"L'Amico Fritz": Christain Lacroix n'y fait pas son "arlésienne"!

Avec "L'Amico Fritz" Christian Lacroix met en oeuvre ses talents de "folkloriste", pour créer les costumes de cet opéra très "couleur locale",lui si attaché à ses racines arlésiennes, à son amour de la tauromachie ou de toute autre obédience régionale!

Le voici aux prises avec une "alsacienne" qui ne sera pas une "arlésienne": bien campée dans un costume légèrement décalé: si peu avec tant de discrétion que de fantaisie
Photos de Alain Kaiser

"L'Amico Fritz"
Commedia lirica en trois actes de Pietro Mascagni
Livret de P. Suardon (Nicola Daspuro)
d'après le roman d'Erckmann-Chatrian
Après les éclats véristes de Cavalleria rusticana, Mascagni se tourne vers la comédie et le conte. Choisissant d'adapter une nouvelle d'Erckmann et Chatrian, il montre ici une tout autre facette de son génie, celle de la douceur et de la tendresse, du lyrisme plein de charme. Loin des affres de l'adultère dépeints dans son précédent chef-d'œuvre, L'Amico Fritz chante au contraire l'amour naissant et la douceur de vivre en Alsace !

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A l'Opéra National du Rhin, Strasbourg du 24 Octobre au 7 Novembre

Direction musicale Paolo Carignani / Fabrizio Maria Carminati (21/11)
Mise en scène Vincent Boussard
Décors Vincent Lemaire
Costumes Christian Lacroix
Lumières Guido LeviVidéo Isabel Robson

Fritz Kobus Teodor Ilincai
Suzel Brigitta Kele
Beppe Anna Radziejewska
David Elia Fabbian
Hanezò Sévag Tachdjian
Federico Mark Van Arsdale

Chœurs de l'Opéra national du Rhin
Orchestre philharmonique de Strasbourg

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Wald Disney danse macabre....skeleton dance!

"La danse macabre" est le tout premier court-métrage de la série des "Silly Symphonies" et autant dire que l'on se trouve devant une oeuvre particulièrement marquante et qui a du inspirer un certain Tim Burton. L'animation est remarquable pour l'époque (n'oublions pas que cela date de 1929 !), la musique vraiment entraînante et l'histoire qui se situe dans un cimetière se suit avec un réel plaisir, car il y a en plus une bonne dose d'humour. Un des must de Walt Disney qui se doit donc d'être découvert impérativement ! 

 

La nuit tombe, le hibou s'éveille, les chauve-souris quittent le clocher de l'église qui sonne les douze coups de minuit, une araignée quitte son arbre, un chien hurle à la lune, deux chats se battent dans le cimetière... C'est le moment qu'attendaient les squelettes pour sortir et s'amuser un peu. Le hibou observe, à ses dépens, les quatre squelettes qui viennent donner de la vie au cimetière endormi. Cela commence par une petite danse joyeuse. Ensuite, l'un d'entre eux joue du xylophone sur le corps d'un de ses comparses, un autre utilise un chat comme contrebasse pendant que le dernier danse en rythme. Mais le coq et son cri ramènent ce petit monde de la nuit à la réalité, il est temps pour les squelettes de se hâter et de regagner leur tombe.

Danse, Tanz, Rock du Millénaire avec Daniel Depoutot! Il bouge notre "crock-coeur"!

Une sarabande de squelettes mus par une mécanique à base d'objets récupérés: dans son atelier, l'artiste Daniel Depoutot apporte les dernières touches à une horloge monumentale qu'il entend exposer en la cathédrale de Strasbourg, à l'occasion de son millénaire.

Et la sortie en décembre d'un calendrier sur LA DANSE TANZ...
RDV les 6 et 7 Décembre à la Basse-Cour des miracles au port du rhin!
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Exposition "Rock autour de l'horloge" à Drusenheim au centre culturel.

Depuis une vingtaine d’années, Daniel Depoutot occupe d’anciens locaux du groupe Coop Alsace au Port du Rhin à Strasbourg. Il y déploie une intense et protéiforme activité artistique basée sur le mouvement. Il élabore des automates et toutes sortes de créatures hybrides, monstres, chimères, machines abracadabrantesques. Il s’intéresse au rebut, au déchet, au repoussant, au "Freaks" des bas-fonds, "à la beauté des laids qui se voit sans délai" (S.Gainsbourg). Tout ça n’est pas toujours très ragoûtant mais finit par constituer une Oeuvre qui s’exhibe un peu partout en Europe et même au Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg.

Depuis quelques temps ,et suivant en cela l’exemple des grands anciens, tel Gauguin parti à Tahiti ou Braque et Picasso inventant le cubisme après leur découverte des "arts premiers", l’artiste retourne aux sources de son art et s’intéresse à la "mère" des machines, à l’origine de toutes les autres, l’horloge mécanique, invention diabolique du XIIIème siècle.
L’exposition Rock autour de l’Horloge est l’occasion de présenter un ensemble significatif de sculptures et de dessins, de la "Machine à Botter les Culs" à celle "à Souffler sous les Jupes"(sous réserve) en passant par "les Bourgeois Décalés". Un mécanisme d’horloge de bonne taille et de belle facture, couplé à l’un ou l’autre squelette échappé d’une danse macabre, préfigurera l’installation qu’il prépare avec Michel Reverdy pour la Cathédrale de Strasbourg dans le cadre des festivités du millénaire des fondations en 2015, et nous rappelle l’approche de la récré, le rendez-vous avec la belle Angèle, mais aussi d’autres inéluctables échéances ... 

Course contre l'horloge!

En dernier ressort!

C'est dans un entrepôt désaffecté du port du Rhin à Strasbourg que le plasticien explore depuis des années l'art des automates, avec la complicité bienveillante de la déchetterie voisine où il se fournit en vélos rouillés, cafetières usagées et autres déchets métalliques pour en faire d'étonnantes sculptures animées.
Ses créations déjantées ont déjà été exposées au Musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg, à Prague et Berlin, en Suisse ou en Belgique. "Maintenant, je reviens à l'horloge, mère de toutes les machines", raconte le quinquagénaire en bleu de travail, coiffé d'un casque anti-bruit.
Derrière lui, un cliquetis régulier s'échappe d'un complexe enchevêtrement de tubes, roues et poulies reliées à des contrepoids.
"Vous entendez ce +tic-tac+? C'est un système diabolique", commente Daniel Depoutot. L'horloge à foliot ne doit son énergie qu'à l'attraction terrestre: l'idée de coupler un balancier horizontal à une roue crantée qui retient la chute d'un poids remonte au XIVe siècle.
De sa rencontre avec le musicien strasbourgeois Michel Reverdy est né ce projet d'hommage contemporain à l'horloge astronomique de la cathédrale de Strasbourg, à l'occasion des festivités du millénaire de ses fondations (1015-2015), dont le coup d'envoi est prévu dès septembre 2014.
Les deux artistes sont parvenus à arracher l'accord aussi bien de l'archevêque que de la direction des monuments historiques. Reste à boucler le financement pour que l'oeuvre puisse être installée au printemps 2015 dans la vénérable enceinte de Notre-Dame de Strasbourg, en face de la célèbre horloge.
Comparée aux automates et aux cadrans de style Renaissance qui calculent depuis le XVIe siècle les phases de la lune, les fêtes chrétiennes et les horaires de lever et de coucher du soleil, l'horloge Depoutot "ressemble plus à un écorché", avoue son concepteur.
Sa mécanique apparente est installée sur plusieurs étages d'un échafaudage de 8,30 mètres de haut et 6,60 de large - car "qui dit cathédrale dit échafaudages", souligne l'artiste. Durant les quatre siècles de sa construction et jusqu'à nos jours, Notre-Dame de Strasbourg a pratiquement toujours été entourée d'échafaudages.
- "Exorciser" la mort -
Au premier étage, Daniel Depoutot a placé des squelettes musiciens articulés, qui évoquent les danses macabres du Moyen-Âge.
Le tout est surmonté d'un volatile en bois, lointaine référence aux machines volantes de Léonard de Vinci. Il fera écho au coq chanteur de l'horloge astronomique, un automate dont l'original a été créé en 1354.
Le projet a d'emblée séduit le frère dominicain Rémy Vallejo, chargé par le presbytère de l'accompagner sur le plan théologique. Selon lui, l'oeuvre "s'inscrit dans la tradition des mystiques rhénans".
La danse macabre a été inventée au XIVe siècle, quand la peste noire ravageait la région, "pour exorciser, toujours avec un brin d'humour, la peur de la mort", souligne frère Rémy. "L'horloge sacralise le temps et invite à la vigilance, au +Memento mori+ (souviens-toi que tu vas mourir), alors qu'un presque rien peut gripper la mécanique", dit-il.
Pour Daniel Depoutot, "le temps qui passe nous amène à réfléchir sur notre époque, et ses échéances" comme le réchauffement climatique et l'emballement de la croissance, des thèmes qui lui sont chers.
Son atelier regorge d'automates grimaçants, de machines absurdes actionnées à l'huile de coude, recyclées des rebuts de la société de consommation: tournedisques tirant la langue, jantes de voiture autopropulsées...
La comparaison avec le Suisse Jean Tinguely est tentante mais l'artiste alsacien la réfute: "Tinguely était plus dans les sports mécaniques et la démesure". Daniel Depoutot préfère travailler à l'économie, épurer pour réduire ses machines à l'essentiel.
D'ici à l'installation de son "horloge du millénaire" en mars 2015, il a encore plusieurs mois pour cogiter et l'améliorer. Un théâtre d'ombres et des carillons pourraient encore s'y ajouter.
Ce qui est sûr, sourit-il, c'est qu'elle ne remontera pas le temps: "Je bute sur un problème d'inverseur temporel".

"Une nouvelle ami(e)": Ozon-s "Virginia"!

Transformation
Un film tendre sur la découverte de soi, de nos tendances plus qu'hétérosexuelles
On y rencontre un homme fragile futur travesti très attachant qui se meut peu à peu en femme grâce à la complicité étonnante de sa belle-soeur.
Le corps de Romain Duris se métamorphose doucement: attitudes, démarche, port de hauts talons pour être femme et non pas simuler.
Pas ou peu de caricature ici, mais un récit étrange de la vie d'un homme qui joue avec ses identités et séduit une femme au travers l'image sublimée de son amie morte.
Corps embaumés aussi, revêtus pour le repos éternel en mariée, ou pour la résurrection hors du  comas: se travestir s'est surgir à soi, revivre, être ré-animé pour assumer pleinement désir, envie et penchants. Sans céder à la renommée ou réputation!

À la suite du décès de sa meilleure amie, Claire fait une profonde dépression, mais une découverte surprenante au sujet du mari de son amie va lui redonner goût à la vie.
François Ozon fait du cinéma comme on se travestit. Cela n’est pas nouveau, mais, au vu du sujet d’Une nouvelle amie, n’a jamais été formulable. Chaque film est un déguisement, une façon de se glisser dans les vêtements d’un autre. Maquiller un plan comme on maquille un visage (ou un crime). Les tenues d’emprunts de cette Nouvelle amie appartiennent à plusieurs vestiaires. L’essentiel provient du cinéma classique américain, des années 40 et 50, référence majeure du film. D’abord, parce qu’une des héroïnes du film s’appelle Laura, qu’il existe d’elle un portrait peint, et qu’elle disparaît. Et si comme la Laura de Preminger (1944), elle aussi revient, c’est d’une façon toute particulière.

Une nouvelle amie : imaginaire hitchcockien à l’érotisme morbide

 

 

Une femme qui disparaît, puis qui revient dans la peau d’une autre, c’est encore la matrice Vertigo (Hitchcock,1958) qui se ramène, avec cette fois une déclinaison transgenre. C’est le mari survivant (Romain Duris) qui prend la place de l’épouse morte (Isild Le Besco) en portant ses fringues, une perruque blonde, glissant de la place du père à celle de la mère de leur nourrisson. Dans cet imaginaire hitchcockien à l’érotisme morbide, c’est une jeune femme (Anaïs Demoustier) qui tient la place de Scottie. Puisque c’est aussi son désir à elle (lesbien et réprimé) que libère la transformation de Romain Duris.

Romain Duris dans "Une nouvelle amie", de François Ozon (Crédit: Allociné)

L’identité sexuelle mute ; le désir sexuel mute… On pourrait citer Cukor (les premières scènes de flash-back sur la jeunesse des héroïnes semblent calquées sur le début de Riches et célèbres), mais il y a aussi bien sûr du Almodovar dans ce grand tourniquet désirant (un maquillage mortuaire comme dans Kika ; une étreinte avec un corps inanimé proche de Parle avec elle…). Et aussi du Xavier Dolan, à la fois dans le sujet (Laurence Anyways) et le décor (tournage au Québec). Mais au débordement farcesque du premier, à l’emphase lyrique du second, Ozon oppose son style à lui, sa rationalité propre, son sens de l’organisation narrative proche du jardin à la française.
C’est un des paradoxes troublants de son cinéma : l’ambiguité le fascine comme sujet mais le rebute comme forme. Tout est labile, incertain, versatile chez le personnage central. Mais tout est clair, verbalisé, cerné de très peu d’ombre dans l’énonciation du film. Ce goût du didactisme scénaristique, ce découpage soucieux avant tout d’être expressif et lisible, cette B.O qui ratissent large en attelant Kathy Perry, Nicole Croisille, Ottawan et Amanda Lear, forment une limite du film. Le mystère du personnage est quand même un peu rétréci par la signalisation toute en pleins feux du film.
Mais c’est aussi une force, cette aptitude à rendre fédérateur et séduisant des désirs minoritaires, ce sens de l’apprivoisement pédagogique. Car au bout du compte, le film ne cède pas sur la radicalité de son énoncé : tous les rôles (genrés, sexuels), toutes les places (père, mère) sont échangeables dans cette construction sociale figée qu’est la famille. Nul doute que le film va marcher, faire événement, relancer de façon constructive des discussions houleuses. Et si l’écriture du film peut paraître appuyée, c’est parce qu’elle appuie fort sur des zones sensibles.

"Géronimo": résolument chorégraphique!

"Geronimo", le nouveau film de Tony Gatlif, vient de sortir en salles. Céline Sallette y incarne une éducatrice qui va tout faire pour apaiser les tensions entre deux communautés d'un quartier. Un rôle et un jeu extraordinaires, qui illuminent un film à la fois tragique et poétique.

 

Céline Sallette est une coureuse de fond. Marathonienne du verbe sur les planches où elle interpréta le monologue de Molly Bloom, situé à la fin d'"Ulysse" de James Joyce ; sprinteuse de choc dans "Geronimo" de Tony Gatlif où elle incarne une éducatrice sans cesse en mouvement, plongée dans une vendetta entre communauté turque et gitane.

L'étincelle ? La fuite d'une adolescente d'origine turque, Nil Terzi, le jour de son mariage (forcé), avec un jeune gitan, Lucky Molina. Le frère de la jeune fille, Fazil, et le marié sont prêts à laver son honneur dans le sang. Pompière toujours au four et au moulin, Geronimo (Céline Sallette, donc) tentera d'éteindre le brasier des haines qui enflamme cette cité du sud de la France.
Un "Roméo et Juliette" ensoleillé 
Dix-septième film de Tony Gatlif ("Les princes", "Indignados"), le chantre de la communauté tzigane, "Geronimo" est un "Roméo et Juliette" ensoleillé, une tragédie solaire chorégraphiée à la "West Side Story" au credo clairement affiché.Scènes de danse et de rixes mémorables qui rapellent le Jerome Robbins des comédies musicales américaines!
Scène de danse capoeira ou hip-hop, revisitées, flamenco à la Galvan sur un cercueil pour provoquer la communauté!
C'est ravageur et plein de bruits et de fureur: la musique métissée est tonique comme à l'habitude et l'on vibre aux sons et sur les percussions corporelles ou matérielles qui rythment le tout.
Scansions des grillages, des frontière, des barrières qui séparent ce petit monde tagué, coloré, désaffecté, en déshérence, sinistré.
"Savoir sortir du cadre", est-il écrit entre deux graffitis sur le mur d'un entrepôt désaffecté, à la fin du film. C'est bien ce que fait Tony Gatlif, qui s'écarte souvent, sans jamais s'éloigner, de l'argument aussi mince que rebattu qui tient le film.
Dans "Geronimo", l'antagonisme entre communautés est un motif à transfigurer, à poétiser sans cesse, un substrat tragique toujours prêt à libérer un suc flamboyant.

Si le film s'attarde au début dans un réalisme un peu bateau qui sert à planter le décor, il déploie avec plus ou moins de panache un naturalisme poétique qui donne parfois lieu à de superbes scènes (la fuite de la mariée dans un champ ; un long plan-séquence où une joute de hip-hop dans un hangar tourne à l'affrontement).

"Chante ton bac d'abord": et puis on danse!

Le BAC enchantant!
Un film ovni où chanter et bouger va de soi et se glisse dans le scénario pour faire camper aux ados des personnages hauts en couleurs et très attachants!
Chante ton bac d’abord raconte l’histoire tumultueuse d’une bande de copains de Boulogne-sur-Mer, une ville durement touchée par la crise. Un an entre rêves et désillusion. Imaginées par ces adolescents issus du monde ouvrier ou de la classe moyenne, des chansons font basculer le réel dans la poésie, le rire et l’émotion.
Drôle d’idée de réaliser un documentaire en chansons. Elles sont composées par le réalisateur et le projet d’allier une "histoire vraie" avec de la musique et des acteurs non professionnels sont à l’origine du film. Qualifié de documentaire, "Chante ton Bac d’abord" fait pourtant davantage penser à un film de fiction, dans la lignée d’un Christophe Honoré. Chansons obliges. La réalisation extrêmement soignée de David André participe de cette impression, tant le cadre est précis, tout comme sa lumière, ainsi que l’écriture.

Non professionnels, les six participants apportent une spontanéité et une fraîcheur qui habitent "Chante ton Bac d’abord" du début à la fin. Si chacun d’eux a une personnalité bien définie, ils ne sont pas des archétypes. Quand nombre d’entre nous regarde en arrière, cette année de Terminale, pour ceux qui ont passé le Bac, demeure inoubliable et un des meilleures souvenirs de jeunesse. 17-18 ans, marque le pic de l’adolescence avant le glissement vers l’âge adulte, comme un rite de passage, également marqué d’angoisse. "Chante ton Bac d’abord" traduit parfaitement ce sentiment, où l’on reconnaît des modèles que l’on a pu croiser, ou des expériences vécues.

 Le film est habité d’une délicatesse qui s’attache à chacun des protagonistes. Aucun n’écrase l’autre ou tire la couverture. Cet esprit de bande fait intervenir la solidarité et permet d’entrer dans des familles différentes, avec des inquiétudes face au futur, souvent exacerbées par celles des parents. Ce réalisme documentariste est contrebalancé par les chansons. Elles interviennent à des instants clés pour traduire les moments les plus dramatiques vécus par les personnages, comme si le chant permettait de passer le pas.

"Chante ton Bac d’abord" n’est pas dénué de nostalgie, sans être passéiste. Les préoccupations contemporaines sont bien présentes. Le film parle d’aujourd’hui, mais traite aussi d’émotions éternelles. Pour les spectateurs qui ont vécu des instants semblables, mais aussi les lycéens du film. L’on sent leur expérience de la fin d’une époque. Celle où l’on s’éloigne du giron familial, mais aussi des amis de toujours. Certains restent, d’autres pas. "Chante ton Bac d’abord" pourrait donner lieu à une suite pour savoir ce que sont devenus ces personnages attachants. D’autant que la réalisation de David André est des plus élégantes et pertinentes.

"La légende de Manolo": magnifique!

Les images parlent d'elles-mêmes!
De Jorge R. Guttierez

Depuis la nuit des temps, au fin fond du Mexique, les esprits passent d’un monde à l’autre le jour de la Fête des Morts. Dans le village de San Angel, Manolo, un jeune rêveur tiraillé entre les attentes de sa famille et celles de son cœur, est mis au défi par les dieux.

 Afin de conquérir le cœur de sa bien-aimée Maria, il devra partir au-delà des mondes et affronter ses plus grandes peurs. Une aventure épique qui déterminera non seulement son sort, mais celui de tous ceux qui l’entourent.

Personnages mis en scène dans de belles perspectives, costumes rutilants, ambiance à craquer de paillettes et falbalas!
La Légende de Manolo est centrée autour d'une jeune homme issu d'un village perdu au fond du Mexique. Tiraillé entre l'avenir tout tracé que veut lui imposer sa famille et ses envies propres, il sera l'objet d'un pari entre deux divinités gardiennes des royaumes des morts.
Autour de lui, Maria et Joaquin, deux amis d'enfance. La première est devenue l'objet de son affection, le second... Rival amoureux, puisqu'il est également amoureux de Maria.

Un pitch qui reprend des idées assez classiques, donc. Ceci dit, le scénario ne comporte pas de temps mort, et joue régulièrement avec les clichés tantôt pour les rejeter et détourner, tantôt pour les conserver, ce qui a l'avantage de créer quelques surprises.
Ainsi, si son rôle peut faire craindre une Maria essentiellement passive, elle se révèle plus complexe que prévue.

Sans doute par volonté de dédramatiser un univers qui pourrait sembler trop macabre aux enfants, l'humour parsème le film, y compris dans les moments de forte tension ; de même, la mort sera traitée avec légèreté.De nombreuses pauses musicales sont présentes dans le film, qu'il s'agisse d'airs connus adaptés ou de créations originales. Relativement courts, ces intermèdes sont bien intégrés et ne cassent pas le rythme, contrairement à ce que l'on a pu voir dans d'autres projets récents. Ils servent même parfois de ressort comique, ce qui n'est pas pour nous déplaire.
Les visuels et la bande-annonce ne mentent pas : les personnages sont visuellement très réussis. On note une grande inventivité dans le charactère design, qui nous présente des héros sous forme de marionnettes en bois et aux traits variés. L'animation n'est pas handicapée par ce choix artistique et reste fluide : le studio Reel FX, chargé de donner vie au film, a fourni un excellent travail.
Les décors, eux, sont également très esthétiques et stylisés. On notera tout de même un certain vide dans quelques scènes. Le budget (50 millions de dollars) n'est pas celui d'un Pixar, ce qui a peut-être eu une influence sur ce point.

Reste que l'univers est cohérent et riche en couleurs. Une bouffée d'air frais qui sort des codes habituels de l'animation américaine.

"Bande de filles": à part! Banlieue bleue....

Bande à part: l'azur est leur paradis!
Marieme vit ses 16 ans comme une succession d’interdits. La censure du quartier, la loi des garçons, l’impasse de l’école. Sa rencontre avec trois filles affranchies change tout. Elles dansent, elles se battent, elles parlent fort, elles rient de tout. Marieme devient Vic et entre dans la bande, pour vivre sa jeunesse.

Tour est bleu dans ce film atypique signé Céline Sciamma: une bande de filles affranchies, guerrières amazones, fortes et parfois si solidaires qu'elles ne font qu'une!
L'heroine, timide puis révoltée apprend à son corps défendant à vivre sa banlieue bleue, pour survivre et finalement renoncer, capituler!
Son corps, son apparence se métamorphosent: elle se bat, frappe, danse avec les autres dans deux très belles séquences: liberté du geste et du comportement, l'emportent sur l'esclavagisme!
Plans très rapprochés, cadres sérrées pour mieux glisser sur la peau noire de ces filles sensuelles, épaisses et denses. Atmosphère très sensuelle, très physique et puissante!
Elles sont redoutables, ces filles là, en bleu: de travail, de chauffe, en bleu du ciel comme l'espoir de s'en sortir un jour?
Bleu comme le métro, les murs de la cité décrépie?

Diane chasseresse danse! Rien n'abat Diane!

L'ouverture de la chasse, le gibier en restauration et Diane, Artémis qui danse!
Saut ou sauté de biche?
Pied de biche!

Elle habite dans des régions portant en grec le nom d'eschatiai : les extrémités, les confins extrêmes des territoires des hommes, les limites du territoire cultivé et de l'espace sauvage, les frontières entre la Civilisation et de la Sauvagerie ; dans les montagnes, les bois et les sombres forêts, la où elle chasse les animaux sauvages ; elle descend aussi vers l'Océan, vers les embouchures des fleuves, les lagunes et les marécages (déesse des marécages ou Limnatis) et les bords des lacs et des fleuves. La nuit, elle danse avec ses Nymphes, sur la prairie. Artémis parcourt l'espace sauvage qui limite de toutes parts les territoires des hommes, elle ne descend que rarement dans les villes, donc les humains qui cherchent à la rencontrer doivent sortir, vers les sombres forêts (pour accomplir les rituels d'Artémis Karyatis à Sparte , Maîtresse du Noyer et des arbres sauvages qui portent des fruits ; Artémis Kédréatis près d'Orchomène, maîtresse du cèdre), vers les montagnes, ou vers la mer et les marécages (Artémis Limnatis à Sparte).

Forsythe en majesté au festival d'automne à paris...Portrait aérodynamique

William Forsythe a noué des liens particuliers avec le Semperoper Ballett de Dresde depuis qu’Aaron S. Watkin, ancien soliste du Ballet de Francfort, en a repris la direction en 2006. C’est en effet ce dernier qui fut chargé de transmettre les pièces du répertoire du Ballet de Francfort à différents ballets, de l’Opéra de Paris au Kirov de Saint-Pétersbourg et au Dutch National Ballet d’Amsterdam. Né au Canada et formé à la danse classique, Aaron S. Watkin a également dansé dans la compagnie de Nacho Duato à Madrid et a été directeur adjoint du Victor Ullate Ballet Madrid, avant d’assister David Dawson au Ballet de Kirov ainsi que Johan Inger au Cullberg Ballet.

Le programme mis en place pour le parcours William Forsythe au Festival d’Automne à Paris se compose de trois pièces : Steptext ; In The Middle, Somewhat Elevated, devenue par la suite une partie d’Impressing the Czar et figurant au répertoire du Semperoper Ballett ; Neue Suite, spécialement conçue par William Forsythe pour le Semperoper Ballett et jamais présentée à Paris, rassemblant des pas de deux qui ont marqué son œuvre, sur des musiques de Haendel, Bach, Berio, auxquels s’ajoutent un extrait de Slingerland et de New Sleep.
Un programme qui met en perspective la déconstruction du vocabulaire classique dont témoignent l’énergie et la fluidité de Steptext, sur les musiques de Bach, et In The Middle, Somewhat Elevated, sur la musique de Thom Willems. Un précipité, en somme, de l’art singulier de William Forsythe.

Au théâtre de la ville du 28 au 30 0ctobre
www.theatredelaville.com
www.festival-automne.com

"BIT" de Maguy Marin: ca-danse cadence à ne pas "rater"!

Des voix, des visages, des corps émergeant d’une pâte obscure, mus par une tension intérieure qui met en vibration tout l’espace. Depuis plus de 30 ans, l’œuvre chorégraphique de Maguy Marin trace un « chemin qui marche » (Paul Klee), avec une persévérance qui pourrait faire sienne les mots de Samuel Beckett : « Essayer encore. Rater encore. Rater mieux ».
Chez elle, la danse n’est jamais un état donné, mais le résultat d’un arrachement, d’une lutte avec et contre l’informe. De May B à Cap au pire en passant par Description d’un combat, elle compose une danse ouverte au théâtre, à la musique, où la langue travaille la chair, la malaxe ou la propulse au gré de ses scansions et de ses images.

Pour cette nouvelle création, elle reprend une question fondamentale – celle du rythme – et la remet sur l’ouvrage à partir d’une citation du linguiste Émile Benveniste : « Le rythme c’est la forme dans l’instant qu’elle est assumée par ce qui est mouvant, mobile, fluide, c’est la forme improvisée, momentanée, modifiable ». Plutôt qu’une cadence, le rythme serait une musicalité des corps dans l’espace, une mesure inquantifiable qui précède toute volonté, un ensemble de traits imperceptibles qui « signent une manière d’être avec le temps ». Afin d’enserrer quelque chose de ce flux, Maguy Marin est partie d’un travail aussi bien intérieur que spatial au cours duquel se conjuguent des devenirs, résonnent leurs accords, leurs déroutes. Un vaste mouvement de vitesses, de lenteurs, de saccades, d’intensités entrecroisées posant l’empreinte d’une possible co-existence – où l’on peut entendre en écho ces mots de Henri Meschonnic : « Parlant du rythme, c’est de vous que je parle, c’est vous qui parlez, les problèmes du rythme sont les vôtres ».

Au Théâtre des Abesses à Paris du 30 Octobre au 15 Novembre

www.theatredelaville-paris.com

"Asa Nisi Masa": José Montalvo: huit et demi sur vingt!

Hommage à Frédérico Fellini, la création "jeune public" de José Montalvo va encore enchanter petits et grands!Huit et demi ou Vingt sur vingt pour notre artiste fantaisiste qui conte ici, chorégraphiquement parlant la légende Fellini!

On connaît l’art de José Montalvo, artiste permanent du Théâtre National de Chaillot, pour entremêler savamment la réalité et l’illusion. On ne s’étonnera pas de le retrouver en bonne place dans cette Belle saison avec l’enfance et la jeunesse, manifestation initiée par le ministère de la Culture et de la Communication pour faire découvrir les richesses de la création contemporaine aux publics les plus jeunes. Le chorégraphe a donc voulu créer une pièce où l’on puisse « chanter, danser parfois, rire souvent ». Puisant dans les contes, terrain privilégié du merveilleux, le magicien Montalvo compose un ensemble virtuose de vingt récits chorégraphiques miniatures, dont le point commun est de mettre en scène des animaux et des humains. Les premiers, virtuels, à l’image de ce bestiaire créé depuis trente ans par le magicien Montalvo dans les vidéos de ses spectacles, les seconds, bien réels, incarnés sur scène par les danseurs de sa compagnie.

 Faisant comme à son habitude dialoguer tous les styles de danse, le chorégraphe tricote une joyeuse féerie où l’usage des technologies numériques soutient l’imaginaire. Tour à tour cruelles ou mystérieuses, inquiétantes ou loufoques, les vingt séquences tressent une construction rigoureuse dont le point de départ est l’énigmatique « Asa Nisi Masa ».

Cette formule magique, qui dans le film de Fellini Huit et demi permet au héros de replonger dans son enfance, est la version moderne de l’éternel « Il était une fois ». / Isabelle Calabre

Du 9 octobre au 7 Novembre au TNChaillot à Paris
www.theatre-chaillot.fr 

Alexander Vantournhout: "Aneckxander":contorsions, acrobaties, danse.... nu!

Une scène vide. Alexander/Aneckxander parcourt l'espace, passant et repassant les lois de sa solitude assumée. Un corps nu exécute des acrobaties, décelant ses disproportions physiques. À travers des actions sans but apparent avec des objets apparemment quelconques, se dessine le portrait tragique d'un être humain.

Présentation d'une étape de travail - gratuit sur réservation
Une scène. Alexander / Aneckxander erre, répétant les règles absurdes de la solitude qu’il s’impose à lui-même. Nu, il effectue des acrobaties et ses disproportions physiques sont ainsi révélées. Engagé dans des actions qui semblent sans but, pourvu d’étranges objets, un être humain tragique prend vie.
Alexander s’initie à 12 ans à l’univers du cirque en commençant par le jonglage. C’est plus tard qu’il découvre la roue allemande, que toutefois il abandonne rapidement en faveur de la roue Cyr. Cette dernière discipline, encore peu exploré, offre à Alexander la liberté d’innover et d’élaborer son propre style. En 2007 il crée son premier spectacle sous forme de solo et intègre l’Ecole Supérieure des Arts du Cirque (ESAC) à Bruxelles, où il passera trois ans. Durant ces années, il se perfectionne en roue et en jonglage et découvre, parallèlement, le théâtre, la danse et l’acrobatie. 
Aussitôt sorti de l’ESAC, Alexander entre à l’école bruxelloise de la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker, PARTS (Performing Arts Research and Training Studios) où il suit le cursus du premier cycle et perfectionne son approche de la danse contemporaine et des arts performatifs qui viennent compléter sa formation d’artiste. Indépendamment de tout système scolaire, il est invité à enseigner la roue Cyr et à jouer ses créations en Europe.


Une scène. Alexander / Aneckxander erre, répétant les règles absurdes de la solitude qu’il s’impose à lui-même. Nu, il effectue des acrobaties et ses disproportions physiques sont ainsi révélées. Engagé dans des actions qui semblent sans but, pourvu d’étranges objets, un être humain tragique prend vie.
Alexander Vantournhout est lauréat Circus Next 2014, un dispositif dont le but est de découvrir, d’accompagner et de soutenir les nouvelles générations d’auteurs de cirque.

• Durée : 30 minutes environ, puis discussion
• Tout public à partir de 16 ans
• Entrée libre sur réservation : 09 50 88 09 50 – billetterie@lesmigrateurs.eu

"Tutu" avec ou sans plateau!

Le costume le plus "pornographique" selon Béjart!