"Ghostland" : un CD intriguant et un spectacle à venir ! De saison ! Musique "spectrale" !Les Wilis musicales hantent la scène !

Live @ home 12

Le 28 Novembre à Strasbourg, Théâtre de Hautepierre !

Pour cette douzième édition, les Percussions de Strasbourg vous proposent de découvrir la création "Ghostland," du compositeur Pierre Jodlowski, créée en septembre dernier dans le cadre du Warszawska Jesień / Warsaw Autumn en Pologne.

La couverture du CD en dit long sur cette "Wilis" digne de "Gisèlle", fantôme désincarné, comme dans l'acte blanc du ballet romantique.
On pourrait s'y perdre dans ce "cimetière" où les êtres semblent errer au gré d'une musique électronique, au gré de voix spectrales, comme des ectoplasmes musicaux, dénués de chair mais emplis de sons, comme la déesse Echo qui n'a plus de corps, mais une voix, du son frisson en réverbération!

Immersive et envoûtante, cette création nous plonge dans un espace aux frontières indéfinies. Composée pour électronique et quatre percussionnistes issus de l'ensemble des Percussions de Strasbourg, la partition intègre également le jeu des lumières et l’écriture de l’espace scénique.
Prolongée par un grand écran panoramique, la scène se mue en un espace infini, un territoire où les ombres semblent jouer avec les corps.
Spectacle onirique, "Ghostland" nous ouvre pourtant les yeux sur le monde d’aujourd’hui : les « fantômes » dont il est ici question renvoient certes aux êtres chers disparus et aux traces conservées par la mémoire, mais aussi, de manière plus métaphorique, à l’individu pris dans les rouages d’un système qui l’arrache au réel, à soi et aux autres.
Sur l’écran, des salles de réunion, de grands bureaux, des espaces froids habités peu à peu par des êtres étranges, fantomatiques… les percussionnistes – Minh-Tâm Nguyen, François Papirer, Galdric Subirana et Flora Duverger – abandonnent progressivement les instruments qui composent leurs batteries pour jouer avec brio de l’attaché-case et des percussions virtuelles.
À ces quatre interprètes aux allures de cadres dynamiques, la marionnettiste Katharina Muschiol fait contrepoint : silhouette derrière les paravents, présence évanescente, elle s’apparente à un écho venu de loin… Ici se rencontrent et se confrontent deux espaces-temps, pour ouvrir au spectateur le champ des possibles.

Porte-clefs !

"Soldats d'opérette" au Musée Alsacien: 1001 façons de s'amuser , hors norme ! Comme un opéra comique !

Oh, my Moser, Corine se tache !

Il y a Duchamp dans l'air d'opérette ou du Offenbach! Petits Filliou !

Une exposition pleine de malice et d'humour actuellement au Musée Alsacien, salle des jouets et salle du rdc... Des petits formats en grande forme !
Des figures de papier, style petits soldats de plomb, se sont glissées entre les jouets traditionnels et ont fait l'objet d'un accrochage "historique" du projet des "1001", ré collecter mille et une pièces à conviction d'un même sujet pour le détourner, l'exposer, le poster sur internet !
On y voit des minettes courir, faire leur yoga, repasser: des taches quotidiennes, ménagères, de la "charge mentale" plutôt ludique, sur le mode vintage de la désinvolture, du rire et de la distanciation !
"Jouer au petit soldat" en uniformes multiples de métier, "batailler ferme" pour garder la ligne ou la forme à la "Agrippine" de  Brétecher , "faire parade" en mode styliste, "passer en revue" à la Crazy Horse, "prendre les armes" de la séduction style glamour, "mobiliser ses forces" pour le ménage domestique, "livrer combat", brosse et balais en main !
Du balai !

C'est "très féminin", malin, comique et burlesque, pince sans rire!

A colorier aussi, zen attitude oblige !
Dans l'institution alsacienne, ce clin d’œil salutaire comme une bouffée d'air frais, fait mouche et ravit le chasseur d'images, le voleur de trésors et le friand d'humour.

Au détour des vitrines, rencontrer l'incongru, le décalé, le détourné pour rafraîchir l'imaginaire, secouer les conventions, piétiner le quotidien, et détourner la routine, en une danse fiévreuse et sympathique sur les cimaises !!!
A voir absolument pour le fun et le caustique singulier de l'expérience du couple, duo bicéphale, hydre à deux tête, "Moser- Kleck", des filles d'aplomb, mercenaires de la farce distinguée, petits soldats de plomb de l'intelligence des rixes du ring de la pensée artistique, bien dans leurs baskets, assumant pleinement ce duo, duel complice. Fidèles à la tâche délicate de rester en éveil au monde et à ces facéties. Des "petits riens" qui en chantent et questionnent nos us et coutumes, nos relations aux objets, à l'insolite des détails croustillants de la vie!
Ah, les filles, elles nous rendent marteau, ou petits soldats indisciplinés, marginaux, hors des rangs, en rang serré comme alarmées, à l'armée ou au bataillon de la joie artistique, celle qui euphorise et transporte dans des contrées retranchées, très accessibles !
1001 raisons d'y aller, voir ce champ de bataille drolatique et osé...
Un couple de  génie sans bouillir dans cette collection atypique, digne des petits cabinets de curiosité insolite.

Au Musée Alsacien jusqu'au 12 Novembre!


Dans la langue française « 1001 » signifie beaucoup. A compter de ce nombre, on
ne parle plus d’unité mais de quantité, l’indéterminé remplace le défini.
En juin 2005, Corine Kleck et Véronique Moser entreprennent d’éprouver les
limites quantitatives et qualitatives de cet étalon de mesure abstrait et variable.
Elles élaborent une règle du jeu - composée de mille et un caractères bien sûr -
qui précise les principes établis par le « 1001 » et l'envoient par courrier
électronique à 1001 destinataires.
Depuis ces deux artistes comptent...
…Elles comptent tout, de toutes les manières, sous toutes les formes. Elles
comptent les objets, les gestes, les faits. Plus écolières que comptables, le
quotidien est leur terrain de jeu, l’ordinaire leur matériau.
Tout devient prétexte à imaginer des déclinaisons variées qui empruntent à toutes
les disciplines : dessin, cuisine, impression, installation, couture, objet,
photographie, texte ….
Leur pratique se situe toujours dans un univers ludique où se mêlent légèreté
distraction et humour. Sous couvert d’une apparente joyeuse désinvolture, elles
nous invitent à bousculer les règles, à décaler nos repères et à regarder le monde
sous d'autres angles.

Règle du jeu : dessiner ou peindre un portrait ou une partie de portrait, faire passer, laisser le suivant s'en emparer, le laisser poursuivre à sa guise. Faire passer à son tour ou estimer que le portrait est achevé.
Consignes particulières : ne pas hésiter à recopier ou à interpréter le dessin de l'auteur précédent et à multiplier les propositions.
Le but du jeu : réaliser 1001 portraits par tout un chacun.
Cette série a été réalisé entre janvier 2007 et mars 2009.

C'était une installation de 1001 portraits 10x10 cm, techniques mixtes.
Exposition personnelle, de juin à août 2009 à l'Espace Insight, Strasbourg (67)

Les Christs de Fontana dansent !

Claire Tabouret danse et lutte !! la danse est un art de combat !

"Geste filmé, gestes filmiques" de Christa Blumlinger et Mathias Lavin

Au fil de l’histoire du cinéma, les gestes filmiques ont contribué à une « réflexion » esthétique qui a su suivre l’évolution des moyens techniques. D’autre part, les gestes filmés ont participé à la figuration d’une humanité prise entre le retour d’une gestualité perdue et le risque d’une dépossession de soi, liée à l’âge des machines. Sur des objets divers, les textes rassemblés ici explorent cette tension entre techniques et corps qui caractérise notre relation aux images et aux médias. Ce livre s’interroge sur le déclin ou l’invention de certains gestes, étudie des questions de figuration gestuelle, et montre enfin comment le cinéma a su intégrer des conceptions du geste provenant d’autres domaines, culturels, scientifiques ou techniques. 

Parmi les contributeurs internationaux : Gertrud Koch, Pietro Montani, Catherine Perret, Antonio Somaini. Blümlinger Christa : Christa Blümlinger est professeur en études de cinématographiques à l’Université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis. Parmi ses publications figurent : Cinéma de seconde main, Esthétique du remploi dans l'art du film et des nouveaux médias, 2013 ; « Attrait de l’archive », Cinémas, vol. 24, no 2-3, 2014 (direction); et Morgan Fisher, Un Cinéma hors champ, dirigé avec Jean-Philippe Antoine (Dijon, Les Presses du Réel, 2017, e-book). |LAVIN Mathias : Mathias Lavin est maître de conférences en études cinématographiques à l’Université de Paris 8. Il a écrit plusieurs ouvrages sur Manoel de Oliveira : La Parole et le Lieu : le cinéma selon Manoel de Oliveira (PUR, 2008) ; Val Abraham (Yellow Now, 2012) ; L’Étrange Affaire Angélica (Scéren-CNDP, 2013). Il a co-dirigé, avec Diane Arnaud, un collectif dédié à Ozu (Ozu à présent, G3J éditeur, 2013).

"Gestualités Textualités" en danse contemporaine de Frédéric Pouillaude, Chantal Lapeyre et Stefano Genetti

Cet ouvrage se situe à la croisée des recherches en danse contemporaine et des études littéraires, théâtrales et de la performance. Gestualités et textualités, leurs relations, leurs tensions, délimitent un angle pour aborder la danse contemporaine. On voit se multiplier de nos jours, et sous toutes leurs formes, les croisements du verbal et du kinétique, ainsi que les collaborations entre écrivains et chorégraphes. Pourquoi ces rencontres du texte et du geste ont-elles lieu ? Quels rapports entretiennent aujourd’hui corps et voix, gestes et mots, danse et parole, chorégraphie et écriture ? 

Ce volume, délibérément interdisciplinaire, rassemble les contributions de chercheurs en danse, en littérature, en études théâtrales et en philosophie de l’art, ainsi que des entretiens avec des chorégraphes majeurs de la scène contemporaine (Olivia Grandville, Maguy Marin, Mathilde Monnier, Andrea Sitter).

"La fièvre de la danse" : un catalogue "irraisonné" déraisonné ! Et une expostion "timbrée"

"La dansomanie"
En juillet 1518, des dizaines de personnes se mirent à danser dans les rues de Strasbourg. Cette épidémie de danse, qui s’étendit sur plusieurs semaines, ébranla la communauté strasbourgeoise et frappa les esprits au point d’être consignée par de nombreux prédicateurs ou chroniqueurs de l’histoire municipale.
L’ouvrage se propose de revenir sur ce phénomène 500 ans plus tard et d’observer la manière dont l’administration de la ville, le clergé ou le corps médical tenta d’y remédier. Reprenant le déroulement des événements, il s’efforce d’éclairer le contexte de cet épisode historique particulier et de le mettre en relation avec d’autres cas de « manies dansantes » qui ont marqué le Moyen Âge.
Il s’attache à distinguer les faits, tels qu’ils nous sont livrés par les sources originales, des interprétations abusives contribuant à donner du Moyen Âge la vision erronée d’un monde simpliste, traversé par des pulsions irrationnelles et secoué par les crises. Croisant le regard de divers spécialistes, il constitue à la fois une référence sur l’événement, mais aussi l’occasion d’un travail critique sur la méthode de l’historien. En rapprochant l’épidémie de 1518 d’autres phénomènes similaires, en faisant le point sur les interprétations ou réappropriations contemporaines, dont celle de Jean Teulé, il éclaire la fascination qu’exercent sur nous ces moments de « désordre social ».

Transes en danse !
L'exposition, mise en espace par Philippe Poirier est un véritable itinéraire dans l'histoire "folle" de cette "épidémie " de danse à Strasbourg.
On y côtoie histoire, science, médecine et sociologie avec beaucoup d’intérêt et on salue au final le choix du film de Pabst de 1943 "Paracelse" où Harald Kreutzberg joue le personnage d'un possédé dans une taverne, qui entraîne toute une foule à danser avec lui, se mouvoir avec des gestes tétaniques, inspirés, déséquilibrés, "timbrés"!
Tout y serait résumé pour résoudre l'énigme de cette femme qui un jour "pour déplaire" à son mari entama une danse énigmatique, obsessionnelle, cathartique: car "rien de mieux pour faire fuir un homme" que de danser de cette sorte! Cette danse des bas-fonds, anti basse-danse à l'étiquette convenable, sans sauts ni "trop se déhancher, ni "virvoucher", va se développer à travers l'Europe, en phénomènes diversifiés.

Mesdames, à bon entendeur, salut !

La danse, fille de "freud", fille de joie ! Troffea, ivre comme une bacchanale.
Une exposition, "enthousiasmante" où l'on saisit à bras le corps la "choréomanie" des "tarentulés", la "manie dansante" de ces êtres, aujourd'hui si proches d'une esthétique de la danse moderne ou contemporaine: Mary Wigman dans sa "Danse de la Sorcière", le butho de Carlotta Ikeda, les danses grotesques de Valeska Gert aux gestes incontrôlés et introvertis ou la danse de la folie du "Gisèle" de Mats Eck ! Et Joséophine Baker, les yeux écarquillés et roulant comme des billes, en tutu, peau de banane !
La danse "gaga" de Naharin surtout où tout est insensé et désarticulé, une danse de fous, de cinglés, de déséquilibrés....Mais ici, c'est de corps social, "entrelacé" dont il s'agit, celui qui imite, reproduit et va à l'encontre des interdits.
Au Saint Guy, l'an neuf pour cette manifestation maladive, inexpliquéequea
Strasbourg, pionnière en 1518 , à  la pointe de l'innovation chorégraphique, des défilés ou cavalcades carnavalesques folles de Francesca Latuada ou de la chorégraphie de Jean Gaudin inspirée des photos de Depardon des résidents de l'asile psychiatrique de San Clémente ! (L'ascète de San Clémente et la vierge Marie)
Un pas d'avance, comme d'habitude, sans s'en vanter ! Et sans savoir sur quel pied danser, devant le buffet de la disette !

"Danser pendant la guerre froide" par Stéphanie Gonçalves et Pascal Ory

Cet ouvrage explore le ballet comme un outil de diplomatie culturelle internationale et transnationale pendant la Guerre froide. Au-delà d’une image romantique de danseuses en tutus, le ballet est une vitrine essentielle de la diplomatie culturelle, qui conduit au développement d’une « diplomatie dansante ». Fruit d’un long travail de dépouillement de sources, basé sur des archives situés en France, Grande-Bretagne, Etats-Unis et Russie, le livre identifie les acteurs – institutionnels, artistiques et commerciaux – de la machine à tournées. L’histoire des tournées de ballet porte ainsi à questionner l’idée de bipolarité comme séparation étanche entre deux blocs pendant la Guerre froide. Les compagnies de ballet traversent régulièrement les frontières et les danseurs conservent leur rôle traditionnel de passeurs culturels. Le livre se construit autour de tournées représentatives du lien entre danse et politique, des épisodes qui mettent en valeur les points chauds de cette Guerre froide, ayant comme point de départ ou d’arrivée Londres et Paris. Il propose un nouveau regard sur la coopération et les rivalités dans le ballet pendant la Guerre froide, grâce à une plongée dans la fabrique diplomatique des tournées.

"Danser brut" au LAM

Quels sont les liens entre la danse et l’art brut ou contemporain ? à travers une sélection inédite de près de 300 films, dessins, sculptures ou photographies, le LaM place le mouvement au cœur de la création, sous toutes ses formes. De Nijinski à Chaplin, cette exposition originale déniche des gestes au creux d’œuvres aussi diverses que magistrales.

Porter un regard transversal et neuf sur le corps, tel est le point de dé- part de l’exposition. « Celle-ci est une somme d’observations de gestes ou de façons d’être, explique la commis- saire, Savine Faupin. Il s’agit aussi de dévoiler l’invisible, des mouvements auxquels on ne prête pas attention mais se révélant extraordinaires ». Depuis l’Hôpital de la Salpêtrière où le Dr Charcot décrit les attitudes de l’hystérie à la fin du xixe siècle, à l’aide de dessins et photographies, jusqu’aux films burlesques mettant en scène des pantomimes, l’accrochage scrute des corps désarticulés, gesticulant, en proie à des forces irrépressibles. On croise au gré de ce parcours de six sections la cabarettiste allemande Valeska Gert,les tribulations de Charlot ou la grande silhouette dégingandée de Jacques Tati… dans un même élan !

Entrez dans la transe

Plus loin, c’est l’implication de notre enveloppe charnelle tout entière dans la production de l’œuvre qui est explorée. On découvre les dessins de Nijinski qui, ayant cessé de danser et retiré en Suisse dans les années 1920, exécute un grand nombre de compositions abstraites. Le chorégraphe virtuose s’affiche d’ailleurs comme un trait d’union avec l’exposition contiguë, consacrée à Rodin. Le sculpteur, avec sa série des Mouvements de danse, a en effet saisi la fulgurance du geste du précité Nijinski (et d’autres) dans le plâtre et la terre cuite. Mais la danse s’empare aussi des corps, malgré nous, comme en état de transe. En témoignent les “lignes d’erre” tracées par l’éducateur spécialisé Fernand Deligny, rendant compte au fil de cartes crayonnées des trajets d’enfants autistes. Enfin, c’est au tour du visiteur d’aiguiser ses perceptions, en interagissant avec la sculpture de lumière d’Anthony McCall, ou avec la chorégraphie sous hypnose de Catherine Contour. Des rendez-vous musicaux concoctés par le collectif La Belle Brute et Lucile Notin-Bourdeau entrent aussi de plain-pied dans la danse !

"Le geste unique": Alwin Nikolais par Marc Lawton Julien Bambaggi

Créateur majeur du XXe siècle et homme de spectacle virtuose, Nikolais fut l'inventeur d'un théâtre dansé original où mouvements, sons, lumières, couleurs et formes sont complémentaires, avec un appel fréquent à l'illusion. Adepte d'une danse abstraite qu'il mit au point dès les années cinquante, il personnalisa le lien germano-américain de la modern dance et excella autant sur scène (où il régna en maître en tant que chorégraphe, compositeur, éclairagiste et scénographe) que dans le studio de danse. Son enseignement, axé sur la triade technique-improvisation-composition, fut en effet très couru et reste d'actualité aujourd'hui. Dans le sillage des "ambassadrices" que furent Susan Buirge et Carolyn Carlson, Nikolais forma en France de nombreux danseurs-chorégraphes comme Philippe Decouflé ou Marcia Barcellos et, comme d'autres artistes de son temps (Wassily Kandinsky, Oskar Schlemmer ; Mary Wigman, Martha Graham..,), sentit le besoin de coucher sa pensée par écrit. Ces textes, qui légitiment Nikolais et le ramènent en pleine lumière, reflètent à la fois sa recherche de pédagogue et ses oeuvres scéniques. Ces écrits, quasiment inconnus du public français, sont ici traduits presque tous pour la première fois et concerneront autant les danseurs, enseignants et chercheurs que les journalistes et les curieux amoureux des arts. Nikolais y fait alterner théorie et exemples concrets, profondeur et humour. Il nous donne une nouvelle définition de la danse, s'appuyant sur les fondamentaux du temps, de l'espace, de la forme et du motion. Ceux-ci sont activés par des notions essentielles comme le décentrement et l'intelligence du mouvement, permettant l'avènement d'un danseur mobile, sensible et autonome qualifié de "métaphorique".

"Pelléas et Mélisande": à la claire-obscure fontaine de Debussy, Monsieur Double Croche et Triolet!

NOUVELLE PRODUCTION À L'ONR Coproduction du Komische Oper Berlin avec le National Theater Mannheim. Drame lyrique en cinq actes. 

Mélisande apparaît de nulle part et une lumière mystérieuse et troublante envahit le cœur des hommes. Pelléas et Golaud ne peuvent résister à cet aimant d'un autre monde. En sa présence, le château isolé du vieil Arkel et de sa famille s'emplit d'une atmosphère saturée de désirs inavouables et de jalousie irrépressible. C’est donc avec le chef-d’oeuvre de Claude Debussy que Barrie Kosky, l’un des artistes les plus fascinants de la mise en scène, invité dans toutes les grands institutions et les festivals les plus prestigieux, fera ses débuts à l’OnR. Franck Ollu dirige l'Orchestre philharmonique de Strasbourg.

Place à l'unique opéra de Debussy, un drame tout en finesse sur un livret de Maeterlinck, une pièce sensible où les caractères des personnages se dévoilent dans ce fameux parlé-chanté, proche du "sprechgesang" mais plus théâtral, moins empreint de "lyrisme" abandonné. Entre Wagner et Schönberg, cette oeuvre est ici servie par une intelligence remarquable de l'écriture musicale et vocale de Debussy.

Loin de ses "mélodies", "Beau soir", "Noël des enfants qui n'ont plus de maison", "Romance", "Paysage sentimental" ou "Rondeau" l'opéra dessine de nouvelles donnes pour la voix: une interprétation, se mêlant à l'orchestre sans le dominer comme souvent dans la tradition du chant lyrique.
Ici, les personnages sont des modèles de diction, où le texte privilégie la narration, les sentiments.

On s'émerveille à être attentif à toutes ces nuances de tempo, à ces fameux triolets qui viennent perturber une lecture fastidieuse  de l'opus.
Ce qui se déroule devant nous, est "musique", fluide, aquatique, fidèle aux thèmes de prédilection de Debussy: l'eau, le flux et le reflux de la mer, la fontaine, la clarté, mais le sombre aussi qui viendra peu à peu envahir la scène et teinter les décors de noir, de profondément mystique. Décor mouvant, tapis roulant ou scène tournante qui fait glisser les personnages, les faire apparaître ou disparaître, tourner en routine, vêtus à chaque fois pour Mélisande, de robes différentes. Comme un jeu de massacre, travelling pressant du déroulement du drame, progressif, en chemin inéluctable.
Les personnages, Mélisande en tête sont touchants, fragiles ou machiavéliques et leur jeu physique transmet, transporte ses énergies variées et multiples Décor,signé Klaus Grunberg, comme une mise en abîme du drame, palimpseste , en poupée gigogne, représentant les phases et facettes de l'histoire qui s'imbriquent les unes dans les autres. Caverne, grotte, fontaine, bord de l'eau, le dispositif, impressionne et menace, met en boite noire comme une métaphore du théâtre dans le théâtre, double cadre, noir, gris, sombre. Un constant appel à la lumière, à la clarté, sourd des bouches des héros pathétiques de ces destins croisés, familiaux qui s'entrelacent. Pelléas, incarné par Jacques Imbrailo est recroquevillé par la peur, ou transi de désir et d'amour juvénile. 
Par amour, par haine ou jalousie: le texte et la prononciation de chaque mot, sur des accents toniques imparables et proches d'un nouveau "slam", ravit et emporte regard et écoute. Mélisande, interprétée par Anne Catherine Gillet, très dansante, est pleine de grâce, de naïveté juvénile, de générosité, de virginité, d'innocence ou de fragilité, face à celui qui se révélera son prédateur, Golaud -i ci Jean François Lapointe- bourreau et tortionnaire de l'âme, manipulateur subtil de sa proie.
Psychopathe étrange digne d'une analyse freudienne - on est proche de l'univers pictural d'un Bacon- où les formes et ambiances transportent dans un monde de métamorphoses psychiques certaines.
Touches sculpturales, plutôt qu’impressionnistes picturales, la musique épouse les corps et inversement: histoire très sensuelle de relation entre partition vocale et orchestrale et attitudes,  pauses, évolutions physiques des personnages sur le plateau. La rêverie des deux amants au bord de l'eau, les inquiétudes au fond de la grotte, autant de passages intuitifs pour un paysage onirique inouï!
La prose toujours "évocatrice" à travers les voix, sobres et efficaces, la musique alors "anti-lyrique" où la diction est un modèle absolu du genre, faite chair, frisson, respiration à fleur de peau. Ralentir, presser, retenir, animer, serrer, élargir le tempo pour le chef d'orchestre, pour que les interprètes s'y  fondent, glissent dans le flux et reflux de la musique. Vagues et caresses des timbres se mêlent à cet étrange orchestre de chambre, imaginaire symboliste, fantasmagorique du drame debussyste. La déclamation, renforçant le sens du récit et son intelligibilité!
Le spectre harmonique au service d'une modernité époustouflante, entre Wagner et Schonberg
On retiendra le jeu merveilleux du jeune Yniold, Gregor Hoffmann, à la voix d'ange : il observe un troupeau de moutons rentrant au "bercail", image de la famille et du cercle consanguin: seul personnage "sympathique" dans cet univers cruel fatidique destin où chacun y va de sa férocité, ou de son innocence. Univers animal où chacun se bat, se défens où se laisser tuer ou mourir...Insolence de la jeunesse aussi face au patriarcat-le père Arkel joué par Vincent Letexier, implacable avocat ou juge de ses âmes fragiles.
Un opéra unique, une mise en scène de Barrie Kosky, irréprochable de musicalité et de respect, de considération pour un opus remarquable que l'on suit de bout en bout, en haleine, en empathie totale avec ces "doubles croches" et "triolets" de Monsieur Croche, un Debussy méconnu aux mouvements de ressacs impressionnants, futiles et précieux: la mer qu'on voit danser à travers les corps en proie à une vivacité mélodique nouvelle et d'une inventivité vocale , performance virtuose des timbres, déséquilibre permanent qui trouble et menace la fixité du monde.

"Pelléas et Melisande"

A l'Opéra du Rhin à Strasbourg jusqu'au 27 0ctobre


A lire aussi :

Après un Franz Schubert qui fait désormais figure d’ouvrage de référence (2ème meilleure vente de la collection), l’année du centenaire voit la sortie d’un nouveau livre de Philippe Cassard : un essai consacré à Claude Debussy (1862-1918). Mêlant les digressions biographiques et l’analyse de l’œuvre, cet ouvrage se présente comme une succession pointilliste de courts chapitres, donnant le point de vue de l'interprète : souvenirs et impressions rassemblés de près de 50 ans de compagnonnage avec Claude Debussy. Il éclaire l’auteur de Pélléas et Mélisande d’une lumière inédite, et très intimiste.

Et lire:
https://www.francemusique.fr/musique-classique/qui-es-tu-monsieur-croche-59099

sur Debussy, Monsieur Croche, critique musical !

"Ada, la grincheuse en tutu"

Elle annonce franchement le sujet, Ada : « Je déteste le ballet ».

Sur la couverture, bouche crispée, volontaire, bras croisés et couettes tendues, vêtue d’un tutu rose, Ada, l’héroïne, qualifiée de « grincheuse en tutu », présente un visage peu affable. Tout le récit vient expliciter cette affirmation renforcée par le petit monstre compagnon d’Ada : « elle déteste le ballet ! »

La chambre d’Ada nous renseigne : caverne d’Ali Baba, habitée par un vélo, un monocycle, des bottes de cowboy mais aussi un grand nombre de personnages fantasques ; cette petite fille pourrait bien être un garçon manqué. Pourquoi déclare-t-elle « Je déteste les samedis. » ? Pourquoi l’auteure nous a-t-elle prévenus : « C’est samedi. Ada se réveille de mauvaise humeur. » ? Etrange.

Peu à peu, le mystère se lève. L’auteure illustratrice est du côté d’Ada, et nous souffrons avec elle du léotard « trop serré », du « tutu bouffant qui pique et gratte bien trop ». Le lecteur compatit avec la petite fille qui a mal au cœur en voiture au moment d’aller danser. Elise Gravel accentue le trait et le contraste des visages entre l’air béat (un peu bêta ?) de son père, des autres fillettes du cours de danse, de Mademoiselle Delapointe, et le sien est vraiment drôle. A l’écart de tous, Ada insiste. « Les arabesques, c’est grotesque » sonne comme un slogan. Ce n’est pas facile d’être à contre-courant dans un univers qui se croit bienveillant. Les scènes qui suivent sont hilarantes : les tentatives d’Ada pour se conformer aux consignes, le modèle présenté par la professeure échouent lamentablement. Le trait de l’illustratrice caricature les essais, les positions et s’achève par une expulsion au sens propre comme au figuré de la salle de cours.

Le troisième temps du récit nous transporte dans un cours de karaté. Ada y trouve sa voie, seule fille. Un petit garçon, dans son coin, pense : « Je déteste le karaté ». Un autre livre est possible…

Cette adorable grincheuse pourrait être une petite sœur d’Ada Lovelace, la mathématicienne (l'une des femmes scientifiques célèbres) ou l’une des « filles » (voir le très riche blog d'Elise Gravel) qui illustrent la position d’Elise Gravel : à chacun-e d’être et de faire ce qu’elle (il) veut de sa vie. C’est drôle, salutaire, efficace.

Danses cochonnes !

Paula Rego danse !

Daniel Linehan pour la FIAC : quand dansent le Petit Palais ou d'autres espaces d'art contemporain!

C'était durant la FIAC 2018......
La danse prend ses marques et investit des lieux d'exposition, se frayant un chemin parmi les œuvres et dans l'espace.
Daniel Linehan se plie à l'exercice avec justesse et habileté et conquière un public friand de surprises et d"émotions...

Dans Medium Medium, Daniel Linehan convie le public à une visite guidée performative au cours de laquelle il crée des dialogues entre sept œuvres d'art exposées et son propre travail artistique. Une conversation qu’il mène avec son medium propre, celui de la danse, ainsi qu’avec des fragments poétiques de son livre publié en 2013, A No Can Make Space. Linehan aborde les œuvres de manière ludique et espiègle et établit divers types de relations entre son corps en mouvement et les œuvres exposées, créant ainsi des liens, des parallèles, des dérapages et des tangentes. Il propose un dialogue en mouvement entre différents médiums qui évoluent chacun dans divers états, du vivant ou non.

En collaboration avec Mona Bismarck American Center.

Petit Palais, Hall d’entrée 

et "Not about every sing"
Un corps seul entre dans l’espace et commence à tourner. Ayant commencé doucement, le tour se transforme en un mouvement giratoire fou. Par la singularité de ce mouvement circulaire obsessionnel, Daniel Linehan introduit une série de variations, d’accélérations, de changements subtils, créant alors une danse à la fois complexe et drôle. S‘assujettissant lui-même à des processus physiques et mentaux éprouvants, il y intègre simultanément des tâches multiples : parler, penser, réagir, s’adresser à l’audience, etc... sans jamais rompre le mouvement de cette perpétuelle toupie. 

En collaboration avec Mona Bismarck American Center

Mona Bismarck American Center

"Venezuela": Batsheva Dance Compagny: Ohad Naharin : moteur: action: on danse ! Élégance à tout crin !

• Dernier opus d’Ohad Naharin, Venezuela démontre l’engagement de la Batsheva Dance Company : créativité, musicalité et passion sont les moteurs de la troupe. Créé en 2017, le chorégraphe et ses danseurs explorent le dialogue tout autant que le conflit entre le mouvement et sa signification. Leurs armes ? Cette danse à l’énergie palpable qui abonde de sauts et d’ensembles, de corps secoués de soubresauts, de portés à bras-le-corps. (1h20)
• 
  Fidèle à son goût éclectique, Ohad Naharin a donné carte blanche à Maxim Waratt pour imaginer une bande-son comme un voyage entre les cultures. Des chants grégoriens, du rap ou du rock rythment le spectacle. L’urgence de cette gestuelle, les volte-face des interprètes qui passent en quelques secondes de la douceur à la virtuosité endiablée font de Venezuela une pièce à message. Le plateau du théâtre devient la tribune du chorégraphe.
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De noir vêtus, ils sont déjà dès le départ, puissants, majestueux, habités sur l'immense plateau de Chaillot et portent à bout de bras ce "Théâtre de la Danse", palais de l'exception, du mouvement, de tout ce qui arrive semble -t-il de meilleur pour l'art chorégraphique
De noir vêtus, ils embrassent l'espace, groupés ou isolés, en bande ou en électron libre catapultés par une énergie débordante venue des muscles profonds de la pensée, de la danse savante, intelligente et radieuse.
Irradier l'espace, dessiner à la griffe, à la plume , des envolées fugaces, des traces volatiles, voici la patte de Naharin, portée par des interprètes au sommet de leur art, en toute modestie et en toute majesté.
On est scotché par tant de déferlement de gestes mais aussi par une retenue pudique, savamment dosée , précise, précieuse, élégante.
Débridée, certes, désorientée, démantibulée, toujours, mais ici au service d'un propos plus calme et serein, plus pondéré, plus chargé de musicalité
Sur fond de musique grégorienne, bordée de bien d'autres influences contemporaines, la pièce s'engouffre dans un ouragan de vertige, de déséquilibres à la limite du possible.
Rigueur et fantaisie, animées, réanimée par des interprètes remarquables d'engagement, de justesse et de sincérité.
Comment échapper à ces envolées de portés, ces déplacements éparpillés qui convergent vers un centre d'où repartent énergie, grâce et beauté?
Deux groupes vont successivement reprendre la première vague du spectacle, réimprimer les mêmes gestes pour les laisser voir autrement. Jamais on ne se lasse des chevauchée lentes de ces huit interprètes.
Pas de redites ni de répétitions dans cette reprise à l'identique de la chorégraphie
Au final, c'est un bouquet d'identités, de singularités qui s'offre à nous dans la vision de courts solos qui s’égrènent à l'envi et prouvent une fois de plus que Naharin n'est pas "gaga" mais inventif et jusqu'à être son propre miroir.
S'y reflètent les images inventées de son imaginaire débridé, de sa verve et férocité légendaire
Avec en sus, un grain de sagesse, un double Maxim Warrat, sa seconde peau de musicien, enveloppant sa danse comme la peau du monde. Et toujours en "bonne compagnie" "cum panis" à partager sans modération en une jolie cérémonie ouverte, offerte à tous, une célébration des corps dansant, une messe pour les temps présents!

Au Théâtre National de la Danse Chaiillot jusqu'au 21 Octobre

"Décalé" Batsheva The Young Ensemble Ohad Naharin : une "Décadance" enjouée !

Avec Décalé [alias Decal’e], le chorégraphe Ohad Naharin livre une pièce dynamique, pour seize à dix-huit danseurs. Version courte de Decadance, Décalé en est aussi la version jeune public. Directeur artistique de la Batsheva Dance Company depuis 1990, le chorégraphe israélien Ohad Naharin a depuis lors conçu nombre de spectacles pour la compagnie. Créé pour la Batsheva Dance Company – Young Ensemble, la compagnie junior, Decadancefonctionne comme un moment de synthèse et d’exultation. Un exercice de style et d’excellence, composé à partir de différents moments d’autres spectacles d’Ohad Naharin. Sur des musiques rythmées et très variées, la souplesse des danseurs est mise à l’épreuve de la scène. Version jeune public (dès six ans) Décalé fonctionne sur le même principe. Pédagogie de haute volée, pour les interprètes comme pour les publics, Décalé offre un spectacle vitaminé ; une friandise à déguster en famille.

Ils sont jeunes et plein d’allant, de verve, d'énergie et servent à merveille cette version légèrement "décalée" du chef d'oeuvre de Mr Gaga !
C'est seul sur la scène, feignant un échauffement que débute le show, alors que le public, jeune, s'installe dans la Salle Gémier, à "potron minet": il est 10 h du matin et l'on s'étire mentalement avec lui, alors que plus sérieusement, il danse déjà "gaga" au vu et au su de tout le monde tout "feux allumés"!
Un démarrage original pour ces précieux instants que nous passerons en "bonne compagnie", quelques instants plus tard.
Alors survient le phénomène de cette danse peuplée de gestes incongrus, immodérés, insoupçonnés de notre propre vision du mouvement.
Illusion, leurre ou magie, on retient son souffle après quelques consignes émisses par des voix off: surtout, les jeunes, "éteindre votre portable", nomophobie oblige, pour mieux l'étreindre à la sortie, s'en libérer et regarder, écouter la danse démantibulée de ces corps jetés à corps perdus dans un marathon savant de poses débridées, désarticulées.
C'est une pantomime d'automates désarticulés, de pantins agiles, de robots dociles, savants circassiens de la danse contemporaine qui s'agitent, fébriles devant nous. Déséquilibrés, fous de danse, gaga de voltes face, de distorsions et de malice aussi. Car loin d'être des bêtes dressées à un style, voici des interprètes galvanisés par un orpailleur des personnalités qui savent se fondre dans un unisson, autant que se singulariser dans de courts solos où on évalue largement leurs capacités identitaires!
De la danse, telle qu'on en rêve, fougueuse, inventive, ébouriffante, réglée pour un final remarquable où sur des chaises instables, chacun va de sa chute, de sa glissade en gestes , ricochets à l'appui où le trouble est semé.
De noir vêtus, les voilà, ravis, emballés qui à leur tour passent et distribuent leur passion de la danse, au public, conquis, médusé, séduit par cette contagion joyeuse du geste réinventé en toute fantaisie, en toute "jeunesse" confié à des êtres d'exception.
La passation est salutaire et réussie, les jeunes "gaga" sont au diapason de cette hystérie contenue, heureuse et porteuse de bonnes nouvelles explosives, éruptives.
Pour preuve de savoir être ensemble, les danseurs invitent le public à les rejoindre sur le plateau, lors de duos simples et faciles pour le bonheur de tous: c'est touchant et émouvant, la dernière image comme celle d'un couple enlacé, vivant les premiers instants d'un raprochement amoureux, au bal !

Au Théâtre National de la Danse Chaillot jusqu'au 21 Octobre
"Tous Gaga" !