"Quand les sculptures dansent" : Biennale d'Art Contemporain de Bischwiller: ça balance et ça tangue.dans le déséquilibre...

 

Première Biennale de sculptures contemporaines à Bischwiller: événement à marquer d'une pierre blanche! Sous la ligne éditoriale et direction artistique de Germain Roesz voici un parcours, une balade dans l'espace commun de la cité. Une audacieuse initiative qui honore le mouvement et ses déclinaisons au sein du médium "sculpture". Quatre artistes de renommée internationale et transfrontaliers s'emparent judicieusement des trottoirs, des places, des "endroits" visibles ou plus discrets: comme un espace de dialogue entre le citoyen, l'habitant, le chaland et ses lieux de passages, de déambulation, de transition. 

Mouvements des corps dans la ville, associés aux mouvements, oscillations ou gravitations des oeuvres de François Weil -sculpteur sur pierre, français-qui investissent le terrain en autant de masses lourdes et pesantes rivées à des axes de rotation ou balancements hallucinants. De la légèreté contenue dans ces  structures de lave volcanique de Volvic paradoxalement à l'idée de sculpture statique et hiératique. Déjà les jeunes s'approprient en balançoire couchée, l'une d'elle, comme dans un parc de jeux d'enfants! Oeuvre tranchante et multidirectionnelle comme le serait la danse d'une Carolyn Carlson découpée en axes contradictoires et pivots tournoyants à l'envi sous l'impulsion légère d'une force et  volonté humaine. Des ouvrages que l'on découvre sur les pelouses du parc de la cité, agora de la matière sculptée d'aujourd'hui.

Plus loin on rencontre les oeuvres de Armin Göhringer- sculpteur sur bois, allemand- qui intriguent tant les deux matériaux investis sont mimétiques: bois de chêne tronçonné à la chaîne, noirci ou blanchi en grilles ajourées comme des moucharabiehs et métal couleur rouille orangée. Le geste de l'artiste se devine présent, précis, découpé, arrêté juste au bon endroit. Au bon moment. L'effet de couverture, de chemise effectué par le métal entourant la fragilité du bois est rassurant, enveloppant l'oeuvre comme une carapace, un exosquelette protecteur. Car le corps est présent comme une empreinte dans les matériaux, penchants, jamais rectilignes dans leur posture verticale: attitude et allure noble et frustre à la fois. De l'air dans les entailles et entrebâillements du bois, failles ou fêlures, brèche ouverte. Comme l'espace entre le corps et les membres du danseur selon la danseuse et chorégraphe Odile Duboc et sa "mémoire de la matière". Passer à travers, se glisser dans les interstices du matériau pour mieux entrapercevoir les sons, les images vivantes de la cité laborieuse.Un projet "in situ" qui fonctionne comme une surprise, un parloir ou confessionnal païen, citoyen: des instants d'interrogations, puis de méditation très opérationnels. Si l'oeuvre d'art "publique" joue un rôle, celle ci en serait un exemple probant, une réussite esthétique, architecturale de bon aloi. De la "haute couture" pour Bischwiller, ex cité Vestra...

Au détour d'une rue c'est "La cascade" de Sylvie de Meurville qui séduit: proche d'un escalier d'où l'on imaginerait dégringoler une cascade, voici sur la façade d'une bâtisse, comme des nuages découpés, accrochés au mur: pour mieux rêver la ville et regarder en l'air loin du bout de notre nez. 

 

Oeuvre légère suspendue, lyrique et quelque part sonore par sa composition rythmique. Une installation rejoint cette vision onirique du paysage urbain : une nappe de dessins blancs sur la surface du lac, comme une relique vestimentaire, une Ophélie flottante. Corps fleuve, île flottante, nervure comme un circuit veineux. En face, une composition moussue conforte le sens du travail de l'artiste: mimétisme et hommage à la nature, à ses circuits flottants, sa cartographie aquatique. Des ondes sonores en vibrations pour partition auditive.

De quoi réjouit même les habitants de l'étang, petits animaux rongeurs et amateurs d'art contents pour un rien. Ce "Vestra" comme un linceul, une chrysalide , une peau-enveloppe glissant sur l'eau. Le travail de Sylvie de Meurville est un paysage de courbes de niveaux, de flux, de fluidité organique très dansant: la circulation des fluides lui étant familière et terrain, terreau d'investigations multiples dans le paysage du "Land Art" très personnel!

Puis on rencontre les installations de tubes métalliques, signatures de l'artiste Robert Schad : autant de formes qui se dressent sur une patte, se brisent, inversent les directions pour former des tectoniques tranchantes dans le paysage autour de la gare. Un bivouac, une halte, une étape dans ce voyage artistique auquel nous convie la Biennale. Les lignes divergent, se rencontrent laissant toujours vers le ciel ou la terre des possibilités d'évasion, de respiration. Multidirectionnelle toujours. Articulations, soudures des membres très organiques de ces oeuvres comme des corps dansant du hip-hop, du break dance ou du crump. De la danse hachée, en rupture, en segments à la Jean Claude Gallotta ou Daniel Larrieu, chorégraphes minimalistes très éloquents.

"Quand les sculptures dansent" sont bien éloignées du mouvement à la "Carpeau", Carabin ou autre sculpteur de la danse. Plus proche d'un Rodin ou d'un Degas, sculptant des énergies, du repos, de l'immobilité animée , vivante..Les quatre feuilles de ce trèfle riche et porteur de bonheur, de jouissance pour celui qui s'arrête et regarde en chemin sont des atouts majeurs pour l'environnement urbain et Bischwiller peut être fier d'accueillir six mois durant cet éphémère occupation des sols dans un but généreux et partageux inspiré d'une grande rigueur et exigence. On ne s'y trompera pas en parcourant ce circuit bien dosé que l'on empruntera sans modération avec une curiosité croissante au fil de ce sentier de l'âne: brouter des yeux ces opus minéraux au coeur de la ville comme des mets inédits d'un festin convivial. Régalez vous jusqu'au printemps de ce circuit alléchant plein de surprises, de questionnements, de réflexion comme un miroir du monde actuel: ses failles, ses bâillements, ses navigations improbables vers des continents prometteurs de beauté, d'équilibre...en déséquilibre constant comme dans la danse d'aujourd'hui: quand deux média se rencontrent, danse et sculpture deviennent architecture paysagère utopique.

"Paul Valéry nous a appris que la danse est l'invention de l'architecture (je crois dans Eupalinos, de mémoire). Ainsi la sculpture, en tous les cas celle de la biennale parle de constructions extérieures à elle-même (espace, lignes directionnelles, volumes). Elles sont donc habitables en ce sens. "

germain roesz

A Bischwiller jusqu'au mois d'avril 2024

Quatre artistes, 14 œuvres

• Sylvie De Meurville : sculpteuse sur résine (Française) – Les fleuves sont ses sources de création. Trois œuvres seront présentées : deux seront installées dans l’étang « Vestra » et une sur un mur à proximité.

• François Weil : sculpteur sur pierre (Français) – Il recherche le mouvement et l’équilibre dans ses œuvres. Chaque réalisation proposée peut être mise en mouvement par une simple impulsion humaine. Ses sculptures sont visibles le long de la trame verte. Quatre œuvres seront installées dans la trame verte, afin de permettre la mise en mouvement de ces œuvres sans risque.

• Armin Göhringer : sculpteur sur bois (Allemand) – Il crée des sculptures en bois habillées de métal avec un jeu entre équilibre et instabilité. Quatre œuvres seront exposées en centre-ville dans la rue Raymond Poincaré.

• Robert Schad : sculpteur sur métal (Allemand) –  Il crée des dessins dans l’espace à partir de tubes en acier massif monumentaux. Ses sculptures sont installées à la gare. Trois œuvres seront installées au niveau du parvis de la gare et du square Charles de Gaulle situé en face de la gare.

 

 

"Oui": pour un non, pour un ouïe-dire! Se sauver sans fléchir, sans renier la réalité: Thomas Bernhard ressuciste entre de bonnes mains.

 

Oui est un court roman de l’écrivain autrichien Thomas Bernhard, paru en 1978. Une rencontre peut -elle sauver ? Le narrateur est au bord de sombrer dans la folie chez son ami Moritz, agent immobilier, quand arrivent « les Suisses ». Pourquoi le Suisse a-t-il acheté une fortune un terrain abominable ? Se peut -il que, grâce à la Persane, sa femme, le narrateur ivre de solitude et d’obsessions paralysantes puisse recouvrer désirs et émotions positives ? La metteure en scène Célie Pauthe et l’acteur Claude Duparfait − grands amoureux du verbe de Bernhard et de sa radicalité − se retrouvent pour faire entendre ce récit d’une rencontre fascinante, cette enquête intime pour recomposer le portrait et le destin de la Persane, l’éclat d’une relation vitale.

Il nous attend patiemment alors que le public s'installe en salle. Sur le plateau, plein feux sur les spectateurs, il scrute les visages: nous sommes ses acteurs, lui, notre spectateur. Esseulé, il démarre un monologue par la narration de sa situation, de ses partenaires de vie, peu nombreux et pas toujours bienveillants. Alors ses compagnons, de route, de fortune seront Schopenhauer, le philosophe de la sobriété et Schumann, le musicien romantique dont l'oeuvre pour piano le bouleverse, le suit, le hante. De quoi "ensoleiller" son univers, sa pensée sombre et troublée. Sa femme morte garde une place privilégiée: ici à l'écran, cheminant dans une foret peuplée de hêtres, troncs lisses et futs en majesté. Femme "incarnée" en virtuel, mais si présente en fond de scène sur l'écran, en dialogue avec son isolement forcé, en symbiose avec son état de corps, en enfermement et désir de liberté. Persane à l'écran, Mina Cavani, sombre et généreuse chevelure sensuelle, est vivante et partage la solitude de cet être pétri de verbes, de mots de Thomas Bernhard. Le dialogue entre les deux protagonistes, homme et femme fonctionne à merveille et plonge l'auditeur dans les tréfonds des âmes tourmentées mais positives. Mélancolie, certes pour un phrasé musical proche d'une composition de Schumann, addiction à la beauté du verbe, de la syntaxe qui oeuvre dans le sens de l'avancée. Tombeau littéraire qui appelle les morts, recueil théâtral, la pièce évolue au fil de la mise en scène, sobre et frugale de Célie Pauthe. 

Pour l'acteur Claude Duparfait, la prose lui va comme un gant qu'il enfilerait par plaisir avec volupté et passion. De sa chaise, au départ support-surface de son corps et de sa pensée virevoltante, il se déploie au fur et à mesure, savamment dosé dans ses intonations. La musicalité du texte incarnée. Se sauver les uns les autres grâce à l'écriture et à ces personnages pétris d'humanité. Et "le Suisse" d'apparaitre comme un fantôme sur un terrain glissant, funambule et spectre dans les mémoires pour rendre l'action plus plausible, plus ancrée dans une pâle réalité du commerce de l'immobilier: Moritz, l'agent et ami absent au coeur des transactions vénales. Un bout de territoire, endroit maudit ou vecteur de l'action, à nous de choisir sur quel terrain danser. Il y a du mouvement dans le corps de l'acteur qui ose et franchit les limites de ce jeu sombre et retenu. La Persane comme une arlésienne improbable qui accompagne le récit par complicité, fidélité pour une rédemption par la rémission des actes manqués. Etre seul, oui, mais "peut-être" aussi: pour ce oui, pour ce non, qui fait que l'on cherche l'autre, perdu ou retrouvé, cultivé dans la mémoire vive. Sombrer dans la folie, serait une solution de réserve: aller sans retour pour tous, tragédie d'êtres déracinés, destin de chacun pour mieux évoquer un non-retour, un oui-dire . Et la forêt de révéler à l'image cet endroit de la discussion entre les deux personnages, comme dans un crâne empli de paroles, de souvenirs. La femme est brusque, brute et fragile, sa chevelure voluptueuse engendrant sensualité et douceur. Forêt obscure et profonde qui fit l'objet d'un tournage fort et passionnant au regard des situations de vie, de mort, de disparition et résurrection. Les lettres de Persane comme bouée de sauvetage pour celui qui hante le plateau comme un spectre de lui-même face à une morte bien présente. Des limbes d'une nuée de fumerolles bleutées, le personne disparait en fumées. Partager le tombeau de la théâtralité, du verbe pour mieux ressusciter des ténèbres. 

Célie Pauthe dirige le Centre dramatique national Besançon Franche-Comté depuis 2013. En 2005, elle a présenté au TNS un premier texte de Bernhard, L’Ignorant et le Fou. Sa dernière venue date de 2019, avec Un amour impossible de Christine Angot. Elle retrouve ici Claude Duparfait. Ensemble, ils ont présenté Des arbres à abattre de Bernhard en 2013 et La Fonction Ravel de C. Duparfait en 2017. Lui a également créé Le froid augmente avec la clarté, d’après L’Origine et La Cave de Bernhard, en 2017.

 Au TNS jusqu'au 28 0ctobre

"Danse macabre": Martin Zimmermann et la faucheuse camarde joyeuse, de vie à trépas. "Memento mori"- tuerie!

 

Dans un no man’s land, en marge de nos sociétés policées, trois figures tentent de survivre. Souvent loufoques, parfois inquiétantes, elles se débattent dans l’existence, nouent et renouent des liens toujours fragiles, tentent de former tant bien que mal une communauté précaire. Mais elles ne sont pas seules : comme dans le motif pictural remontant au XIVe siècle qui donne son nom au spectacle, c’est la figure éternelle de la mort, sur la scène, qui mène le bal. Et dans ce monde où le comique est grinçant, les objets eux aussi ont droit de cité : ils y déploient leur propre existence, se rebellent contre l’autorité des humains.

Une boite de Pandore comme un balancier, un métronome irrévocable.

La faucheuse est fauchée et dans ce décor à la "arte-povera" ou Anselm Kiefer, peuplé de ruines, de papiers jonchant le sol comme après une catastrophe, on pénètre dans l'univers de Zimmermann and C°.

De quoi retrouver ces architectures à bascule, ces constructions aléatoires qui changent tout le temps, se métamorphosent à l'envi. Et ce petit peuple dans ce "jardin des délices" à la Jérôme Bosch, de s'animer comme des vermisseaux au pays de l'hybride, de la mutation humaine, animale. La camarde en sus, une créature en justaucorps noir agrémenté de dessins de squelette: un Michael Jackson en herbe comme dans la version clip-épouvante de Martin Scorsese "Triller". Ou une Conchita Wurtz en puissance.Car la danse, la gestuelle ou gesticulation de ces quatre personnages est singulière et propre à chacun: un plus vieil homme se taillant la part belle dans des évolutions en cascade dans cette maison vertigineuse comme celle de "La ruée vers l'or" de Chaplin revue et corrigée par les architectes Herzog et de Meuron.

 

La danse macabre n'a ici rien à envier aux représentations moyenâgeuses: pas de ronde ni de cortège mais plutôt une ambiance, des corps consentant à faire des galipettes, contorsions et autres conférences gesticulées. Dimitri Jourde n'en fait qu'à sa tête pelée par l'alopécie burlesque, Methinee Wongtrakoon se contorsionne à loisir, Tarek Halby ne se dégonfle jamais et la pièce n'est pas un long Styx tranquille.Le son rebondit au sol, les hurlements, cris et autres expressions verbales fusent. Feu d'artifice, la mise en scène grouille de petits détails à fouiller et Peter Greenaway est proche avec sa version dansée live en performance d'une vision plutôt joyeuse et décalée de la figure déclinante de la mort. La "Skeleton dance" de Walt Disney s'en rapprocherait aussi.Sorte de vanité ou nature morte animée, l'opus de Zimmermann et ses compères-complices fonctionne à loisir. 

Une once d'habanera, un soupçon de glas de l'horloge astronomique et une danse de zoulous à la Decouflé dans Caramba, et le tour est joué.Désordre, déca-danse et autre contre-danse pour un chaos tectonique à la dérive des continents. La musique très tonique signée Colin Vallon, de bruits et de fureur, bat son plein et sa coulpe et l'on plonge dans une atmosphère noire et sombre, solaire, au plus près des images d'un cimetière joyeux en Roumanie. Les quatre interprètes ne quittent pas le plateau et se frottent sans cesse à l'humour et la distanciation. 

Cela prête à en rire, sans doute, mais à réfléchir sur la place des fantômes, pantins et autres farfadets que nous offrent cette pièce. Lutins maléfiques ou bonnes petites bêtes à bon dieu aux enfers pour le meilleur et pour le pire. Des formes hybrides en constante métamorphose pour mieux invoquer la transformation de la matière corporelle. Danser pour échapper à la mort dans une frénésie contagieuse et jubilatoire: voici le credo de cet opus où le "memento mori"se fait audacieux et irrévérencieux. Les objets y ont une âme, les placards, des macchabées morts-vivants. La condition humaine se révèle pitoyable autant que jouissive: alors on ferait bien une petite farandole avec eux pour déjouer le sort implacable qui est le nôtre: mourir ou ressusciter: à bon entendeur, salut! Beau final style foire du Trône avec néons et clignotants fluo!

 

 

 

Convoquant le cirque, le théâtre, les arts visuels dans un décor audacieux, Martin Zimmermann déploie un univers où s’exprime le tragicomique de l’existence. Sans cesse menacés de disparition, quatre marginaux y expérimentent le « vivre-ensemble », dans sa version grimaçante. Miroir déformé de nous-mêmes, ils nous rappellent autant la récurrence de l’échec que la capacité humaine à se relever. Comme celle de Baudelaire dans Les Fleurs du Mal, la danse macabre de Zimmermann nous « entraîne en des lieux qui ne sont pas connus » – à moins que... ?

 

Conception, mise en scène, chorégraphie : Martin Zimmermann
Avec Tarek Halaby, Dimitri Jourde, Methinee Wongtrakoon / Eline Guélat, Martin Zimmermann
Création musicale : Colin Vallon
Dramaturgie : Sabine Geistlich
Scénographie : Simeon Meier, Martin Zimmermann
Collaboration artistique : Romain Guion 

Au Maillon Wacken jusqu'au 20 Octobre 

"Jérôme: danser l'Amant des Morts": même pas peur. Bruno Bouché questionne et interpelle le corps penchant.

 

Jérôme
Danser l’Amant des Morts

Le 15 octobre 2023

Musée d'Art Moderne et Contemporain
1 place Hans Jean Arp - 67000 Strasbourg 

 

CTom Kelfstad

Héraut des arts de la représentation, l’Opéra national du Rhin collabore régulièrement avec les Musées de Strasbourg et Colmar, soit en proposant dans ses murs des contrepoints musicaux ou chorégraphiques à certaines expositions, soit en allant déployer ses forces artistiques dans les musées eux-mêmes, pour des performances dansées, concerts ou ateliers.

Avec une chorégraphie librement inspirée de l’ouvrage L’Amant des Morts de Mathieu Riboulet, Bruno Bouché signe une création pour les danseurs et danseuses du Ballet de l’OnR.

Le MAMCS une fois de plus investi par la danse, c'est une occasion unique de porter son regard sur une oeuvre éphémère qui ne s'accroche pas aux cimaises, ni en ronde bosse. En relation étroite avec l'exposition phare de la rentrée" aux temps du sida" cette proposition chorégraphique interroge, interpelle, secoue, émeut et déplace le sujet au coeur de l'évocation de la "maladie": le corps. 

En préambule, je vous renvoie à la recherche de Gerard Mayen: "ce que le sida a fait à la danse, ce que la danse a fait du sida"

https://www.cnd.fr/fr/file/file/2303/inline/mayen_gerard_2013.pdf

 

L' étreinte et la rédemption.

 

 Deux lits en fer noir, une rampe de néons rose fluoresçant comme décor: une scénographie sobre dans la grande nef du MAMCS. Et les silhouettes tout en noir, habillées de chasubles, jupes, apparaissent glissant sur le sol, en chaussettes noires. Un homme se distingue, d'une grande beauté, longiligne tout en souplesse et fluidité gestuelle. Il est accompagné dans sa solitude par des compagnons de route qui le transportent comme un corps déjà à l'horizontal. Supports, guides, assistants ou simples connaissances pour accompagner, déplacer un être souffrant. Une atmosphère grave, intense rehaussée par la célèbre interprétation du "Cold song" de Purcell, interprétée par Klaus Nomi devient évidence claire et limpide. Les corps se rejoignent, se frôlent, s'étreignent, déroulent au sol des traces , empreintes de sensualité, de retenue aussi. Le mouvement est contagieux, se propage, se transmet comme un flux salvateur. Évoquer la maladie, c'est ici provoquer la rédemption par la danse d'un état de corps déclinant. Mais dont la course est loin d'être terminée. Après une "métamorphose" de costume, du noir intégral, au rose sportif et lumineux, la danse devient solaire et ôte ses atours sombres, noir d'ivoire, outre-noir. On songe à Djamel Tatha et ses créatures vêtues de noir, immobiles mais pourtant émergeant du coucher vers la rectitude, l'érection du corps. Corps ici fulgurants, sportifs, alertes, jamais absorbés par les chutes nombreuses, qui rebondissent, se relèvent, affrontent leur sort quoi qu'il en soi: pour preuve cet alignement frontal très athlétique qui simule une course compétitive vers le meilleur, la performance. Bruno Bouché oppose force et relâchement, étreinte et abandon sans soumission ni capitulation. Les danseurs se redressent, les regards se convoitent, les duos se reforment pour épouser affinité et solidarité, instinct et raison. L'émotion est grande et forte face à cette proposition solaire débordant d'une intelligence , d'une grâce douce et sensible qui ne laissera personne infidèle, indifférent. Une pièce courte, comme une "bonne nouvelle" authentique et limpide, réaliste et digne de la gravité du sujet. Gravité des corps, puissance du geste et audace de l'interprétation de ces sept danseurs et danseuses du Ballet du Rhin. Histoire de balayer toute affectation et dépression au sujet du SIDA et de ses impacts indélébiles sur nos consciences contemporaines. A l'image de l'exposition : radicale, poétique, réaliste et pleine de rhizomes.

 

Une performance de Bruno Bouché avec les danseurs du Ballet de l’OnR

Emmanuel d’AUTHENAY, assistant à la dramaturgie, costumes et scénographie

Interprètes: 

Audrey BECKER, Pierre DONCQ, Mathis NOUR, Marwik SCHMITT, Emmy STOERI, Alain TRIVIDIC, Hénoc WAYSENSON

 

Jérôme Alleyrat avait seize ans quand son père prit l'habitude de coucher avec lui, et lui avec son père. La mère a décidé de s'enfuir. Quand il arrive à Paris, un matin de septembre 1991, il a vingt ans. À cette date, l'épidémie de sida bat son plein. Peu concerné par cet événement, tout entier concentré sur la quête d'un plaisir qui frôle l'anéantissement de soi, Jérôme est arrêté au beau milieu de son accomplissement par l'irruption sous son toit de la maladie, en l'espèce : son voisin de palier qu'il recueillera, soignera, accompagnera jusqu'à la fin. De cet épisode fondateur découlera l'orientation de sa vie tout entière. Sa trajectoire remet au centre de notre attention ce qui désormais a disparu derrière le rideau de fumée de la réification triomphante : le goût du sexe, l'élan vers l'autre, la tentation du bien...

patrick bossatti

https://www.cnd.fr/fr/file/file/2303/inline/mayen_gerard_2013.pdf    lire !!!!!

Chiffres et expressions

 Faire les 400 coups

1001 raisons de 

les cinq doigts de la mains

le trèfle à quatre feuilles

jamais deux sans trois 

un kilomètre à pied ça use

la tour Eiffel a 400mètres

je t'ai déjà dis 100 fois

haut comme trois pommes 

un deux trois partez

les trois coups de brigadier

sur son 31 

vingt sur vingt

la preuve par 3

la troisième roue du char

compris cinq sur cinq

à deux places

deux francs six sous

trois grains de 

une once de

à deux roues

à quatre pattes

ça vaut pas 3 pâquerettes, pas 1 clou

douze coups de minuit

zero de conduite

treize: jour de chance

le premier mercredi du mois 

dix coups de semonce

https://savour.eu/expressions-avec-chiffres/

https://abcdufrancais.com/2022/04/24/expressions-avec-les-chiffres-et-les-nombres/

http://www.maths-rometus.org/mathematiques/maths-et-mots/avec-11-onze.asp#id1358

http://villemin.gerard.free.fr/aHumanit/Langue/Proverbe.htm

https://french-francais-rag.com/expressions-nombres-cinq-six-sept-neuf-dix-onze/

 

"Amadeus Live": un ciné-concert décoiffant. L'OPS et le choeur en symbiose rythmique kinémato-graphique.

 

Musique de Wolfgang Amadeus Mozart

Auréolé de plus de 40 distinctions internationales, Amadeus propose une plongée dans les oeuvres de Wolfgang Amadeus Mozart. Le film culte de Miloš Forman raconte l’histoire d’Antonio Salieri, compositeur à la cour de Vienne et de la rivalité qui l’a opposé à Mozart arrivé en 1781 à Vienne et précédé d’une enviable réputation. Il joue allègrement avec la vérité historique et s’appuie sur les légendes qui se sont développées après la disparition du compositeur. Amadeus demeure avant tout une fiction, un portrait jubilatoire nous faisant découvrir un Mozart complexe et contradictoire, tantôt surexcité, bien loin de l’image traditionnelle de l’enfant sage.

"Trop de notes", beaucoup de "poufs", ces perruques extravagantes poudrées à souhait...Trop d'éclats de rires, trop de faste, mais un film magistral que revisite ce soir l'OPS renforcé par le choeur du philarmonique. Mais ce ne sera jamais de "trop" que cette musique live accolée aux déferlantes images du chef d'oeuvre de  Milos Forman. 

C'est la musique qui emporte, enivre le film, souligne la hardiesse, l'aspect frondeur et débauché du maestro Mozart et en fait un personnage odieux autant qu'attachant. Trois heures de bonheur absolu à l'écoute des phrasés, des revirements des extraits choisis par séquences pour mettre en osmose ou conflit le sens, l'essence  et le contenu du film. Salieri en conteur du prologue à l'épilogue comme un monstre , un diable en dialogue avec son confesseur. Des flash back incessants en illustration de la mémoire d'un mourant, sur les fastes, us et coutumes d'une société en voie de perdition qui souhaite héberger un génie insoumis et rebelle de la composition: opéras, requiem, etc...Et les chorégraphies signées Twyla Tharp (Hair-Ragtime) d'illuminer de leurs rythmes et costumes baroques, la musique, la scène et le silence pétrifié de tous au vu de l’avènement du genre du "ballet" dans l'opéra. L'orchestre en symbiose avec le déroulement des intrigues, péripéties de la narration fait "fureur". Alors on jubile, on vit, on s'intègre au récit iconique de cette folie romanesque et bigarrée et l'on redécouvre le film sous sa vraie vocation: émouvoir, transporter le spectateur dans un monde inaccessible, furieux, intriguant, incroyable. De quoi décoiffer plus d'un perruqué des oreilles que nous fumes à la première vision du film à l'époque de sa sortie. Tension et séduction de l'écoute qui parfois dépasse la vision des images animées. L'Orchestre et le choeur au diapason, dirigés par la cheffe Catherine Bolzinger et le spécialiste des bordures sonores de film, Ernst van Tiel. Les accords et la  complicité des deux ensembles font impact et surprises, harmonie et beauté.

On est face et avec l'écran, la partition et le processus de création mozartien dans une séquence culte où le compositeur agonisant dicte le final du requiem des morts à son pire ennemi. Et l'on salue avec enthousiasme et empathie les deux formations musicales, ovationnées par un public bigarré, adhérent au "live" avec un bonheur non dissimulé. Une réussite que ce challenge à deux monstres bicéphales, hybrides: la musique et le cinéma, deux arts du mouvement, de la composition, du montage, cadrage. Vu pour la première fois au feu "Gaumont Palace" à Paris, ce temple gigantesque de la démesure visuelle, voici une résurrection "divine" et païenne  de bien des souvenirs décoiffants. Une soirée vertigineuse que l'on n'oubliera pas, le rire de Mozart en poupe, figure de proue d'un naufrage légendaire et d'une monstruosité créatrice hors pair. Une légende est née: le ciné-concert concertant, consentant et au service des disciplines artistiques les plus emblématiques d'un combat pour la vie. Et le chef de nous saluer, épuisé donnant signe de ses mains du code du coucher: do-do !
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En partenariat avec Avex Classics International
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Un film de The Saul Zaentz Company Film de Miloš Forman - Durée : 3h

Ernst VAN TIEL direction, Chœur philharmonique de Strasbourg, Catherine BOLZINGER cheffe de choeur

Lieu

Palais de la Musique et des Congrès le 13 et 14 OCTOBRE

 

Mozart à la boutique de l'Opéra Bastille à Paris....

 

Hugues Dufourt: oeuvres pour piano : qui va piano va sano ! De marche en marche, une ascension vertigineuse de sons magnifiés.

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A l’occasion du lancement du double CD dédié aux œuvres pour piano du compositeur Hugues Dufourt, la HEAR – Musique et le Conservatoire de Strasbourg s’associent pour célébrer le compositeur français de renommée internationale lors d’un concert exceptionnel en sa présence ce 11 octobre ! Six jeunes interprètes vous présenteront 4 de ses œuvres pour piano. Le Prélude op.45 de Chopin et Gesänge der Frühe de Schumann seront également donnés en son honneur, ainsi que le premier Klavierstücke D.946 de Schubert interprété par Amy Lin. Un concert – événement, ouvert à toutes et tous !

La HEAR – Musique et le Conservatoire de Strasbourg s’associent pour donner vie à ce concert d’œuvres pour piano du compositeur Hugues Dufourt. Musicologue, philosophe et compositeur français de musique contemporaine de renommée internationale, Hugues Dufourt est un pionnier du mouvement spectral. Compositeur d’honneur du festival Musica en 2019, il travaillait en 2021 et 2022 avec de jeunes pianistes de la HEAR – Musique et du Conservatoire lors de séances exceptionnelles organisées par Amy Lin, pianiste concertiste et professeur à l’Académie supérieure de musique de Strasbourg.
Cette collaboration exceptionnelle a donné lieu à l’enregistrement en juillet dernier de 9 œuvres, éditées sur 1 double CD grâce au précieux et indispensable soutien de mécènes, que nous remercions très chaleureusement !

Pianistes :

Manon Delort, Valentin Mansard, Kotoko Matsuda, Pierre Rouinvy, Vadim Saukin, Jasmin Zhang et Amy Lin

Programme :

Dufourt : Vent d’automne interprété par Vadim Saukin

De lentes respirations déroulent une atmosphère de mystère, de langueur en résonance: le son prend le temps de s'installer, de résonner, des silences ponctuent brièvement l'univers sonore ainsi créé. La vivacité s'empare de l'oeuvre en contraste et ouvre sur une conversation volubile, à deux, faite de contrastes, de questions, réponses, de réparties. Tel un dialogue à l'intérieur de soi, pour soi qui prend sa dimension conviviale. On y hausse le ton, s'affirme, se rétracte, réfléchit, donne la réplique. Des envolées percussives, des accalmies parsèment la composition, stricte et efficace. Les sons se catapultent en ricochets et ronds dans l'eau, où la musique prend le temps de se répandre, de s'étirer, en écho ou lentes avancées contrastées.

C 'est Chopin qui s’immisce dans le programme, en contrepoint ou symbiose judicieuse avec son  "Prélude op.45" joué par  Valentin Mansard. La langueur délicate, le fluide du déroulé de la musique en gammes ascensionnelles ou déclinantes, appellent à la méditation.

Suit l'opus de Hugues Dufourt, "Rastlose Liebe" joué par Jasmin An-Chen Zhang. Comme une course poursuite vive et accélérée avec ses assauts qui trébuchent, à bout de souffle. Comme des vagues en ressac incessant et opiniâtre. La dextérité, la vélocité de l'interprétation au plus près de l'esprit de l'oeuvre est impressionnante. Les mesures se répètent, se succèdent, volontaires_insistantes et se réitèrent de façon incessante. A Schumann de succéder avec ses "  Gesänge der Frühe (Chants de l’aube) op.113, n°1&4" joué par Pierre Rouinvy. Une balade nonchalante, appuyée, lente et pleine de grâce. Retour à Dufourt pour " La Fontaine de cuivre d’après Chardin" interprété par Manon Delort. L'amplitude, l'envergure des notes font vibrer l'espace à l'envi, vibrent et flottent en apesanteur. Le son s'allonge, s'étire, prend son temps comme inspiré, comme un panel étoffé de matériaux sonores explorés. En autant de déplacements d'un corps physique sonore, arpentant à pas lents les mesures rythmiques.

Schubert succède avec " Klavierstuck en mi-bémol, D.946 no.1" interprété par Amy Lin.. Dans un rythme affolant, une vitesse lumineuse source de grâce. Cette course affolée contraste avec des intonations de ressac de la mer dans le sable.
Au final de ce concert de nouveau Dufourt pour " La ligne gravissant la chute": au piano Kotoko Matsuda. Rythme lent, puissant, solennel avec les appuis toniques d'une marche lente.Les notes voyagent, ondes  qui se relaient, avancent vers une destination inconnue. Escapades rapides hors du droit chemin, hachées, pugnaces qui s'échappent et courent gagnant du terrain. En reprises acharnées, incessantes comme des images cinématographiques multipliées en répétitions obstinées. Des graves pour tenir une hauteur dense et puissante. Des sons en balance qui se répondent et rebondissent comme sur ces anciennes balançoires à deux places, face à face où seul le poids fait varier l'intensité et la hauteur. Notes déferlantes dans l'urgence de résonner en vibrations créant ainsi un paysage pictural post-impressionniste remarquable. On connait la passion du compositeur pour la peinture, la lumière, le cadre et sa musique en est empreintes, traces et signes des temps. Habitée, vécue par ces jeunes interprètes, l'oeuvre de Hugues Dufourt impressionne, imprime ses tonalités dans l'espace, transporté par l'instrument, les corps des interprètes, l'esprit de la musique.

 Réunis autour, avec  Dufourt, Schumann, Schubert,et Chopin font écho à cette marche-démarche auscultant autant la lenteur que la vitesse en alternance pour créer des univers d'urgence autant que de sérénité contemplative.

 

Le double CD “Complete works for piano solo I Hugues DUFOURT” vient couronner deux années de travail ponctuées de masterclasses sous la direction du compositeur, réunissant 6 étudiant·es de la HEAR-Musique et 1 élève du Conservatoire de Strasbourg – représentant 6 nationalités, auprès de leur professeur·e Amy Lin.
Sa sortie est prévue très prochainement, dans18 pays et sur toutes les plateformes.

 

Cité de la musique et de la Danse
Strasbourg

 

Mercredi 11 octobre 2023 

"Kitsou Dubois: une danseuse en apesanteur": ça plane pour elle...Hotesse de l'air de fortune en pleine flottaison aéronautique!

 

Kitsou Dubois, une danseuse en apesanteur

Jérôme de Missolz | 1994 | 24’ | Blue Films, Ki Productions, Vidéogram

“Que peuvent bien avoir en commun un astronaute et un danseur ?L’art et la manière de défier les lois de la gravité. Les premiers par nécessité, les seconds par goût…Lorsque le hasard fit se rencontrer la chorégraphe Kitsou Dubois et un astronaute, ce dernier évoqua les conflits sensoriels provoqués en apesanteur, entraînant des problèmes d’orientation, de déplacement et de gestuelle.L’idée a germé naturellement : l’entraînement des astronautes à partir des techniques de danse pourrait-il être efficace ?Intéressé, le CNES invite Kitsou Dubois à bord de cet avion singulier qui permet des séquences d’apesanteur de 25 secondes en opérant des séries de paraboles.

Deux autres vols se dérouleront en présence de plusieurs danseurs : les exercices s’inspirent alors d’autres pratiques sportives (natation, escalade à main nue) et d’expériences menées avec le CNRS au laboratoire de neurophysiologie sensorielle. De cette rencontre entre l’art et la science, Kitsou Dubois a trouvé la matière d’une danse qui ne cesse d’explorer de nouveaux espaces.”(Fabienne Arvers)

"Toute ma vie j'ai rêvé d'être une hôtesse de l'air....Alors le rêve du danseur, l'envol, l'apesanteur, devient réalité et l'expérience de Kitsou Dubois, un événement sans précédent pour le le monde de la danse.  On se souvient des expériences de Daniel Larrieu pour "Waterproof", un spectacle amphibien dans une piscine, où les corps flottent, sont immergés et forment un véritable travail chorégraphique, très éloigné du "ballet nautique". Les expériences de "danse voltige" de Decouflé, de "danse escalade"de Roc in Lichen. Et de celles de Trisha Brown, escaladant à l'horizontale les murs d'immeuble de New York. Ainsi que celles de  "mémoire de la matière" d'Odile Duboc avec des expériences de danse sur lit d'eau.Kitsou Dubois tente et teste, seule puis avec d'autres danseurs les possibilités de mobilité, de chutes, de portés pour en construire de futures chorégraphies, les corps impactés par cette "mémoire de la matière" alors convoquée pour restituer des états de corps et d'émotion: un pas de deux sidérant est filmé. Maguy Marin dans son célèbre duo pour "Eden" avait presque su donner l'illusion de cette apesanteur, fondée sur les appuis et le poids des corps en "danse contact"...Un leurre, une illusion artistique déjà très convaincante.S'il fallait remonter jusqu'aux sylphides suspendues aux cintres comme des envols artifice d'apesanteur!

Alors et les astronautes dans cette épopée sont aussi constamment confrontés à l'apesanteur et à toutes les incidences d'un corps "plongé" dans un environnement où il n'y a plus d'appui, d'effort, d'ancrage, de poids. Toutes les investigations et expériences de la danse d'expression de  Rudolf Laban mises à bas pour un voyage vers les contrées aériennes de Icare ou d'autres super héros de légende: ils échappent aux lois de la gravité pour perdre pied, lever l'ancre, être invincibles et inatteignables...Point est le but des "athlètes" du monde de la science qui gravitent dans l'espace pour la recherche et le bien de l'humanité. Leur santé à eux est affectée par de longs voyages et le jeune chercheur Pierre Bourdier d'animer une séance passionnante sur les "méfaits" de la conquête de l'espace sur les capacités corporelles des astronautes: 20 ans de prise d'âge pour le coeur en 6 semaines de voyage intergalactique!Les recherches au sujet de la santé face au phénomène de microgravité sont loin d'être terminées.La flottaison des corps interroge et bouscule les pratiques de l'entrainement sportif: voir les astronautes faire leur gymnastique quotidienne de 2H 30 sur des engins extraordinaires est un vrai délice. "Gravité le spectacle d'Angelin Preljocaj prend ici tout son sens: échapper à l'attraction terrestre tout en se jouant des nouvelles formes engendrées par l'absence de notion de poids. Poids plume ou poids lourd en circulation constante et mutation sensorielle inédite. Affaire à suivre pour les colonies de futurs habitants sur Mars.

→ Projection gratuite du documentaire, suivie d’une rencontre avec Pierre Bourdier à propos de ses travaux de recherche portant sur les effets de la microgravité sur l’activité physique et la santé des astronautes. 
Une événement organisé par le Jardin des sciences|Université de Strasbourg et Le Lieu documentaire dans le cadre du cycle  de projections et rencontres pendant la Fête de la science 2023 à Strasbourg.

Au planétarium le 10 Octobre
 

 

"le temps de l'amour" : Dutronc et Hardy : un couple inclassable...Hardiesse et Jacquerie de conserve!

 

« Le Temps de l’Amour »d’après l’œuvre de Jacques Dutronc & Françoise Hardy

Création de théâtre musical

Avec Christophe Feltz (jeu) et Clémentine Duguet (chant) 

• Pour cette nouvelle création, la compagnie Théâtre Lumière s’est immergée dans l’œuvre du couple « artistique » et « à la ville » de légende, « Jacques Dutronc & Françoise Hardy ».
  Ce spectacle de théâtre musical offre une soirée en toute intimité avec l’essence même de ces deux artistes qui ont marqué la chanson française du XXe siècle par leur rapport profond et sensible à l’enfance, à la tendresse, à la fragilité de l’existence et de ses désillusions, à l’aventure humaine et à leur jubilatoire et profonde croyance en l’Amour.
  L’univers de « Dutronc-Hardy » a toujours accompagné les interprètes Christophe Feltz et Clémentine Duguet dans leur parcours artistique. Ils font partie de ces grandes « plumes » de la chanson française avec Boris Vian, Jacques Prévert, Serge Gainsbourg, Charles Aznavour, Barbara, Georges Brassens ou encore Jacques Brel.
  Au cours de ce spectacle musical, vous entendrez les textes et certaines chansons  « incontournables » devenus cultes tels que Il est 5 heures, Paris s’éveille, Les Cactus, J’aime les Filles, Le Temps de l’Amour, Mon Amie la Rose, Il n’y a pas d’Amour heureux…mais vous en découvrirez aussi d’autres plus méconnues, de véritables petites perles rares et précieuses de ce couple étonnant, à la fois romantique et Rock’n Roll.

   

   Un couple improbable et pourtant idéal sera notre référence de cette "première" consacrée aux monstres sacrés que sont Jacques Dutronc et Françoise Hardy..

  C'est avec "Paris s"éveille" que Christophe Feltz entame ce festin musical et poétique en diable. Récité, conté, murmuré, ce "tube" fait office de découverte: on y entend les mots, devine les calembours, scrute la syntaxe qui n'est pas la même que dans la prosodie chantée. C'est un régal de décrypter ainsi sans l'accompagnement musical les textes de ce parolier et créateur hors pair qu'est Dutronc. "Il est cinq heures, Paris s'éveille"en 1968, suite à un défi lancé par Jacques Wolfsohn (patron du label Vogue), Jacques Dutronc imagine avec Jacques Lanzmann une chanson sur la capitale française le matin. Et ce qui donne son originalité à ce titre, c'est l'air joué à la flûte par Roger Bourdin. Alors on se régale tout du long de ce récital avec les chansons de référence, parlées, contées à foison par Christophe Feltz, chantées aussi par Clémentine Duguet, complice à la guitare de ces pérégrinations dans le répertoire "vintage" des deux chanteurs. "J'aime les filles" bien sur passe à la casserole, ainsi que "l’hôtesse de l'air" que l'on ne reconnait à peine tant on n'a jamais vraiment écouté les paroles. "Je retourne ma veste" où notre opportuniste se fait politicien véreux, ce petit jardin qui sentait le métropolitain, conté, puis chanté plus tard, juste pour faire la différence d'écoute; entre musique et texte, les coeurs balancent et tout est chamboulé dans un jeu entre les deux interprètes, brillants et toujours justes.  L'amour bien évidement, objet du récital atypique, "oiseau bleu" ou "vie de chien". Et le "testament du testamour" pour ne pas enterrer les versifications, les enjambements et virelangues de cet attirail de parolier-auteur-compositeur que demeure Dutronc. Face à lui Françoise Hardy incarnée par Clémentine Duguet, plus discrète et effacée, trouve sa place: c'est la république en marche, la tendresse, la tristesse.vécue avec respect et modestie. "Piège à fille", truand, ça prend ou ça prend pas pour Christophe Feltz et le bonheur est dans le pré, où le jardin.. Ce catalogue irraisonné des chansons du couple légendaire s'égrène en enchainements judicieux, imperceptibles pour mieux brouiller les pistes. Et ça marche une heure durant en compagnie de "la fille du père Noël", autant qu'avec un "gentleman cambrioleur".

  Du bel ouvrage pour cet "hommage" inconditionnel aux grands de la chanson: un voyage au coeur de l'amour et de l'émoi: "et moi et moi et moi"... Dans la lignée des auteurs fouillés et recomposés par Christophe et ses complices!
  

   

   

  le 7 OCTOBRE au fossé des treize
  
  
  
  
  
   

"Vaduz" : lecture performative! Autour de Vaduz...Il y a.....de la poésie sonore ! Et un millefeuille phonolitique...

 

C'est en 1974 que Bernard Heidsieck, l'un des plus grands poètes du XXème siècle, publie Vaduz, une pièce de poésie sonore.

Dans ce texte, l'auteur fait de Vaduz, ce maxi-village, capitale de ce mini-territoire situé au centre de l'Europe, le Lichtenstein, l'un, sans doute, des plus petits pays au monde, le centre même de notre globe.

Hélène Schwaller et Jean-Mathieu Collard vous offriront une lecture performative de cette pièce dans laquelle résonnera, de façon spectaculaire, l'unique dans la diversité : à la fois une grande œuvre humaniste, et une expérience extrême de la poésie-action.

 

T'as voulu voir Vaduz et t'as entendu des strates de schiste comme de la pierre phonolite, résonner au son des mots, du catalogue exhaustif des noms des peuplades du monde entier...C'est un millefeuille qui se délite, se déchire, catapulte les sonorités, renverse le rythme de la déclamation...Ils sont costauds nos deux récitants-conteurs-comédiens-musiciens: elle, c'est Hélène Schwaller qui bat de la mesure de ses deux mains pour mieux scander en rythme les cadences de la poésie fantasque de Heidsieck. Éloquence, rapidité, vitesse, célérité d'une lecture-démonstration virtuose... Lui, c'est Jean Mathieu Collard à la réplique. Chacun derrière son pupitre, debout, à l'aise malgré la tension physique et rythmique imposée par le débit des mots, des appellations de toutes sortes de peuplades. Il est aussi l'auteur des photographies qui défilent comme autant d'accumulations de lignes, points, plans, objets rassemblés au hasard des sculptures ainsi trouvées. Des images qui collent par leur dynamique aux scansions du texte. C'est drôle, surprenant, agaçant en diable et ça dure le temps d'épuiser toutes leurs forces et notre capacité à enregistrer ce flot continu de sons et de surprises. Tout se catapulte, enfle en orgasme rythmique étourdissant, les lauzes du texte s'enchevêtrent, s'arqueboutent et la langue va bon train dans ce gosier sonore rabelaisien. Tout passe à la casserole, à la moulinette surabondante du flux énumératif des noms de peuplade qui peu à peu se transforment en "émigrés", migrants et autres déplacés: une ethnographie savante inépuisable qui au final s'essouffle et s'éteint pour un calme apparent. Accalmie d'une tectonique minérale voisine des phénomènes sismiques défaillants. Les couches sonres se succèdent, se doublent, se superposent à l'envi, s'emboitent et se choquent comme un glossaire inépuisable et sociologique: un cours magistral à deux voix alors qu'à l'origine l'artiste double une bande enregistrée. De la haute voltige pour ce voyage à Vaduz, territoire dérisoire mais terrain d'expérimentation sonore draconien. Nos deux performeurs au diapason, de concert pour un événement digne de l'auteur de cette diatribe musicale de très bon aloi. Une litanie cérémoniale et dominicale très spirituelle, rituel pas catholique d'un sermon, homélie païenne ou prêche iconoclaste.La mécanique s'emballe et Vaduz devient le nombril incontournable d'un manège sonore sempiternel, enivrant: les deux interprètes comme des machines textuelles bien remontées au quart de poil, au cordeau. Une mécanique infernale au service d'une musicalité de toute incongruité. Déferlante avalanche de cailloux projetés dans le vide. Ça résonne au micro, en écho, en ricochet acoustique pour effet chaotique garanti.

 Monocorde, monotone prestation hypnotique à vous couper le souffle...

 

Dans le cadre de l'exposition de Jean Mathieu Collard  "Order/ Disorder"

A la Galerie la Pierre Large . 

 

Filage de Vaduz avec un duo d'interprètes Hélène Schwaller Jean Mathieu Collard

" Mothers. A Song for Wartime Marta Górnicka": madre mia! Révolution de palais pour des figures de proue dans la tempête..

 

Partout autour de nous, aux portes de l’Europe ou loin de ses frontières, le fracas incessant des armes recouvre les voix des victimes, des réfugié·e·s, des persécuté·e·s. À ce vacarme que nous peinons pourtant à entendre, la metteuse en scène polonaise Marta Górnicka oppose le chant puissant du chœur. Mothers. A Song for Wartime est une réaction directe à la guerre. 25 mères ukrainiennes, biélorusses et polonaises font entendre leur voix, une énergie vitale qui s’oppose farouchement aux forces de la destruction. Une voix qui fait écho au chœur antique, mais emprunte aussi à la lointaine tradition des chtchedrivky, ces chansons populaires venues d’Ukraine que l’on chante aux enfants pour célébrer la nouvelle année. Ces femmes les nourrissent de ce qu’elles ont traversé, elles font résonner un langage nouveau, à la fois immémoriel et profondément contemporain. Lorsque les musiques et les sons traditionnels rencontrent les revendications politiques du présent, la scène redevient l’espace d’une communauté, non pas fondée sur une idéologie partagée, mais sur l’écoute sensible de l’expérience de l’Autre.

Un groupe compact de femmes, plutôt jeunes nous attend déjà sur le plateau, sorte d'estrade-ring tout gris...Vêtues de costumes banalisés de la vie quotidienne: jupes, legging  et autres tenues passe-partout plutôt sombres. Elles sont en guerre ces amazones de la paix...C'est une fillette gracile qui introduit cette marche qui ira de l"avant ou à reculons, une petite heure durant. Mise en scène de circulations, déplacements d'un choeur qui chante ou hurle son désarroi, sa frustration, sa colère: des mères qui ne veulent plus attendre leurs fils. Retour de guerre improbable. Un choeur féminin comme un groupe de manifestantes aux revendications de slogans. Mais très cadencés, musicaux, comme autant de cris d'oiseaux, de corneilles en envolées hitchcockiennes. Murmurations d'une population dont les gorges, les langues ne sont pas de bois et lancent des salves de mots, de phrases répétées à l'envi. Des textes défilent sur l'écran de fond comme autant de manifestes à décrypter dans l'urgence: en bataille, en ordre rangé de lecture édifiante. Elles avancent ou reculent en chorus, en danse chorale à la Rudolf von Laban. Rythme, poids et forces directionnelles en poupe. Elles se font guerrières, porteuses de colère et d'espoir, mutines en trois groupe pour évoquer la sacro-sainte Europe. Sit-ing sauvage sur plateau effervescent ! Belle ironie et caricature de la politique internationale. De l'humour pour ces vingt pionnières frondeuses qui osent s'insurger, se "soulever" à la Didi Huberman: révolution de voiles de palais, de diaphragme, de poumons qui pulsent et s'emballent pour ces vociférations, ces berceuses infernales, scandées comme pour ne jamais s'endormir. Des diagonales savantes, des déroulés de corps, des alignements quasi militaires, des marches et démarches résolues, solides et teintées de violence retenue. Ou exprimée par le son. Un choeur pour évoquer l'amour, les bras noués, reliés comme un collier de perles enfilées. Et chacune de se présenter par son prénom, ses désirs, ses envies, sa biographie. C'est émouvant, renversant, loin d'un récital de chants traditionnels. Et au final ces femmes rebelles en rut, en proie à leurs convictions et combat quotidien forment une architecture tectonique de barricade. Ces "pétroleuses" d'aujourd'hui nous racontent leur histoire avec une interprétation nue et crue comme un chorus-line très politique. Au sens de cette polis, agora du débat, de la rencontre, de la parole qui se livre.Une cité-État, c'est-à-dire une communauté de citoyens libres et autonomes, le corps social lui-même, l'expression de la conscience collective des Grecs. Et se délivrent des tonalités murmurées comme à la messe ou dans les carmina burana,ces poèmes, cantates scéniques polyphoniques. On avance en chantant et on gagne du terrain en combattant avec d'autres armes. Les armes de la douleur, de l'énergie, du courage et de la volonté féroce et pugnace de regagner la rive. Le choeur battant en bandoulière, les poings serrés, les bouches ouvertes comme des dégorgeoirs à farine où à jus de la vigne."Dégorgeoir" de moulin. vomisseur de son orné de mimiques expressives ... Leur rôle était d'effrayer les esprits malfaisants qui auraient pu arriver jusqu'à la farine et la contaminer.

Au Maillon jusqu'au 6 OCTOBRE

"Danser Schubert au XXIème siècle" : le chant du cygne assailli, magnifié, conquis par la danse...

 

Franz Schubert a marqué à jamais l’histoire de la musique de son empreinte romantique. Né à Vienne en 1798, il est l’élève de Salieri et devient l’un des plus fervents admira- teurs de Beethoven. Malgré sa mort précoce à l’âge de trente-et-un ans, il est l’auteur d’une œuvre fleuve comptant plus de mille pièces. Quatuors à cordes, symphonies, sonates, fantaisies, opéras, il a exploré toutes les formes avec la même quête d’absolu. Surtout, il a porté l’art du lied à sa perfection, notamment avec La Belle Meunière, Le Voyage d’hiver et le posthume Chant du cygne, trois cycles qui révèlent avec éclat les thèmes qui l’ont obsédé durant toute sa vie : l’amour bien sûr, mais aussi l’espoir, la déception, la mélancolie, la tristesse, la nature et l’errance vers un ailleurs inaccessible.

Dans une scénographie du peintre Silvère Jarrosson, les danseurs du Ballet de l’OnR déploient leurs univers chorégraphiques au fil d’une dramaturgie musicale autour de la figure et de l’œuvre de Schubert imaginée par le pianiste Bruno Anguera Garcia. Douze pièces chorégraphiques intimes et singulières composent ce cycle schubertien auquel se joignent deux jeunes chanteurs de l’Opéra Studio.

« Voyez la musique, écoutez  la danse » : la formule est empruntée à George Balanchine. Un adage sur mesure pour cette soirée consacrée à la musique de Schubert, ses variations, ses audaces, sa stricte composition oscillant entre drame, nostalgie, romantisme et joie solaire. Douze pièces "courtes" comme des nouvelles littéraires, des courts-métrages cinématographiques vont se succéder en osmose, en glissement progressif d'une oeuvre à l'autre. Le tout savamment orchestré par les déplacements et circulations de cinq toiles , pans de graphisme à la Hokusai, calligraphie en noir et blanc, comme un manga tissé, tendu évoquant des figures paréidoliques. Toutes d'égale inventivité, de surprises liées à un glossaire et vocabulaire dit "classique" qui n'a plus de qualificatif que quelques positions et pointes de bon aloi. Là réside tout l’intérêt de cette expérience inédite en son genre. Reconsidérer les fondamentaux d'un langage calqué sur la virtuosité de l’exécution d'attitudes, poses et syntaxe trop connues pour être étonnantes. Ainsi, c'est un lion qui rugit en prologue, fauve faunesque qui introduit ce récital dansé à la perfection. Un "Adam" sans Eve, un solo signé Marwik Schmitt, plein d'humour et de détachement, de distanciation: Schubert n'en mène pas large...Très offert, lifarien en diable, le danseur évolue, animal farouche et sensuel: un faune à la Nijinsky très convaincant et ébouriffant.

"Zwischen// Hertztönen" de Julia Weiss  comme un entremets, entracte bref et passage furtif d'une table transportée à dos d'homme se fera intermède récurent...Avec "Etanos" de Pierre Doncq, c'est le groupe qui est l'objet d'une riche et dense chorégraphie tant chorale que parsemée de trio, diagonales et ensembles. Une composition qui donne à voir et écouter un couple d'hommes en noir et bleu, évoluer en gémellité et miroir, un groupe de femmes en jupettes seyantes en contrepoint. Les ondulations des corps comme leitmotiv et signature de phrasés savants dans l'espace. Maxime Georges au piano pour souligner et accompagner cette dynamique foudroyante et légère. Et Julia Weiss de ponctuer à nouveau ce flot de propositions chorégraphiques par un duo sur une table: la danseuse y fait figure de partenaire, support-surface lisse et rebondissant d'une danse plus tard en duo.

"Thérapie de couple" de Alain Trividic va dépoter l'ambiance pour une narration comique du couple. Assis sur leurs chaises, entre Pina Bausch et Anne Teresa de Keersmaeker, les voilà s'attirant, se repoussant à l'envi sur la musique. Disputes ou réconciliation des corps, fugue et courses pour échapper à l'attraction-attirance aimantée de l'autre. On songe à Michèle Anne de Mey et Pierre Droulers dans "Face à face" visitant Brahms et Schubert avec autant de fougue et de sensualité... "Opus" de Jean Philippe Rivière, succède comme un solo éperdu d'une femme en longue robe blanche: Audrey Becker comme une figure évanescente, virginale incarnant pourtant la musique, habitée, cambrée dans de longs détirés romantiques, langoureux, magnétiques. Le violoncelle pour partenaire parfait, accordé en corps à corps, instrument et danse vivante. "Double-Double" de Noémie Coin associe chanteur et pianiste dans un "quatuor" très stylé, distingué où la danse feutrée accuse "it's not your fault" comme un leitmotiv récurent: mouvements, texte et danse au diapason.Un duo sportif, déhanché deux douches de lumières au final pour conclure cette remarquable prestation aux allure de Mats Ek: pieds en dedans, mimiques, humour et décalage constant de trouvailles insolites.

La seconde partie de cette soirée remarquable à plus d'un titre se prolonge "Le temps d'une bise" de Pierre Emile Lemieux-Venne. Un quintette efficace, quasi martial ou militaire, rythmé aux allures de parade: un beau travail au sol, des sauts en contrepoint fragile et voilà un travail plein de comique, de jeu théâtral singulier, discret; des combats entremêlés de corps fébriles, et la dynamique est assurée. "Les vagues  de la rivière du temps" de Dongting Xing font suite, Bernadette John soprano et Hugo Mathieu pour pianiste. Un duo, quatuor chanté-dansé de toute beauté à l'écriture fluide et très classique. Les toiles évoquant aussi ces vagues à l'âme très romantiques. "Nuit et rêve" de Christina Cecchini toujours en compagnie de la mezzo soprano offre à Alice Pernao, danseuse, un moment d'émotion et de lyrisme vêtu d'une robe rouge-sang. Un solo intime, habité et très convaincant. "Anonyme" de Brett Fukuda offre à Marin Delavaud l'occasion de mettre en valeur tout son talent de comédien: au pied du mur, va-t-il résister à la tentation de se retourner. Comme cherchant son Eurydice, Orphée résiste, à la tentation, attraction ou attirance de la musique. C'est beau et touchant et la narration du corps dansant opère à loisir. Sa voix ne se retourne pas sur ses pas et l'homme tout de blanc vêtu est fragile, tenté. "Dualité" de Caue Frias emporte un couple de danseurs au zénith  de l'amour: fluidité, romantisme, nostalgie et mélancolie au chapitre pour une danse romantique pleine de grâce. Des portés harmonieux de ces longues robes noires dégenrées font naitre des sentiments plein de lumières: le phrasé chorégraphique épousant la musicalité de la partition très picturale, rehaussée par la présence des toiles de Silvère Jarrosson: un dispositif mobile, vibratile à l'image des soubresauts de la musique, des déplacements et circulation des danseurs. Le mouvement est sans doute le thème le plus présent dans son œuvre. Il traite le déplacement des pigments sur la toile à la manière d’un chorégraphe. Son travail a ainsi été exposé aux côtés des œuvres d’Olivier Debré connu entre-autres pour les décors peints qu’il a réalisés lors de sa collaboration avec Carolyn Carlson pour le ballet Signes en 1997 à l’Opéra de Paris. Mettant en mouvement ses toiles aux châssis épais, il sollicite l’intégralité de son corps dans la peinture et compare souvent ses toiles à des partenaires de danse. Enfin "La jeune fille et la mort"de Jesse Lyon clôt ce récital dansé,quatuor danseurs, baryton - Bruno Khouri- et pianiste pour une ode à la beauté, la souffrance, la nostalgie, la perte. La "Winterreise" de Preljocaj a égale perfection d'interprétation chorégraphique en mémoire ou référence de revisitation de l'oeuvre de Shubert.

Une soirée inspirée aux accents chorégraphiques variés mettant en avant toutes les possibilités d'écriture-signatures de jeunes chorégraphes soucieux autant de la technique que de l'inventivité, l'audace et la fragilité de la danse, pas si "classique" que cela, revendiquant une légitimité toute accordée à figurer parmi la danse d'aujourd'hui: au bon "endroit" sur des territoire et terrains inconnus, face à une oeuvre musicale gigantesque, colossale et pleine d'intensité, de dynamisme: à l'image de l'art chorégraphique qui "ne se retourne pas" mais "avance" ! Schubert en très bonne "compagnie", ce fameux ballet du Rhin dont la mutation opérée par Bruno Bouché fait merveille!

Chorégraphes Christina Cecchini, Noemi Coin, Pierre Doncq, Cauê Frias, Brett Fukuda, Pierre-Émile Lemieux-Venne, Jesse Lyon, Jean-Philippe Rivière, Marwik Schmitt, Alain Trividic, Julia Weiss, Dongting Xing Musique Franz Schubert Dramaturgie musicale Bruno Anguera Garcia Scénographie Silvère Jarrosson Lumières Aymeric Cottereau Mezzo-soprano Bernadette Johns Baryton Bruno Khouri Piano Maxime Georges, Hugo Mathieu CCN • Ballet de l'Opéra national du Rhin, Opéra Studio de l’Opéra national du Rhin

A l Opéra du Rhin jusqu'au  8 octobre