain" en léger décalage.
Coince-ci danse ! Ça coince ! Dans les articulations.....peut-être, mais pas dans la voix !
Encore un beau duo de Jean Lorrain et Dominique Charras, Dulcinée et Don Quichotte où la prière se fait message de la fleur de l'âge et acte d'amour fou...
Question d'opérette aussi où le thème de l'amour plus primesautier vient à bon port pour illustrer le thème de l'âge qui grandit les âmes transies: Strauss que nous décrit Jean, maitre de cérémonie, Monsieur Loyal qui sert les entremets, les interludes de ce festin de Babette musical. En animateur et serviteur averti, le comédien-chanteur introduit chaque pièce, les parodie et nous invite à s'y glisser, avertis des dangers, pièges de l'amour, variés, toujours présents, "vaches" ou attendrissants. Digressions, interludes savoureux comme des contes ou petites histoires intrusives dans ce monde secret, cabinet de curiosité de l'amour des "anciens" .Vous reprendrez bien un peu "d'élixir d'amour", viagra tonique pour amour chancelant ? Un vieux et riche prétendant, lunettes noires à la Lagerfeld, devant une pauvrette pas si innocente et tout le monde y trouve son compte; Même Brigitte et Emmanuel (Macron) caricaturés sobrement mais très efficacement. Donizetti ne se facherait pas pour autant, ni Richard Strauss devant Salomé, tout de voiles noirs revêtue, qui livre sa passion à un conteur d'Oscar Wide, très convainquant: comédien autant que chanteur, Jean Lorrain se rit des embuches vocales, contourne la virtuosité en autant de pirouettes et chiquenaudes ainsi que Dominique Charras, qui excelle dans Mozart et se fait complice de son partenaire à la voix chaude de basse, vibrante, timbrée comme pas possible dans les graves!
Et l'amour à mort, dans tout cela? Le voici avec Don Juan, petite danse macabre avec des masques de la camarde, tel un pilier des anges qui tournoie, tourniquet de la fatalité, de la destiné, chapiteau, colonne à deux têtes. Belle mise en scène dramatique, clin d’œil à une dramaturgie légendaire qui troque ici sa gravité contre une vivacité et intensité ludique de bon aloi.
Casa Verdi
Verdi aussi pour pâlir devant l'interprétation revisitée, transformée, adaptée et transposée de son œuvre. Que du talent de musicologue avec ce programme érudit, attestant d'une "sérieuse" culture pas-sage et imprégnation musicale de la part du protagoniste de la soirée: que l'on se tienne bien, la situation est grave mais pas désespérée pour ces deux personnages en quête de reconnaissance amoureuse et légitime !

Vous êtes du genre...à brouiller les pistes: on sème le trouble et la zizanie!

Du Puccini en "Gianni Schicchi" chanté par un homme et c'est le grand "dégenrement" !
Plus de frontières, ni de convention, ni de bienséance: on inverse les genres et les rôles et tout tient debout ! Un petit Mozart dégenré, "Voi che sapete" du même acabit, les cherubino n'ont pas de sexe, et le tour est joué. Pari gagné, tenu que cette ébouriffante "session", opéra-péro apéritive d'un savoir- faire de mise en scène et chorégraphie,remarquable, ne blessant personne, ni le répertoire, ni les compositeurs encore moins le public, conquis et nombreux, de cette soirée d'adieux...
Transgressons encore un peu en affrontant le grand "répertoire" avec quatre ou cinq solos de référence et surtout Carmen de Bizet où Jean Lorrain fait l'échappée belle en Carmensita redoutable, dansant et montrant le frétillement de ses gambettes, petite danse flamenca virulente, bien dosée, posée par Myriam Dasque en coulisses chorégraphiques. On songe au travail de Jean Lorrain avec Renate Pook ou Cathy Dorn et l'on salue ces empreintes bénéfiques, modelées façon Jean Lorrain.....Une habanera magnifique où l'on irait bien s’encanailler avec Lillas Pastia sur les remparts de Séville  où auprès de cette "fleur que tu m'avais donnée" interprétée par Dominique Charras,rayonnante et très à l'aise.Une petite seguedille pour ornement, les jambes de Jean comme des compas dansants très "érotiques" !
"Andiamo", leitmotiv de cette soirée inoubliable où comme Chaplin, les deux héros s'en vont, de dos, pour mieux réapparaitre lors de deux rappels mozartiens de toute beauté!
Adio! Ciao l'artiste! Jean sans peur et sans reproche s'en va, tirant sa révérence, se faisant la belle à l'anglaise devant ses deux complices qui eux, continueront de tenir la scène.
Le pianiste les bordant de son interprétation fidèle compagne du spectacle avec dévotion, discrétion et beaucoup de talent! Charles Slusznis aux commandes de ces péripéties, divagations salutaires dans le panthéon de l'Opéra et des ses anti-héros "finissants", séniors "éhpadants" dans la "Casa Verdi" de l'âge florissant, flamboyant !
Le plus bel édifice dédiés aux musiciens -amoureux- à la retraite à Milan!

Humour, j'écris ton nom.Adios ou "andiamo": allons de l'avant !
Toujours, les "beaux et vieux jours "sont radieux !!!

Et l'on termine autour d'un pot participatif fort sympathique, réunissant le nombreux public, conquis et heureux !

Ce concert est soutenu par l'association "A livre ouvert- wie ein offenes Buch»
pour soutenir la lecture et l'animation auprès de publics différents "dégenrés" aussi !!! 
Au Munsterhof les 28 et 29 Février à 20H Strasbourg 

mercredi 26 février 2020

"Faire corps" : Adrien M et Claire B: une plongée expérimentale en eaux virtuelles, enchanteresse !


"Faire corps - Adrien M & Claire B" est un ensemble d'œuvres immersives et interactives, réunies pour la première fois à la Gaîté Lyrique : une exposition-expérience qui nous invite à bouger, danser, interagir.

Faire corps - Adrien M & Claire B est une exposition-expérience qui présente différentes œuvres de la compagnie, réunies pour la première fois à la Gaîté Lyrique :
  • XYZT (2011-2015)son premier corpus d'œuvres,
  • L’ombre de la vapeur (2018), montrée pour la première fois à Paris, pièce produite par la Fondation d’entreprise Martell et adaptée pour la Gaîté Lyrique sur 500m2,
  • Core et Effluve (2020), deux pièces contemplatives créées pour la Gaîté Lyrique.
Accompagné d'une musique enveloppante, signée par Olivier Mellano avec les voix enchanteresses de Kyrie Kristmanson, l'émouvant parcours propose un changement de posture et d'attention à l'égard de ce qui nous entoure. Composé d’une dizaine de dispositifs, Faire corps - Adrien M & Claire B forme un vaste ensemble intuitif, éblouissant et curieux, intelligent et vibrant, dans lequel nous sommes invité·e·s à entrer, à bouger, à danser, à interagir.
Nous sommes immergé·e·s dans ce monde vivant qui ne cherche qu’à changer et à se transformer à notre contact, sous l’effet de nos gestes et de nos corps en mouvement. Avançant dans la pénombre, il faut jouer avec l’ombre et la lumière, les points et les lignes, le temps et l’espace, le vrai et le faux.

Le "ravissement" en action.
Abracadabra !
Il faut se prendre au jeu,être l'acteur de ses propres divagations dans cet "espace préparé" comme un piano à la John Cage !  Plonger dans des univers virtuels tantôt interactifs, comme ces parterres de pointillés lumineux que l'on foule du pied à loisir, traçant, dessinant toutes sortes d'empreintes éphémères au sol, se jouant des formes hybrides, des tracés improbables qui fuient sous nos pieds, se dérobent , se déchainent... Merlin l'Enchanteur veille au grain, actif, guidant nos envies, nos hésitations, nos peurs de franchir le miroir et de se retrouver de l'autre côté !
On est aussi corps-écran, réfléchissant la lumière, donnant corps à ses esquisses lumineuses, volatiles, vibratiles, passantes et ludiques. On passe d'une installation à l'autre en compagnie d'un public enchanté, fasciné par ce qu'il produit: des anamorphoses, des images d'eux-même, torsadées, triturées par l'interactivité gestes-lumière, par l'inventivité aussi des postures, mouvements ou autres divagations que l'on explore et que suscite chacun des dispositifs..On perce des murs , on glisse ses mains sur un support tactile qui imprime nos gestes, carresses ou glissades des mains, comme sur un établi de fantaisies singulières: dessins, traces, impacts divers, magiques, magnétiques qui nous rendent vivants, présents, jamais passifs. Regarder les facéties des autres faisant aussi partie du jeu!
Des vitrines renferment des objets ludiques en verre qui absorbent lettres, chainettes de formules magiques abracadabrantesques!
C'est jouissif et impulsif, digne d'une galerie-palais des glaces où l'on se prend à danse, se mouvoir pour des sollicitations sensitives et plastiques variées et fort esthétiques. Une plongée sur ce petit peuple qui s'agite sous nos yeux éberlués s'impose, le temps d'un spectacle improvisé, joué par des acteurs curieux et participatifs, friands de sensations et de découvertes fertiles;
On en revient, on en ressort éprouvé et satisfait d'avoir participer à l'élaboration d'un monde enchanté, en noir et blanc, sobre et pourtant si virtuose et sophistiqué en matière de technologies nouvelles. Une fois de plus, la danse trace des mondes nouveaux, des territoires d'investigation que elle seule sait inventer, deviner, en prospective, de l'avant et vers des interrogations prolixes signées de ses deux fils et filles prodigues de l’icône animée: Claire B et Adrien M ...





Depuis 2011, Adrien M & Claire B interrogent le mouvement et son impact dans des œuvres qui mêlent spectacle vivant et arts visuels. S'inspirant des mathématiques et des sciences naturelles, la compagnie Adrien M & Claire B, basée à Lyon, donne vie à un langage poétique visuel, et dessine de singuliers paysages dans lesquels nos corps viennent se perdre et se trouver.

"Elvedon": Christos Papadopoulos: du vague à l'âme !



Dans Elvedon, sa première création qui date de 2016, il se laisse inspirer par les vagues maritimes et les bancs de poissons.
A marée haute, "vaguement" inspirée par l'attraction lunaire des marées, voici la seconde pièce présentée lors de cette rétrospective du chorégraphe grec.
Des pulsations régulières de musique répétitive, des soubresauts de corps, compactés en groupe donnent le "la" de cette composition musicale et vibratile, digne d'un tableau impressionniste, vibrant d'autant de points animés, d'électrons libres de fébrilité.De dos dans la semi-obscurité dans des tenues banalisées, cinq femmes, un homme se déplacent régulièrement, d'une façon infime et minimale, imperceptibles mouvements de corps qui font unisson, front.
Sur place de légers tremblements engendrent de légères torsions, infimes modifications du corps "de ballet" de cet opus hypnotique. Fouiller un sujet, l'explorer, le tordre jusqu'au bout de son propos: ainsi Papadopoulos procède et fait de cette écriture un grimoire, palimpseste de ses idées chorégraphiques et spatio-temporelles.
Des avancées minimales, des vibrations sempiternelles en font un ouvrage singulier, toujours recommencé sur l'établi.
Oscillations, balancements réguliers des bras ballants, relâchés, tout ici concourt à une atmosphère pourtant tendue, en alerte, douce menace aussi de pétrification possible...
Un tempo de métronome s'installe, des bruits de vague au loin dans le fracas des rythmes répétitifs engendrent un univers une ambiance étrange, lointaine
De la vague à l'âme, des flux et reflux légers, une attirance aspirante vers le groupe pour phare et lumières de repérage commune.Des battements obsédants, quasi soporifiques, sédatifs du geste s'enlisent, se fondent dans cet espace, nu, habité par les divagations précises des six personnages anonymes.La fascination du retour éternel, répétitif, routine de petites marches saccadées en diagonale ou frontale, opère, hypnotique.Des contretemps au bout des pieds, des contrepoints infimes pour mieux créer de petits heurts, des petits pas latéraux. Quelques accélérations, bras allongés cassent la routine, viennent et naissent de petites courses furtives qui vont se déchainer, en arrière, en avancées...Soudain et au fur et à mesure l'un d'entre eux chute en gardant pourtant inscrites les pulsations, comme des vies qui ne meurent jamais. Ils s'en révèlent pourtant et l'on ne termine pas cette aventure en empathie, sur ces chutes d'épuisement....
Sains et saufs, les créatures de cette tribu, horde soudée, se rendent à la verticalité....
 Ce soir là Christos Papadopoulos dansait au pied levé en remplacement d'un danseur blessé et toute la virtuosité de cette écriture minimale en était bouleversante !

Au Théâtre des Abbesses jusqu'au 24 Février


Pays Grèce
concept & chorégraphie Christos Papadopoulos
DRAMATURGIE Tassos Koukoutas MUSIQUE Coti K LUMIÈRES Tasos Palaioroutas COSTUMES Angelos Mentis DÉCOR Evangelia Therianou ASSISTANTES DU CHORÉGRAPHE Katerina Spyropoulou, Ioanna Antonarou AVEC Maria Bregianni, Nanti Gogoulou, Amalia Kosma, Hara Kotsali, Giorgos Kotsifakis, Dimitra Mertzani, Efthymis Moschopoulos, Ioanna Paraskevopoulou, Alexis Tsiamoglou, Alexandros Varelas
Christos Papadopoulos a été découvert dans le cadre de Chanti

dimanche 23 février 2020

"Balanchine" : conforme et en forme ! Le Ballet de l'Opéra a du tempérament !


Ce spectacle consacré à l’art de Balanchine réunit trois oeuvres de danse pure de la première période américaine du chorégraphe. Trois chorégraphies d’ensemble dans lesquelles les corps vibrent tels les instruments d’un orchestre. 

Jubilo, ergo sum
Sur les notes de Bach, "Concerto Barocco" construit en fondu enchaîné une succession de formes adressées au regard tels les éléments décoratifs d’une architecture baroque. Les Quatre Tempéraments proposent un contrepoint visuel aux variations de Paul Hindemith. À l’image des humeurs qui traversent les hommes, la danse, fluide et imprévisible, mêle consonances et dissonances dans une écriture à la fois rigoureuse et libre.
En "jupettes blanches", c'est un jeu de dames qui s'agitte joyeusement sur les notes, en fugues et fuites où chacun trouve sa place, son "endroit", son milieu et s'y plait à loisir...i successives: manèges des dix danseuses, un danseur portant les unes et les autres en alternance. Bouquets de danseuses, tunels, emboitements: autant d'instants de passes ludiques, malines et fort construites où les corps se jouent des instant aléatoires pour les faire se rejoindre en constructions savantes d'entrelacts.Placements parfaits des corps dansants dans l'espace, déplacements où chacun, chacune trouve sa place, son "endroit", son milieu à sa juste mesure et pour son plus grang plaisir, son loisir assumé, vécu.
Fils et filles prodiges de Balanchine, les danseurs et solites du ballet de l'Opéra de Paris exultent, se réjouissent, s'amusent, muses et allégorie du beau, effigies de la grâce et des transports jouissifs en commun.
Tous au diapason, dans cet hommage à la Femme, pour illustrer cette jubilation avec Bach: pointes et genoux pliés, bras en arc, liés, reliés en guirlande dans des enchainements, maille à maille.
Crochetage au point de crochet, "style et technique" en conformité avec le patrimoine balanchinien, à "la pointe de la jubilation": "jubilo, ergo sum...




L'éhémère comme credo
Dans "Sérénade", Balanchine convoque l’univers russe de son maître Tchaikovski et les corps modernes de la jeunesse new-yorkaise qu’il découvre à son arrivée aux États-Unis. Photographie de son temps, le ballet évoque aussi par son atmosphère romantique Les Sylphides de Fokine, autre maître aimé de Balanchine.
Un corps de ballet dans des costumes de voiles bleutés, longues jupes plissées transparentes, évolue, traces, signes, points en autant de figures mythiques, signatures balanchiniennes.Tableaux extrêmement composés, chaines, collier de perles ou guirlandes de corps qui se font et se défont à l'envi. Beauté fluide et volatile, éphémère et gracile des danseuses, unies, réunies et convoquées à ce rituel d'une construction architecturale, de quintet, de groupe évanescent. Une femme esseulée se détache un "prince charmant" acoure pour briser la quiétude de ce gynécé tendre et romantique....Un duo tisse des arabesques vertigineuses, alors que le groupe de danseuses bordent leurs évolutions d'autant d'arabesques plongeantes, virtuoses.Le travail remarquable des bras en couronne, en arc ourle la danse: on entend le bruissement des pointes qui frétillent, en ligne, en rangs sérrés. Pas de valse, grands écarts à terre, chaine des bras qui s'enlacent pour mieux couronner l'espace, comme les mailles d'un tricot qui se font et se défont... De beaux unissons, des chutes aussi, gracieuses, des reprises et citations de danse classique et de grands rôles de ballet mythique.
C'est du "tout Balanchine", conforme, labellisé, juste et miraculeusement contemporain; on songe à Forsythe qui a continuer à détricoter le langage classique en le vivifiant en code et grammaire tonique, décapante, stylé.
La griffe du grand chorégraphe atteint, touche et remue, efficace, dense, obéisant à des canons de beauté légendaires et fabuleux. Un trio atteste de cette fragilité contemporaine, là où deux ballerines, cheveux défaits s'adonnent aux joies d'un trio, portées par le danseur, épris comme elles de liberté ! Histoire de jalousie, de concurence, de possesivité mais aussi d'abandon et de possession amoureuse ! Au finale, l'élue est portée, victime, sacrifiée ou trophée....

Un épisode bien "trempé"
Les "Quatre Tempéraments" proposent un contrepoint visuel aux variations de Paul Hindemith. À l’image des humeurs qui traversent les hommes, la danse, fluide et imprévisible, mêle consonances et dissonances dans une écriture à la fois rigoureuse et libre. En tenue très académique, les voici, ces danseurs d'exception, à exécuter tours, pas de chat en dedans, bascules du bassin, autant d'audaces de styles, en rupture avec l'académisme classique de bon aloi. Envolées suspendue d'un danseur soliste remarquable comme en apesanteur, frolant à peine le sol... Des chutes qui retournent les corps, du déséquilibre annoncé, rattrapé à peine: la danse masculine magnifiée dans des arceaux, cintres de l'architecture chorégraphique, unique écriture savante sur le plateau nu, éclairé en fond de lumières discrètes. L'émotion retenue de quelques mouvements en cadence militaire, errance mélancolique aussi au son des violons de l'orchestren en osmose avec la danse vivante !
 Encore un solo magnétique d'un danseur qui virevolte, saute et s'élève au zénith de la félicité ... Quelques obstacles à franchir encore dans l'éther pour atteindre le firmament balanchibien...

A l'Opéra Bastille jusqu'au 29 Mars

samedi 22 février 2020

"Fase", Four Movements to the Music of Steve Reich : l'état de grâce incarné !

Un chef-d’œuvre intemporel de l’art musical et chorégraphique, aux sources de l’art d’une des plus grandes chorégraphes contemporaines
La danse contemporaine a produit des œuvres fondatrices qui éblouissent leur public depuis des décennies. Intimement liés à leurs chorégraphes, ces classiques modernes expriment le code-source d’une identité artistique et humaine, tels Café Müller de Pina Bausch ou May B de Maguy Marin. Pour Anne Teresa De Keersmaeker, cette pièce originelle est Fase, Four Movements to the Music of Steve Reich. En trois duos et un solo, la jeune Bruxelloise façonne en 1982, sur quatre partitions majeures du pionnier de la musique répétitive, un chef-d’œuvre absolu de la danse minimale. La fameuse rosace dessinée par les pieds de la chorégraphe dans son solo Violin Phase donna même le nom de la compagnie : Rosas. Depuis, Fase n’a pas pris une ride et est aujourd’hui reprise par une nouvelle génération de danseuses.
Thomas Hahn

On aurait tout dit de ce chef d'oeuvre de la danse contemporaine, alors on se régale de vivre avec ses deux danseuses la rythmique,, la ligne éditoriale de la grande chorégraphe d'aujourd'hui..Des quatre "phases" laquelle préférer tant elles jouent sur une gestuelle voisine de l'hésitation, du volte face, des multidirections éclairs qui fascinent, déroutent le regard, brisent la temporalité...
Le premier dos, en robes grises et soquettes blanches, réserve aux deux interprètes la latitude du bonheur de l'évolution répétitive, bordée de spectres dédoublés, semant trouble et confusion pour celui qui regarde, elles semblant ignorer ces deux , trois ou quatre reproductions qui les assistent. Six personnages parfois se rencontrent, s'effacent, se rejoignent, de chair ou de virtualité, ombres portées comme dans un théâtre fantastique de silhouettes vaporeuses. Spectres ou esprits légers, fantômes discrets qui se jouent d'une extrême complexité des mouvements répétitifs...Le second volet est un solo virtuose, léger, versatile et plein de charme où la danseuse virevolte joyeuse dans des ébats jouissifs, érotiques, soulevant jupette et corps pour mieux atteindre un zénith de jouissance jubilatoire. Regard espiègle sur cette musique "violin phase, irrésistible attraction du temps et de l'apesanteur..
Les deux duos où l'on retrouve les deux interprètes en sorte d'uniforme, pantalon, chemisiers, chaussures renforcées pour permettre des pointes imagées, contraires à celles de la danse classique. Sur un tabouret, elles signent la gestuelle découpée, savante de Anne Teresa de Keersmaeker, avec grâce, vélocité et l'on demeure fasciné, en apnée devant cette exécution irréprochable d'une chorégraphie tirée au cordeau, jubilatoire dessin de la musique de Steve Reich, omnubilante mélodie fascinante de l'hypnose tranquille.

A l'Espace Cardin jusqu'au 22 Février





Créé avec Michèle Anne De Mey, Anne Teresa De Keersmaeker Musique Steve Reich, Piano Phase (1967), Come Out (1966), Violin Phase (1967), Clapping Music (1972) Lumières Remon Fromont Costumes 1981 Martine André, Anne Teresa De Keersmaeker avec en alternance Yuika Hashimoto, Laura Maria Poletti / Laura Bachman, Soa Ratsifandrihana
création le 18 mars 1982, Beursscho

"Ion": élytres archaïques.....


Pour Ion, Christos Papadopoulos a cherché du côté de la physique, de la sociologie et même de l’ornithologie. Pour un retour aux sources en toute sobriété.
Christos Papadopoulos est un jeune chorégraphe. Grec. Et en vogue. Ce qui, a priori, le prédestine à créer des fresques où se chevaucheraient une myriade de mythes antiques et fondateurs, pour être revus par le prisme des crises actuelles, comme chez Dimitris Papaioannou et autres Euripides Laskaridis, récemment passés par les scènes du Théâtre de la Ville. Mais il n’en est rien chez Papadopoulos. Ce jeune prodige creuse des strates plus ancestrales encore, en investiguant sur un possible secret de la nature qui pourrait, sans que nous en ayons conscience, déterminer le vivre-ensemble des humains : Un code-source de la cohésion sociale. Le chorégraphe endosse alors l’habit de la recherche fondamentale et se tourne vers les êtres dont le rapport au monde n’a guère changé depuis leur apparition : les animaux.

Tremblements de terre, passages furtifs de créatures hybrides dans le noir comme attirées par un néon, plante carnivore , aimant attirant irrésistiblement ces êtres vers lui pour les repousser simultanément. L'icone est forte et plonge dans une ambiance archaique, archéologie des corps et de l'atmosphère antique.
Bruits de pas, préssés, en sus....Des formes se précisent dans un brouillard léger comme dans un hamam, peuplés de spectres, de silhouettes diaphanes, de noirs contours comme atours.Groupe compact , dense qui entame un long parcours dans la lenteur hypnotique de déplacements infimes, glissés, quasi sur place légèrement décalé, frontal, les regards lointains rivés sur l'horizon.Torses nus, hommes et femmes, dix danseurs de corpulences variables, cheminent ainsi sur une musique lancinante, répétitive à l'envi.
Tentaculaire danse qui avance, progresse, interroge le temps et son dérouklement dans l'espace, nu, vide.Des traces d'empreintes se dessinent peu à peu sur le sol, signes des déplacements, chemins de fourmis sur le sol blanchi de poudre éparpillée.Regars frontaux, fixes des interprètes, dociles créatures de reve éveillé, mues par l'intemporalité, la vacuité , l'errance, la promenade , divagation étrange de silhouettes animées par une force attractive, aimant insolite.Plongée dans un monde autant aquatique que aérien, étrangeté des expressions lisses des visages. Comme sur une cène tournante ou un tapis roulant, les corps semblent défiler, passer, s'exposer . Ils tissent trame et chaine de circonvolutions énigmatique comme pour former une toile éphémère, dissolus, vague et fragile. Le groupe peu à peu se délite, chacun prend le large doucement semblant s'affranchir de cette aspiration en spirale d'un souffle vertigineux.Motifs de tapis persan qui se dessinent au sol, comme ses empreintes, des "danses tracées", des "pélerins" à la Angeletti....Chenilles amphibies, pas et déroulement de coléoptères invisibles qui au finale se retrouvent sctotchés à nouveau au néon qui réapparait, les aspirant de dos comme un attrape moustiques draconien, irésistible aimant de l'espace ainsi conquis une heure durant, hypnotique paysage animé de grâce et de félicité.

Au Théâtre des Abbesses jusqu'au 24 Février

mardi 18 février 2020

"Yours, Virginia": du ballet ! Etre soi au bon endroit, lieu de la danse.

[CRÉATION]
Pièce pour l’ensemble de la compagnie

Pour cette ambitieuse création, le chorégraphe israélien Gil Harush, auteur de The Heart of my Heart pour les danseurs du Ballet de l’Opéra national du Rhin au printemps 2018, exprime toute sa passion pour la personnalité et l’œuvre de la romancière et essayiste anglaise Virginia Woolf qui a tant marqué l’histoire de la littérature du xxe siècle avec des œuvres telles que Orlando : a Biography, The Waves, Mrs. Dalloway ou A Room of One’s Own. Sa correspondance avec son mari est à elle seule une expérience de lecture saisissante et déchirante.
Elle s’interrompit quelques heures avant qu’elle ne décide de mettre fin à ses jours en se noyant dans la rivière qui jouxtait Monk’s House, leur maison,dans le village de Rodmell dans l’East Sussex. Peu de voix de son époque ont autant compté. Et aujourd’hui encore, la liberté et le génie de Virginia Woolf, son audace formelle, son univers poétique et l’idée qu’elle se faisait de la femme écrivaine indépendante sidèrent toujours autant, plus de soixante-dix ans après sa disparition.
Gil Harush développe son hommage à Virginia Woolf dans une pièce qui est interprétée par l’ensemble de la compagnie.




Les lieux de là, le lieu de la danse, "la vague" à l'âme, à la mélancolie, à la folie, à l'hystérie; la "vague" à la meute, à la foule qui s'émeut de tant de fougue, d'abandon, de laisser faire, sur les corps convoquées à revêtir ces habits, cette peau du monde, d'un monde tel que Virginia Woolf imaginait les contours et le dedans...Gil Harush attrape la figure de l'écrivaine, auteure troublante de tant d'ouvrages, de correspondances que Emmanuelle Favier a rassemblés pour mieux se pencher sur sa "personne".
Multipliée en tant que femme dans des évocations diverses, d'amante, de femme dresseur d'hommes rassemblés, couchés à ses pieds, devant la guerrière combattante.Images de groupes circulant au gré de la musique, collages inspirés de morceaux de référence, baroques ou plus contemporains, rehaussée par la présence sur scène du pianiste.
Deux parties distinctes se dessinent et offrent à cette pièce, unique en son genre "dégenrée", un aspect une appréhension curieuse: les mouvements sont secs, directs, presque autoritaires, syncopés.
Les pieds flexs, le corps étirés comme des athlètes, ceux des "locomotion" de Muybridge en redondance.
Femmes et hommes s'opposent en groupe distincts, tribus mobiles, giratoires, mues par des aspirations, rotations ou glissements progressifs.L'esthétique quasi olympique de corps canoniques voués à la virtuosité de pas, attitudes et pauses mesurées.
Tout ici converge vers une interrogation sur l'être avec les autres, sur la communauté, l'isolement de la page blanche de l'écrivain, mais aussi l'irrésistible attirance et nécessité du groupe.
L'assemblée célébrant l'humain, son lieu d'attache, son endroit de convergence où il a pied , se porte bien
De très beaux portés sublimant ce désir d'appartenir à l'autre, pilier et fondement de soi.
La chorégraphie limpide, celle de l'eau qui sourd et coule de source, inonde le plateau par son évocation de vague, bordée par les corps qui tanguent, font front et s'offrent au flux et reflux de l'écriture de Gil Harush. De beaux détirés, de petites courses vrillées, un don pour isoler des personnages parmi la foule, de magnifier des duos ou trios: étranges "appuis têtes" comme rebond
Un univers de sculptures et d'architecture mouvante se dresse, se renverse, inverse les rôles, tête- bêche pour former des êtres hybrides inconnus.Un bocal bleu comme "bulle" d'air qui se promène, de l'immobilité à la conquête simultanément d'éléments disturbants qui bougent.
Des relations glacées, abruptes aussi entre hommes et femmes, lutte incessante au coeur de groupe constitués des deux "genres", féminin, masculin.
Fluidité d'un couple qui borde la harpe et la flûte d'un des morceaux convoqués pour ébranler la danse, la propulser au coeur du plateau envahi de multiples propositions simultanées.
Un ouvrage hors du commun que ce "Yours, Virginia", plume débridée d'un chorégraphe au coeur de l'analyse : équilibre, déséquilibre des êtres, gestes désordonnés,célérité, syncope et vélocité hallucinante de comportements étranges, dérangés, déplacés.Confusion et fusion des corps pour semer le trouble dans des unissons parfois très mécaniques, bien huilées.
Deux faunes couronnés s'enlacent, célèbrent la nudité, la beauté canonique.
Alors que dans le camp des femmes, les hommes à quatre pattes soumettent leurs humeurs. Gynécé, tranquille icône de l'univers de Virginia, valse lente de deux créatures en fond de scène...On  a de cesse de tout voir, tout capter tant cela fuse: image d'une carapace que l'on ôte, costumes étranges que ses slips et gaines moulant des corps athlétiques.
Et qui sont-elles ces femmes dont les prénoms énumérés esquissent une musique mélancolique où l'on retrouve son identité...
Une scène marquante où le pianiste convoque chacun des danseurs à s'unir à son jeu, esquisser quelques notes et laisser sa place à un autre, construisant la musique comme un manège, tourne collective d'un manifeste en faveur de l'esprit de communauté, entourant le soliste !
Les danseurs du Ballet, évoluant dans cette forme aujourd'hui rare de "ballet", oeuvre complexe et construite tisant des formes, des entrelacs de pointes et de flex, de promenade, de divagation de la pensée en mouvements
En soulèvement aussi, à la manière de Virginia ...


Distribution :
Chorégraphie : Gil Harush Musique : Benjamin Britten, Dmitri Chostakovitch, Philip Glass, Arvo Pärt, Ralph Vaughan Williams
Direction musicale : Thomas Herzog Dramaturgie musicale : Jamie Man
Costumes : Gil Harush Scénographie : Aurélie Maestre
Lumières : 
Les artistes :
CCN • Ballet de l’Opéra national du Rhin, Orchestre symphonique de Mulhouse
mardi 18 février de 20h00 à 22h00
Opéra National du Rhin - Strasbourg
prix : 22€

samedi 15 février 2020

Les "1001" à Pfaffenhoffen: ça compte pour de bon !


Mais qui sont-elles ces "1001" qui se dissimulent derrière un chiffre, nombre mythique aux mille et une facettes..?
Deux femmes qui aiment définir, inventer de nouvelles règles du jeu, du "nous" en autant de péripéties et de set, de manches à exécuter pour trouver les énigmes du Sphinx, faire tourner nos méninges et ne pas "ménager" les taches du quotidien, charge mentale féminine, vaste illustration de ces "soldats d'opérette", de  pacotilles en rangées serrées...Ici on dépose ses valises pour un bivouac salutaire au pays de l'intriguant, de la surprise, de la balade buissonnière dans des univers plastiques, esthétiques, entre naif et art brut, entre art singulier et "ouvrages de dames" très stylés...Décliner les formes, accumuler les objets, recollecter , fouiller aussi les abysses de nos mémoires, de notre inconscient collectif...Ce qui nous met en empathie, en sympathie avec leur démarche artistique!


"Se mettre en jeu", se mettre en scène en autant de duos, duels, où l'on voit les deux protagonistes en photo, autoportraits, se combattre, se frotter, rivaliser d'imagination, se confondre aussi, ne sachant plus qui a fait quoi..Pour les "actifs" des kits de survie à faire soi-même pour ne perdre le nord de la créativité.Monter sa pièce soi-même, pour des "pièces montées" dignes de pâtissières de génie!
"Habiter le monde", clefs en main pour dénicher l'incongru, trouver la serrure et ouvre des portes multiples.Ne plus "savoir sur quel pied danser" !


"Dans le texte", toujours soutenu par des expressions populaires, naïves mais fondatrices d'évidence!
 et "faire bonne impression" en autant de pixels revisités.
"Jeux d'épreuves", bien moulés, "Papiers peints découpés" comme des ouvrages raffinés, exercices de style maniérés fort édifiants à propos de ce qui recouvre nos murs familiers
"10001 au quotidien" sans contrefaçon puisque le chiffre est toujours respecté dans chaque objet crée, règle du jeu stricte et validée par chacune des protagonistes, enfin dévoilées: Corine Kleck et Véronique Moser, artisanes créatrices de ces jeux, tours de passe-passe, de cache-cache, de passe muraille d'un art singulier
Reproduire, jamais à l'identique, c'est la faute aux copies non conformes à l'originel, indisciplinaire et pas sage du tout!
Quand on "repasse" c'est pour mieux gagner en farniente ménager, en pin up déjantée..Des photos de familles de femmes au bord de la crise de nerfs, en  état de colère à la Almodovar, enfermées dans des vitrines dont elles ne peuvent s'échapper...Claire Bretecher veille au grain de ces Agrippine colorées de fantaisie et de vérité mélangées.

Tout le charme et le ravissement d'une démarche que Marguerite Duras ne saurait renier; des recettes d'une cuisine décalée, déplacée pour le régal d'un festin: celui de Corine et Véronique...Banquet des sophistes éclairés!
1001 raisons de "visiter" ce "déballage" jouissif , parcours enchanté d'un monde qui rejoint si judicieusement l'esprit d'un musée vivant de l'imagerie populaire, bien présente dans notre "quotidien" fantasmé...
On joue sans tricher au jeu de l'amour et du hasard, bien guidé par deux coachs avisées !

1001 : le conte est bon !!! Nos deux Shéhérazade nous tiennent éveillés !

Au Musée de l'Imagerie à Pfaffenhoffen jusqu'au 3 Mai

"Shaker Kami": Nik Bartsch et les Percussions de Strasbourg: chamane et serviteurs du cosmos.


« SHAKER KAMI » – PREMIÈRE
Dans la continuité des collaborations avec le monde du Jazz (Andy Emler Megaoctet, Bobby Previte, Franck Tortiller Quartet…), les Percussions de Strasbourg s’aventurent dans l’univers du jazz minimaliste de Nik Bärtsch. Son travail est au carrefour de la musique contemporaine et du jazz, et se nourrit d’influences venues du funk. Dans sa musique, l’utilisation de la répétition et de structures à base d’entrelacement d’éléments laissent entrevoir l’influence de la musique minimaliste, et en particulier celle de Steve Reich.

La nuit est venue: du haut des cursives de la salle de concert, des grillons, des criquet craquettent de concert, cliquettent dans le noir: nuit d'été, charmeuse où l'on entend des coléoptères voler dans un silence recueilli. Salle comble et attentive, mise au pas par cette ambiance quasi hypnotique, entrée en matière pour cette "création mondiale"...Devant nos yeux et oreilles pétrifiées...Des sons crochetés, comme des graines secouées, des timides percussions naturelles, réunies pour une petite cérémonie rituelle, les six musiciens tout en noir dans l'obscurité....
Puis c'est la montée sur scène, estrade qui accueille cette ronde  dans des rythmes répétitifs sempiternels, en attitude sculpturale, six personnages à la Rodin, gestes des mains comme dessinés dans l'espace donnant chair et couleurs à ses graines secouées comme les soupesant, les considérant pour leur jouissants crissements. Transe et hypnose au poing. Puis chacun regagne sa place, son "endroit", son pupitre pour entamer une longue et belle litanie: c'est parti pour un voyage au long cour, répétitif, enivrant, façon et griffe Nik Bartsch mais de surcroît épaulé par le savoir percuter de Percu ! Mélange, alternance, mariage pour un "duo" duel de formations: un soliste pianiste renforcé par une couronne de percussions efficaces dont le langage propre et singulier se mêle aux touches de notes de notre pianiste, tr-ès zen, en moine tibétain, maitre de cérémonie païenne. Très riche en couleurs, carnations dans un jeu sensible de boite à musique, d'évocations d'univers et d'atmosphères variées, appropriées à cet ensemble singulier, unique. Paysages avec son de cloche, scie chuintante, claquements, frappements de tiges de bois... Le pianiste s'agite, s'émeut percussif tout de sons scintillants, lumineux, acidulés: une belle montée en puissance, envahissante, déferle, quelques sonorités brésiliennes avec des batons de pluies et maracas... Ou au royaumes des cigales qui crissent, frottant leurs élytres pour nous charmer, nous appeler à les rejoindre. Horlogerie détraquée aussi, en tempi rythmés, démontée pour tuer le temps, le modifier ou le pétrifier. ça sonne, ça défile et va bon train, clinquantes envolées, puissants timbres et volumes réunis.
Une reprise du piano comme leitmotiv et enluminure, transformée par tous les bouts de cet instrument devenu percussion, modifié par la proximité intime de l'ensemble des cinq musiciens aux commandes. Belle osmose, vases communicants entre instruments et accessoires divers et variés: son propre écho comme sans voix qui se déchaîne puis retourne à sa source, calme et tranquille. Nik Bartsch, mentor et chamane, chef de tribu bordé de compagnons nouveaux et conquis par ce côté jazzy orchestral, puissante évocation d'univers sidéraux, spirituels, incandescents.
Une réunion à batons rompus, percussions à cappella, solo de piano pour des instants uniques de grâce...Ruptures cinglantes, surprises, détournement de l'attention: du tout Nik Bartsch, relié aux sonorités des Percu, jamais retranchées, toujours magnifiées par ce compagnonnage inédit.  Amoureux des rencontres, chocs et découvertes ont été conquis!

Au Fossé des Treize dans le cadre de la saison Jazzdor à strasbourg le 14 Février

SUISSE – ARGENTINE – FRANCE
Nik Bärtsch, piano
Galdric Subirana, percussions
Enrico Pedicone, percussions
Rémi Schwartz, percussions
Flora Duverger, percussions
Théo His-Mahier, percussions
Olivier Pfeiffer, ingénieur du son



vendredi 14 février 2020

"Yours, Virginia" : des vagues à l'âme, une chambre à soi...


Dans le cadre du ballet Yours, Virginia - Bruno Bouché, le directeur artistique du Ballet de l'OnR, vous convie à un échange autour de la personnalité unique de l'écrivaine féministe Virginia Woolf, en présence de Emmanuelle Favier, auteur de l'oeuvre Virginia (paru en Août 2019) et de Irène Filiberti (POLE-SUD CDCN)

Un échange fructueux sur la lecture des œuvres littéraire et chorégraphique interpellent l'auteure, écrivaine Virginia Woolf...
Ou comment s'affranchir des injonctions sociales, patriarcales, comment décrire l'essence d'une vocation dans un récit poétique, littéraire et subversif à la façon "Woolf" ?..
Comment dans une nouvelle dramaturgie, le chorégraphe Gil Harusch va-t-il éviter biopic, histoire pour créer un "ballet" revendiqué comme genre, ballet d'aujourd'hui, prise de "parole" qui se libère sur la domination , prise de "gestes" façon Virginia. Le livre a circulé parmi les danseurs du Ballet du Rhin, expose Bruno Bouché en réponse à l'introduction de Emmanuelle Favier: pourquoi Virginia aujourd'hui? Ce "féminisme" jamais revendiqué comme tel par l'écrivaine, cette résurgence de sa figure fait questionnement, interroge: ici pas d'affirmation idéologique mais plutôt pragmatique, dans le concret, comme un modèle, une "grande sœur" fondatrice du genre dégenré qui s'autorise à être artiste femme, à la marge. Transposer la littérature dans le vivant, la danse "ce que lui fait à lui, chorégraphe, Virginia": du vampirisme, de l'irrespect hors norme face à une œuvre intouchable mais accessible à qui veut bien la visiter sans œillères.. Sans idée préconçue, cliché ou autre falsifications douteuses.Du subjectif, pas un "hommage" à l'auteure: il y développe sa singularité, une image genrée qui se représente. Prendre en charge son émancipation, donner fin à sa vie, aussi..Une force psychique que le chorégraphe analyse comme thérapeute très concerné!
Question de "genre" sur les "mots" de Virginia qui se répandent , touchent l'intime: des mots justes pour convoquer le silence, le geste dans la différence."J'ai renoncé à la prise de parole", "c'est écrire qui me donne mes proportions" dans la vie, dans l'espace: crédo commun aux trois auteurs: chorégraphe, écrivaines.
Un travail sur le déséquilibre s'amorce, se ressent: habiter son corps, son lieu à soi, l'endroit du corps où l'on se sent "bien". Correspondance entre psyché et Terpsichore !!
La chorégraphie est "genrée" sur les partitions corporelles et musicales: désir, sensualité, jeux de liberté sur sa propre identité, sa norme en tant qu'individu. Corps respon danse !
On retrouve la "vague" comme motif de l'écriture chorégraphique: l'élément liquide, auditif aussi du son, de la musique, présente, inventée, crée pour l'occasion du ballet.
Les mouvements sont "eau", vague, liquide, vase aussi.Les costumes changent dans une volonté de déconstruction du genre "ballet" mais respectant , infléchissant l'évacuation d'une intrigue, d'une histoire, d'une narration intempestive.
Virginia ne "raconte pas d'histoire"? c'est ce qui se passe dans l'humain qui la questionne, l'intrigue, la tarabuste et taraude. De même pour Gil Harush et sa fabrique de la pensée qui tient l'affectif et l'intellect, soudés.Pensée en marche, en mouvement, comme celle de l'écrivaine, à part.
Même démarche. Le groupe de danseurs y est masse physique, psychique alors que chaque individu y est aussi traité comme un être unique qui s'en détache, s'en extrait.

Vagues à l'âme, vagues alarme qui divaguent. Comme celle de la sculptrice Camille Claudel ou de la danseuse Isadora Duncan.

Une grande osmose avec l'orchestre "vivant" présent, son chef impliqué dans la recherche musicale adéquate est une grande joie pour Bruno Bouché, enthousiaste.Des images lui restent imprimées, travaillant corps et esprit, qui le poursuivent de leur impact, leur résonance: questionner le réel pour le faire"bouger"...
Des "impossibles" s'y expriment, jamais résolus, en suspens, en suspension, en suspens énigmatique..
Chutes, courses et ruptures, empêchements au registre de ce qui n'est jamais "illustration": c'est dense, touffu, multipliant les points de vues, brouillant les pistes de focales, comme l'écriture de Virginia, femme combative, pleine d'humour, de mélancolie aussi.
On se débarrasse ici des clichés sur son personnage, on prend des "états de corps" de lecteur, de spectateur impliqué, concerné.Ce n'est pas une "distraction" ni un divertissement mais une immersion en plongée dans une découverte de soi et de l'autre.On y "considère" le public respectueusement pour qu'il découvre matière et propos pour s'y transformer."Satisfait" d'être ainsi considéré, ouvrant des horizons multiples, des visions sur toutes ses propositions de lecture. Comme Camus, avoue Emmanuelle Favier qui vit à la fois la solitude de l'écrivaine et le désir de partage, d'incarnation de ses œuvres: par la lecture, par le jeu des comédiens ou danseurs qui donnent corps et voix à une œuvre écrite, composée.
Elle a fait elle même feu de tout bois pour son ouvrage sur Virginia: essai, journal intime, critiques, romans: tout ce qui "correspondait" à son désir de traduire, de passer en relais et flambeau, l’œuvre de cette femme en rébellion. En soulèvement.
"Votre" Virginia, bien à vous, de beaucoup de vous, des uns aux autres ..
Une signature, dédicace, correspondance "timbrée", affranchie, libre !


Gil Harush crée des états psychologiques sur le plateau en tant que thérapeute aussi: le geste est un moyen d'expression, qu'il soit tribal, académique ou appartenant à d'autres codes, grammaire ou registre.Des états de groupe en émergent. Être à l'endroit où l'on veut être, toujours
Comme l'angoisse face à la  page blanche, comme le plaisir de la savoir remplie, après.
"Le texte me remplit", les acteurs" remplissent les mots de mes pièces de théâtre" pour Emmanuelle Favier.
Et pour Bruno Bouché, "l'endroit" c'est le studio de danse, le lieu où il trouve sa "place" et construit sa sémantique avec ses danseurs.
La "solitude" pour chacun restant nécessaire ou effrayante!

Très belle rencontre, tissée de complicités, de correspondances multiples aux entrées et sorties, cour et jardin, prolixes et prometteuse d'un "ballet" retrouvé sous sa forme complexe d'oeuvre nourricière§
Et buissonnière aussi !

A la Salle Blanche librairie Kléber le 13 Février



"Histoires d'amour": valses, hésitation...Possesion !

Histoires d’amour

© Gregory Massat S’ouvrant par une lugubre marche funèbre baignée de souffrance, la Symphonie n°5 de Mahler ressemble à un voyage initiatique des ténèbres à la lumière. Certains virent dans son sublime et suspendu Adagietto - rendu mondialement célèbre par Luchino Visconti, dans Mort à Venise - une vibrante déclaration d’amour du musicien à la jeune Alma Schindler rencontrée pendant l’écriture de ce chef-d’œuvre (et avec laquelle il se mariera, en mars 1902). De folle passion, il est aussi question dans la pièce qui ouvre cette soirée, Prélude et mort d’Isolde, d’un compositeur que Mahler adulait.

Programme 
Wagner : Prélude et mort d’Isolde.

C'est un cor glorieux qui entame la partie, suivi des percussions: tout s'anime, s'enfllamme, se réactive, se ravive... Vibrer, s'émouvoir passionnément par ses ondes fluides, aisées qui rapidement deviennent menaçantes...Un drame se profile, bribe de valse, de berceuse enrobante, cajolante pour couverture de dissimulation, de deversion..En crescendo glorieux, ascension martiale, pompeuse, grandiloquente à souhait ! Comme une mêlée de flux profonds, souterrains, mélange savant de tonalités, de genres musicaux, de puissance et fougue, éclatante, jaillissante .Une valse aux accents discrets, dissimulée sous la masse sonore se détache, comme avortée, elle disparait peu à peu: la vie s'en va, se défait, impossible accésibiluité à l'immortalité de l'amour ressenti. Les sons se fracassent encore, s'entrechoquent: turbulences météorologiques du coeur et de l'âme, de l'esprit aussi en répercutions, fracas. Le chef d'orchestre, de dos, comme le célèbre tableau de Caspar David Friedrich, "Voyageur au dessus de la mer de nuages" ...Romantique à l'envi.
Puis tout rentre dans l'ordre après cette tourmente mortelle où les amants, Tristan et Isolde, disparaissent dans le flux et reflux éperdus de souffle, de respirations étouffées..


Mahler : Symphonie n°5 en do dièse mineur.

 Une "jolie" valse précieuse riche, charnelle se profile, clinquante, colorée pleine de cliquetis et clochettes: une inversion soudaine comme un coup de théâtre fait irruption, comme une danse d'un couple fondu dans la foule: touches de violon solo, clarinette légère en sautillements raffinés.Dans cette lente introduction langoureuse, romantique des cordes, l'ampleur de déploie en lent suspens impressionant: grande fluidité mélancolique, puissante au poing. Presque ou quasiment valse chaloupée, aérienne, lumineuse.
La harpe, discrète s'imisce dans ce malstrom, flux et reflux des ondes musicales qui se propagent comme des ronds dans l'eau. Puis en vagues succéssives, reprises pour mieux déferler, prendre de l'élan et éclabousser l'éther: orage, tempête, tourmente sur la mer déchainée des sentiments, comme un navire en perdition.
Cor, vents qui tournent, qui se lèvent dans un magistral final, matial, quasi marche funèbre, lente montée en puissance d'un drame annoncé.
Plus festifs cependant, des accents de cabaret, de cavalcades menaçante, grondante, résonante créent une sorte d'atmosphère de cirque, d'arène dangereuse: hallucinantes et enthousiasmantes visions dantesques, transports volumineux des sons...Ronflants, démesurés...Triomphants ou chaotiques. Un retour aux fragrances funèbres, au calme apparent, soutenu fait croire à une acalmie.Vers une reprise des flux, empathie emphatique avec cette musique déferlante, galopante, insensée! Le chef d'orchestre bondit, saute, électrisé, affolé tout en symbiose corporelle avec l'énergie musicale qui se dégage de cette oeuvre magistrale qui laisse pétrifié comme deux amants soudés pour l'éternité !
Sturm und Drang en emblème émotionnel, pathétique et renversant comme la musique de Malher sait nous effrayer, nous "déplacer" de nos codes et frontières sonores. Décapant, renversant, sidérant de mouvements turbulents...Folle esquisse de joie, de mort, d'amour entre Eros et Thanatos, son coeur balance fougueusement...Valse de mort qui entraine avec elle dans son courant plus d'un amour "transi", pétrifié, menacé par le temps et l'érosion. 

l'OPUS galvanisé par un programme de circonstance: des histoires d'amour impossibles révélant le génie de chacun de ses compositeurs dont on ne peut renier filiation, influences et sublimation complice.


Distribution
Aziz SHOKHAKIMOV : direction.
Et l'orchestre philarmonique de strasbourg !

jeudi 13 février 2020

"Douceurs et sentiers rugueux": Pascal Dusapin:rameaux,racines et nervures musicales....

A l'occasion de la sortie de son nouveau CD chez TAC, l'Ensemble Accroche Note, en collaboration avec le Conservatoire de Strasbourg et la HEAR, organise une journée consacrée aux oeuvres de Pascal Dusapin. Cette journée se déroulera autour de différents moments forts (masterclasses, colloque...) et se clôturera par le concert monographique "Douceurs et sentiers rugueux", en présence du compositeur !

Mercredi 12 février - Cité de la Musique et de la Danse, 20h
➡️Concert monographique / Douceurs et sentiers rugueux
Avec la participation de l’Ensemble Accroche Note et des étudiants de la HEAR et du Conservatoire



Au programme :

 "Trio Rombach" pour clarinette, violoncelle et piano 1998
Le temps s'étire, ruiselle du piano, en sacades, dans la briéveté des sonorités egrenées. Joyeuse sarabande enjouée, les tonalités s'y mélangent, se confondent dans une belle vivacité. Des acalmies en contraste viennent déposer sérénité et recueillement, le piano en touches syncopées: on avance pas à pas dans l'opus, hésite, virevolte au passage: le violoncelle se lamente dans les sons graves, puis la fulgurance irrésistible du piano, libérée, irradiante fait du morceau une oeuvre brutale, rude, abrupte mais pleine d'un charme ardu et déroutant.

"Etude pour piano n°6" 2001
Hongye Lie se joue des difficultés pour cette œuvre où le piano s'écoule, s'égoutte, libre, fluide , evanescent, liquide: ses mouvements de tête et de corps accompagnant le tumulte évoqué dans de belles accélérations.

 " Wolken" pour soprano et piano 2014
La tête dans les nuages, l'écoute au zénith pour apprécier voix et piano, complices: mélodie en allemand, récit animé, doux et tendre évocation de ce qui s'évapore dans l'éher pour l'éternité. Conviction du chant, inquiétude du piano, suspens des doigts de Latchoumia, véritable félin, musicien de la retenue, de la suspension... Félins pour l'autre, avec Françoise Kubler, digne interprète de Pascal Dusapin. Le piano, pas à pas, touche par touche, note à note; dans des aigus raffinés et périlleux, la chanteuse progresse dans des phases plus graves, périodes plus amples où son timbre retenti, déployant toutes ses possibilités vocales. Beaucoup d'émotion dans cette interprétation qui laisse le temps suspendu et rêveur.

" Etude pour piano n°4" 1998/ 1999
Tempo alerte, vif argent, virtuosité des rythmes, rapides, fugaces, mouvants, lancés au vol, déferlants dans une tourmente, tempête qui distille les résonances et échos...

" By the way" pour clarinette et piano 2012/ 2014
Entre vivacité et recueillement, les notes se rattrapent au vol, s'enflamment, sautent, jouent à cache cache: la clarinette franche et acerbe, acidulée, piquante et pimpante en accord avec les notes du piano en onctueuse bordure. Clarté et finesse des sons pour ouvrage très stylé

" Canto" pour voix, clarinette et violoncelle. 1994
 Un trio de chambre et de charme où la voix s'intègre menant au bal sacré d'une mélodie spirituelle très marquée.La voix de Séverine Wiot, comme un enchantement, chaleureux, ample et riche de résonances et fréquences éclatantes. Un chant de toute beauté vécue et ressentie, passeur d'émotions , incarné, à la tessiture épanouie, mure, ample. Du bonheur partagé !

" Beckett’s bones" pour soprano, clarinette et piano 2016
Un récit plaintif, en anglais, a cappella souvent, discrètement soutenu par piano et clarinette. La chanteuse se pose, s'affole, hurle fortement, se fait et se taille une place prépondérante dans ce trio : de belles vibrations et fréquences d'une voix désormais légendaire de Françoise Kubler: accompagnée de façon rare et précieuse par ses compères et complices de toujpurs pour le meilleur d'un hommage-rétrospective du compositeur Pascal Dusapin, au parcours ramifié de tant de créations rhizomes et tronc commun d'une oeuvre magistrale !

A l'auditorium de la cité de la musique et de la danse le 12 Février






Françoise Kubler, soprano / Armand Angster, clarinette / Christophe Beau, violoncelle / Wilhem Latchoumia, piano Etudiants de la HEAR et du Conservatoire. Hongye Liu, piano / Pierre Rouinvy, piano / Severine Wiot, soprano / Sebastian Cortes, clarinette / Juliette Tranchant, violoncelle. Direction du travail des étudiants : Amy Lin et Françoise Kubler.